Fecha estelar: -309011.7
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Esta reseña está referida a la primera temporada de la serie.
Psycho-Pass (2012) es una serie de 22 episodios en su primera temporada, dirigida por Naoyoshi Shiotani. Se puede considerar, al menos al principio, una serie de ciencia-ficción dura, de tono ciberpunk, ya que nos encontramos con un planteamiento realista en el ámbito de la ciencia y la tecnología, muy alejado de las fantasías inaceptables que nos tragamos en otros subgéneros de la ciencia-ficción. Es un futuro muy posible en muchos de sus aspectos.
La influencia de Ghost in the Shell (GITS) en Psycho-Pass es innegable, tanto a nivel del tipo de historia que se cuenta como en el diseño de fondos urbanos, paisajes, artilugios y personajes, habitantes de un universo situado en un futuro no muy lejano. A cambio de la Sección Policial de Seguridad Pública (Sección 9), aquí tenemos a la Sección de Crimen de Seguridad Pública (Unidad 1); al igual que en GITS, la sociedad japonesa está altamente informatizada, aunque aquí no hay una red que conecte cerebros alojados en cuerpos prostéticos, pero sí es posible medir en las personas su estado mental y su personalidad así como la probabilidad de que vayan a cometer delitos. Si en una persona se mide su coeficiente de criminalidad y es muy alto, puede ser detenida, reeducada o, incluso, eliminada.
Pero GITS no es la única idea que se puede apreciar en Psycho-Pass. Empezando por la más que evidente influencia del Gran Hermano de la novela 1984 de George Orwell y pasando por la existencia de unos ejecutores dentro de la Unidad 1 que me recuerdan mucho al Juez Dredd. Otros ejemplos: las decoraciones y entornos en los que se envuelven los personajes son debidos a una tecnología que no tiene nada que envidiar a la empleada en la sala holográfica del Enterprise, o también que en los primeros episodios se visualizan las interacciones sociales en la red de redes de una forma muy similar a la ya vista en la interesante Summer Wars (2009) de Mamoru Hosoda. Una última: el homenaje a Blade Runner es bastante evidente (o así me lo parece) con el diseño de la torre de la sede policial de la Unidad 1. En varias ocasiones la cámara hace un descenso sobre la parte superior de la torre idéntico al que se puede ver en la película de Ridley Scott cuando el vehículo autopropulsado va a aterrizar sobre su terraza.
Todo este compendio de ideas e influencias son llevadas de una manera, me parece, muy brillante en el primer tercio de la serie. Se hace muy interesante ver la forma de desenvolverse de los personajes en este futuro absorbente, sobre todo porque es en este primer tercio de serie la cuando se resuelven casos que no llevan más de un par de episodios. Las tramas están bien, no son tan complejas y difíciles de seguir como en GITS, quizás porque se centran en las investigaciones y no se meten en el universo socio-político en el que se desarrollan. Pero pronto vemos que las investigaciones se relacionan con un único caso, que será el que se desarrolle y resuelva en la segunda mitad de la serie. Y aunque la historia que se cuenta está bien, me parece demasiado recargada en el ámbito filosófico y la serie pronto se olvida de todo el universo tecnológico que se nos había presentado para centrarse en una, por momentos, convencional historia de unos protagonistas perseguidores y de una perseguida mente brillante, todo ello aderezado con historias de superación personal y romance por desarrollar (habrá una segunda temporada). En este aspecto GITS es muy superior. En GITS las historias que se cuentan están inmersas, son imposibles sin su contexto ultra-tecnificado. En Psycho-Pass ocurre lo mismo pero sólo al principio, porque pronto el escenario del futuro es una mera escusa que deja de ser protagonista para desarrollar una historia muy acostumbrada. Es la diferencia entre un sobresaliente y un notable.
El segundo opening de la serie que me recuerda en su estilo al de la mítica Cowboy Bebop. El tema que suena es Out of Control interpretado por la banda de J-Rock Nothing's Carved in Stone. La factura técnica de la serie, producida por el Estudio IG, es impecable.
Para finalizar un AMV con el tema completo del primer ending de la serie, Namae no nai Kaibutsu, interpretado por el grupo Supercell . .
Fecha estelar: -309035.8
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Esta expresión proviene de la película de 1951 The Day the Earth Stood Still, dirigida por Robert Wise. En España se tituló Ultimatum a la Tierra, mismo título que se dio a un perfectamente olvidable remake del año 2008 protagonizado por el inexpresivo Keanu Reaves.
La película de Robert Wise, protagonizada por Michael Rennie, Patricia Neal y Hugh Marlowe, es un clásico de la ciencia ficción. Una sinopsis de la misma (tomada de Filmaffinity):
Una nave extraterrestre llega a la Tierra con la misión de entregar a los hombres un importante mensaje. El mundo entero queda conmocionado el día en que, sin previo aviso, un platillo aterriza en Washington y de él sale Klaatu, un alienígena de aspecto humano acompañado de Gort, un amenazante robot. La petición que Klaatu hace a todos los gobernantes del mundo es rechazada. Así las cosas, Klaatu decide observar cómo viven los humanos y, para ello, se hospeda en la casa de una mujer (Patricia Neal), madre de un chico, con el que Klaatu entabla amistad.
Sin entrar en spoilers, la pronunciación de las palabras "Gort!: klaatu barada nikto!" delante del robot Gort son una especie de contraseña para que su comportamiento vaya en una dirección concreta. No tienen una traducción aunque se menciona en los títulos de crédito de la película el sánscrito, lengua en el que podría tener un significado que no mencionaré aquí (spoilers).
Aquí el momento concreto en la película. Spoiler.
La influencia de esta película ha sido tal que hay múltiples referencias y homenajes a estas palabras no solo en el cine, sino en literatura, comics, música e informática. Recopilo aquí unas pocas.
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En El Ejército de las Tinieblas (1992) son las palabras que el protagonista, interpretado por Bruce Campbell, debe pronunciar en el momento de recuperar el Necronomicón, ese libro inventado por Lovecraft que es utilizado en la saga Evil Dead de Sam Raimi.
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En Tron (1982), las palabras aparecen en un cartel dentro del cubículo del programador Alan Bradley. Su finalidad es clara si se sabe su influencia en un posible robot invasor :)
Fotograma del film Tron (1982)
____________________________ En Star Wars, el Retorno del Jedi (1983), en la escena del pozo Carkoon, Barada es un klatooiniano que trabaja como técnico y operario de esquifes para Jabba el Hutt. En la escena concreta se encuentra detrás de Luke y es uno de los que termina cayendo al Sarlacc, que se da un festín. En cuanto a Klaatu, es un guardia personal de aspecto humanoide-reptiliano. Klaatu pertenece en el universo Star Wars a la especie de los Nitkos. En la escena concreta Klaatu se encuentra en la barcaza personal de Jabba el Hutt y se enfrenta a Luke cuando éste sube a la misma. Concretamente empieza a dispararle con su pistola láser y Lucke repele los disparos con su sable de manera que uno de ellos acaba rebotando en el propio Klaatu.
Barada
Klaatu
Barada, el primero por la izquierda
Barada sirviendo de aperitivo al Sarlacc
Klaatu presto a disparar contra Luke, pero con poco tino
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Para finalizar:
El navegador Firefox 3.x o posterior reacciona cuando en la barra de direcciones se escribe "about:robots". Es un "huevo de pascua" que contiene referencias sobre robots y Gort!: Klaau barada nikto! es el título de la ventana.
Fecha estelar: -309083.6
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Paprika (2006) es la última película del ya fallecido Satoshi Kon (1963-2010). Se trata de un anime de ciencia ficción basado en la novela del mismo nombre de Yasutaka Tsutsui, publicada en 1993.
Una sinopsis de la película (extraída de Wikipedia):
En un futuro próximo, la psiquiatra Atsuko Chiba ha utilizado un método de terapia revolucionario, gracias a que forma parte de un proyecto corporativo, en el cual un grupo de investigadores están realizando un dispositivo para navegar de forma consciente a través de los sueños y mejorar la detección, análisis y solución de traumas psicológicos.
Con el conocimiento del jefe del equipo, el doctor Morio Osanai, la doctora Atsuko Chiba, a través de su alter-ego llamado Paprika, comienza trabajando con el dispositivo para probarlo y de paso ayudar a los pacientes psiquiátricos fuera del centro de investigación. El método de terapia consiste en introducirse en la mente de los pacientes para tratar sus ansiedades, viendo los detalles de los sueños, evitando la necesidad de que sean narrados y con la posibilidad de grabarlos.
Tres prototipos experimentales son robados, desarrollados por el investigador principal y creador, el doctor Tokita, a los cuales aún no se les habían añadido las restricciones de seguridad, permitiendo al usuario ver los sueños y explorar los pensamientos inconscientes desde cualquier lugar a las personas conectadas a una maquina de psicoterapia. Los ladrones comienzan a utilizarlo para invadir las mentes de los encargados del desarrollo, afectándolos durante el día debido a el excesivo contacto que mantienen con el Mini DC, convirtiendo a la doctora Chiba en la más suceptible a ser afectada. Convertida en Paprika, la doctora Atsuka Chiba realizará una investigación onírica para dar con el causante del robo y descubrir sus verdaderas intenciones, atravesando varias suposiciones que desenlazan en un inesperado culpable a la mitad de la trama, pero desencadenan una serie de suceso elaborados para corregir los daños causados.
Es más que evidente la influencia de esta película en Inception (2010) de Christopher Nolan, aunque no sean estas las dos primeras películas que pretenden confundir sueños con realidad. Sin embargo, en este caso los sueños son escenarios de la trama de investigación y ni los personajes ni el espectador que ve la película sabe cuándo está en la realidad y cuándo está en un sueño.
Sin embargo, esta entrada no es para hacer una crítica o un análisis de Paprika. Esta entrada es para guardar una referencia al opening de la película y a la espléndida animación del mismo. La música corre a cargo de Susumu Hirasawa, habitual en las películas de Satoshi Kon. El tema del opening (y de los títulos de crédito finales) es The Girl in Byakkoya (Byakkoya no musume). Ya desde el principio se muestra el gran trabajo de Satoshi Kon en la animación del film, una de las mejores aperturas que he visto.
Otra posibilidad aquí Para finalizar, el mismo tema interpretado por Susumu Hirasawa en directo.
Fecha estelar: -309093.8
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Good Morning Starshine es uno de los más reconocibles temas musicales de la película Hair, dirigida en 1979 por Milos Forman. Obra icónica del entorno hippie.
Good morning starshine The earth says hello You twinkle above us We twinkle below
Good morning starshine You lead us along My love and me as we sing Our early morning singing song
Gliddy gloop gloopy Nibby nobby nooby La la la lo lo Sabba sibby sabba Nooby abba dabba Le le lo lo dooby ooby walla dooby abba dabba Early morning singing song
En la película el tema está cantado por la actriz Beverly D'Angelo, pero la versión incrustada a continuación pertenece al musical de 1969 de Broadway, cantada por Lynn Kellogg
Hay bastantes versiones de este tema. Seguramente la versión posterior más conocida hoy día es la que sale en un capítulo del año 1997 de Los Simpson titulado The Springfield Files, cuando la gente del pueblo, Leonard Nimoy, Chewbacca, Dana Scully, and Fox Mulder cantan la canción.
Mr. Burns: Good morning starshine The earth says hello
Leonard Nimoy: You twinkle above us We twinkle below
Todos: Good morning starshine You lead us along My love and me as we sing Our early morning singing song
El tema también pasó por Barrio Sésamo, en 1969 con Bob McGrath (que a mí me recuerda a Torrebruno).
La versión de Sarah Brightman, de 1990, mucho mejor...
Pero, en mi opinión, la mejor de todas es la versión en directo de Diana Ross and the Supremes. Aquí suena junto al tema where do i go, también del musical Hair.
Ni que decir tiene que hay chorrocientas versiones del tema.
Fecha estelar: -309122.0
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Sous le dôme épais, también conocido como el Dúo de las Flores pertenece a la ópera ambientada en la India Lakmé, compuesta alrededor de 1883 por Léo Delibes. En la ópera se interpreta en el primer acto, entre Lakmé, la hija de un sacerdote brahman, y su criada Mallika, cuando van a recoger flores cerca de un río.
Esta canción, archiconocida, ha aparecido por multitud de películas, series y anuncios de televisión.
También aparece en El Ansia, película dirigida en 1983 por Tony Scott. Para ser el primer trabajo de Tony Scott, es una película interesante y no superada, en mi opinión, por este director en el resto de su filmografía. A pesar de ello, es una película de vampiros, atípica y bastante olvidada hoy día en comparación con otras películas posteriores de Tony Scott.
A partir de aquí, Spoilers. En cualquier caso, es claro que si por algo se puede recordar esta película es por la escena lésbica entre Catherine Deneuve y Susan Sarandon. Bien, una vez mencionado lo que muchos considerarían lo más relevante de la película, paso a guardar en este blog el, para mí, mejor momento del film, que es el inmediatamente previo a "la escena".
Con una estética Glam, y con buena parte de su música en consonancia (como debe ser pues aquí está presente David Bowie), también se hace uso de varias piezas clásicas. Una de estas piezas es concretamente del Dúo de las Flores. Particularmente me gusta el preludio improvisado al piano que suena previamente a "la gran escena" y que muestra al piano a Catherine Deneuve en su papel de la vampiresa Miriam Blaylock cuando está insinuándose a la doctora Sarah Roberts (Susan Sarandon). Claro que aquí, el tema no puede estar mejor elegido para las verdaderas intenciones de la vampiro inmortal.
Por suerte, el corte anda por YouTube
Para finalizar, una buena interpretación de Paul Hargreaves subida a su canal en YouTube.
Con motivo del lanzamiento de su nuevo álbum, SongBook vol.4, la cantante y arpista Cécile Corbel actuó el pasado 18 de junio de 2013 de forma desinteresada en un bar de París, Le Dernier Bar avant la Fin du Monde, un local que se auto-define como el primer espacio de expresión cultural de la imaginación en el corazón de París, cerca del Teatro du Chatelet. Es un bar de 400 m² pensado para los entusiastas de la ciencia ficción, fantasía, manga, series de televisión, el cine y la literatura fantástica. Un local donde el visitante podrá leer, tomar una copa, jugar, comer, compartir su pasión por las culturas de la imaginación.
De entrada, suena como un sitio de obligada visita para todo aquel que se pase por París.
En este vídeo, colgado en YouTube por Kaat77, podemos ver la interpretación de Cécile Corbel de su Canción de Arrietty, perteneciente a la BSO de Karigurashi no Arrietty (2010) de la que es responsable.
El tema se puede oír en los créditos finales del film de Hiromasa Yonebayashi. Por mi parte prefiero su versión en japonés, también interpretada por Cécile Corbet (de hecho está interpretada por ella en japonés, inglés, italiano, alemán y bretón). A continuación el tema en japonés tal como suena en la película.
La película es notable y la música también, pero por separado. Particularmente no me gusta la música dentro de la película, me suena a un alejamiento de las "raíces" japonesas de las producciones Ghibli. La culpa es, seguramente, de Joe Hisaishi, que me tiene muy mal acostumbrado. :)
Fecha estelar: -309151.3
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Hoy toca una pequeña curiosidad acerca de la muralla que cierra el paso de el Abismo de Helm. Se trata de uno de esos casos en que la intención es hacer algo corto y que termina alargándose más de lo deseado al ir descubriendo nuevos detalles en la red de redes.
En el legendarium de J. R. R. Tolkien, el Abismo de Helm es un desfiladero que se abre paso entre las Ered Nimrais bajo el Thrihyrne. El Abismo de Helm es el centro defensivo del Folde Oeste de Rohan; éste y El Sagrario son las principales fortalezas y refugios del reino. La descripción de la entrada al Abismo que hace Tolkien el El Señor de los Anillos es la siguiente:
El ejército se desvió del camino que conducía a los Vados del Isen y se dirigió al sur. Cayó la noche y continuaron cabalgando. Las colinas se acercaban, pero ya los altos picos del Thrihyrne se desdibujaban en la oscuridad creciente del cielo. Algunas millas más allá, del otro lado del Folde Oeste, había una hondonada ancha y verde en las montañas, y desde allí un desfiladero se abría paso entre las colinas. Los lugareños lo llamaban el Abismo de Helm, en recuerdo de un héroe de antiguas guerras que había tenido allí su refugio. Cada vez más escarpado y angosto, serpeaba desde el norte y se perdía a la sombra del Thrihyrne, en los riscos poblados de cuervos que se levantaban como torres imponentes a uno y otro lado, impidiendo el paso de la luz. En la Puerta de Helm, ante la entrada del Abismo, el risco más septentrional se prolongaba en un espolón de roca. Sobre esta estribación se alzaban unos muros de piedra altos y antiguos que circundaban una soberbia torre. Se decía que en los lejanos días de gloria de Gondor los reyes del mar habían edificado aquella fortaleza con la ayuda de gigantes. La llamaban Cuernavilla, porque los ecos de una trompeta que llamaba a la guerra desde la torre resonaban aún en el Abismo, como si unos ejércitos largamente olvidados salieran de nuevo a combatir de las cavernas y bajo las colinas. Aquellos hombres de antaño también habían edificado una muralla, desde Cuernavilla hasta el acantilado más austral, cerrando así la entrada del desfiladero. Abajo se deslizaba la Corriente del Bajo. Serpeaba a los pies de Cuernavilla y fluía luego por una garganta a través de una ancha lengua de tierra verde que descendía en pendiente desde la Puerta hasta el Abismo. De ahí caía en el Valle del Bajo y penetraba en el Valle del Folde Oeste. Allí, en Cuernavilla, a las Puertas de Helm, moraba ahora Erkenbrand, dueño y señor del Folde Oeste, en las fronteras de la Marca. Y cuando el peligro de guerra se hizo más inminente, Erkenbrand, hombre precavido, ordenó reparar las murallas y fortificar la ciudadela.
El Abismo de Helm, capítulo 7 de "Las Dos Torres"
Libro Tercero de El Señor de los Anillos
J. R. R. Tolkien
De la obra de Tolkien, una de las mejores ilustraciones de Alan Lee muestra un momento de la batalla del Abismo de Helm cuando se abre una brecha en la muralla y el ejército de Uruk-Hai puede penetrar en el Abismo y asediar Cuernavilla.
Hay una diferencia entre este muro y el que se puede ver en la versión cinematográfica de la novela de Tolkien.
El director de Las Dos Torres (2002), Peter Jackson menciona en una entrevista que la ilustración de Alan Lee era el punto de referencia a la hora de diseñar la forteleza y el muro que cierra el Abismo de Helm en su película (no debemos olvidar que Alan Lee participó muy activamente en el diseño conceptual de la película de Jackson). Pues bien, el propio Peter Jackson menciona que el muro en la ilustración tiene su parte central (la "panza") hacia fuera, mientras que en la película optaron por que tuviera la parte central hacia dentro. Esto se hizo así por sugerencia del otro diseñador conceptual del film, el no menos importante John Howe, que sugirió que un muro dispuesto de esta manera era, desde el punto de vista de la extrategia militar, más efectivo para la defensa ya que los arqueros podían así tener más a tiro cualquier punto por delante del muro.
Alan Lee aceptó la sugerencia y en los extras de la versión extendida de Las Dos Torres aparece un dibujo suyo con una "vista aérea" de Cuernavilla y la muralla del Abismo de Helm tal como aparece en la película.
De la última ilustración anterior de Alan Lee existe una versión que incluye a Gandalf sobre los lomos de Gwaihir sobrevolando el Abismo de Helm. Es una escena no tenida en cuenta desde los primeros días de desarrollo de los guiones de las películas y, por consiguiente, sólo forma parte del arte conceptual de Alan Lee.
Si el lector está interesado en esta última ilustración, circula por tiendas en Internet una edición limitada de la misma (un giclée) firmada por Alan Lee, así como por Ian McKellen (intérprete de Gandalf) y Richard Taylor (creador de y director de la empresa neozelandesa de efectos especiales Weta Workshop).
Fecha estelar: -309170.5
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Interesante recopilación de planos de la ciudad futurista que aparece en el film Ghost in the Shell (1995) de Mamoru Oshii. El nivel de detalle (el vídeo se puede ver en HD) de los edificios y de la "vida de ciudad" es una perfecta muestra de la calidad de la película.
El tema musical que acompaña a las imágenes es Reincarnation, (Utai II - Ghost City) y pertenece a la banda sonora de la película, del compositor Kenji Kawai.
En uno de los momentos de este vídeo (de la película por tanto) podemos ver como la mayor Motoko Kusanagi, que se encuentra en un barco, se ve a sí misma en una cafetería. Kusanagi sufrió un accidente de avión y su cuerpo quedó seriamente dañado, motivo por el cual su cerebro fue trasplantado a un cuerpo robótico genérico. En principio Kusanagi tiene un cuerpo personalizado pero dentro de un "modelo femenino genérico". Además, durante su servicio en la Sección 9 ha recibido numerosos implantes cerebrales que hace que ya sea casi, un 99,9 %, cibernética. Por este motivo Kusanagi se plantea si un cuerpo artificial como el suyo puede albergar un espíritu, dudando que sea así. Como ya queda poco de humano en ella piensa que lo que la hace "humana" es el tratamiento que los "humanos reales" hacen de los cyborgs. Por este motivo se sorprende durante un instante de ver a otro "cuerpo femenino genérico" que se supone que también debería albergar un espíritu, ¿o son los dos espíritus iguales?...
Dos cositas más:
- Gran influencia de Blade Runner en estos paisajes urbanos.
- Me encantan los paraguas amarillos. En Blade Runner también había muchos. :)
Fecha estelar: -309197.7
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Robur el consquistador es una novela de Julio Verne publicada en 1886. No forma parte de las principales novelas del autor pero ha debido tener, pienso, influencia en las ideas sobre aparatos voladores pensados por Hayao Miyazaki en sus películas, principalmente en la obra maestra El castillo en el cielo (Tenkû no Shiro Rapyuta -1986-).
El Albatros
Ilustración de George Roux para la edición
de 1986 de Robur el conquistador
El argumento de Robur el conquistador gira en torno a los avances en la aeronáutica a finales del siglo XIX. El protagonista, Robur, es un inventor estadounidense que ha creado el Albatros, una nueva nave aérea con 74 hélices encargadas de suspender la nave en el aire y con dos hélices dedicadas a la propulsión. Es una nave que precisa de motores eléctricos (como el Nautilus) para poder hacer girar sus hélices y volar. Evidentemente, el Albatros es una nave más pesada que el aire, una especie de precursor del helicóptero pero a lo mastodóntico. Este es el principal argumento de fondo de la novela, la disputa que hay entre los que desarrollan medios voladores menos pesados que el aire (globos y dirigibles, aerostatos) y los que, como Robur, abogan por aparatos más pesados que el aire que son propulsados gracias a los motores.
Otra ilustración de George Roux en la
que aparece el Albatros. Todas las
ilustraciones de la novela aquí.
El Castillo en el cielo, que se puede considerar como la segunda película producida por el estudio Ghibli, fue realizada y dirigida por Hayao Miyazaki en 1986. El escenario principal de este film son los cielos y, por tanto, aparecen innumerables aparatos voladores que podríamos considerar como canónicos en del steampunk.
Pues bien, uno de estos aparatos voladores es el Albatros, que aparece unos instantes en los créditos iniciales de la película. Dejo a continuación un par de fotogramas y así contemplar la visión del maestro Miyazaki sobre esta nave imaginada y nunca construida.
Fecha estelar: -309211.3
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La curiosidad de hoy va en la cabecera de la grandísima Breaking Bad, la serie creada por Vince Gilligan con cinco temporadas emitidas entre el 2008 y el 2013.
La "pasión" de Walter White, alias Heisenberg, en la serie es la fabricación de metanfetamina, cuya fórmula química sin desarrollar es C10H15N. Esta fórmula aparece en la cabecera de la serie.
El número 149,24 que aparece debajo es la masa de la molécula, que tiene 10 átomos de carbono (cuyo masa atómica es de 12,0107 u.m.a. para cada uno), 15 átomos de hidrógeno (cada átomo tiene una masa de 1,00794 u.m.a.) y un átomo de nitrógeno cuya masa atómica es de 14,0067 u.m.a. Veamos:
Vemos que se comete un error en una centésima de unidad atómica. Puede que sea un error de aproximación de números.
La metanfetamina, también llamada desoxiefredina, es un compuesto químico cuyo nombre, según la IUPAC es
N-metil-1-fenilpropan-2-amina.
La estructura en dos dimensiones de la molécula es:
El PubChem es una base de datos de moléculas que se puede consultar gratuitamente por Internet. Su entrada para la metanfetamina indica claramente que la masa molecular de esta molécula es 149.2328 u.m.a.
Fecha estelar: -309217.8
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Alerta: ¡spoiler!
El Computador algorítmico heurísticamente programado (Heuristically Programmed Algorithmic Computer) HAL-9000 que aparece en 2001, una odisea del espacio (1968), tiene un núcleo central que es respresentado como una especie de sala llena de unos módulos de computadora montados en bloques que pueden ser quitados o insertados.
Cuando al final de la película el astronauta Bowman decide apagar a HAL quitando los módulos uno a uno, vamos viendo como la conciencia de la máquina se va degradando poco a poco. Al final, cuando la conciencia de HAL se va a perder por completo empieza a cantar la canción "Daisy Bell".
"Daisy Bell" es una canción popular americana que data de 1892 y su sentido en esta película radica en que fue la primera canción cantada por un ordenador, por un IBM 704. En 1962 el físico John Larry Kelly, Jr, utilizó una IBM 704 para el sintetizador de voz "vocoder", que cantó Daisy Bell con acompañamiento musical de Max Mathew.
Es cuando el HAL-9000 pierde su conciencia cuando alcanza su "estado más primario", y canta la misma canción.....
Daisy, Daisy, give me your answer, do, I'm half crazy all for the love of you. It won't be a stylish marriage, I can't afford a carriage, But you'd look sweet upon the seat Of a bicycle built for two.
Fecha estelar: -309236.1
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Mushishi es una espléndida serie anime estrenada en el 2005 y que corre a cargo de Hiroshi Nagahama. Está basada en un manga escrito y dibujado por la mangaka Yuki Urushibara. El argumento (trasladado desde Wikipedia) es el siguiente:
En japonés, "mushi" significa "insecto" o "bicho". Sin embargo, en la serie no son plantas ni animales sino seres vivos similares a microorganismos y hongos, siendo de varias formas y dimensiones. Debido a su forma etérea, su existencia y apariencia son desconocidas para la mayoría de los humanos, excepto para un reducido número que pueden verlos e interactuar con ellos. A veces, los mismos mushis habitan en los seres humanos o se relacionan con ellos de algún otro modo. Este contacto puede tener consecuencias tanto positivas, como negativas o, simplemente, neutras.
Ginko, el personaje principal, es un experto en Mushi. Él es un maestro de Mushi (mushi-shi), que viaja para investigar y conocer más a estos seres. En el camino, ayudará a gente que tiene problemas con ciertos sucesos paranormales relacionados con los Mushi. Ginko toma generalmente, a modo de pago, objetos relacionados con los casos de Mushi que ha resuelto. Estos objetos son luego vendidos a coleccionistas. La historia se desenvuelve entre la era Edo, la era del aislamento y del Japón feudal. Pero Ginko tiene una ropa diferente a la de todos los personajes en la serie, mucho más moderna.
Todos los capítulos de una serie empiezan, claro está, con el tema de apertura. En este caso el opening "The Sore Feet Song", está interpretado por el cantante y compositor escocés Ally Kerr.
La serie está bien cuidada, el dibujo de personajes es sencillo aunque con suficiente expresividad. Las acuarelas que representan los paisajes son deslumbrantes en su mayor parte. Y la música, a cargo de Toshio Masuda es, con su tono relajante y pausado, muy adecuada a las historias que se cuentan.
La serie consta de 26 episodios auto-conclusivos. No es una serie que sea recomendable ver por completo en dos o tres sesiones pues el empacho de historias fantásticas puede ser perjudicial. Sin embargo, en cualquier momento en que te apetezca una pequeña historia fantástica con toque y tradición japonesa, un capítulo de esta serie es la mejor manera de aprovechar 22 minutos de tu tiempo.
Esta serie no tiene un único ending, sino que hay uno para cada capítulo, todos compuestos por Toshio Masuda. Excelente música... un par de ejemplos:
Midori no Za, ending del episodio 1.
Tabi Wo Suru Numa en el ending del episodio 5.
Como sospecho que el capítulo insertado no durará mucho en YouTube, dejo aquí también un amv de la serie con música de Enya, publicado por Toxer.
Existe también una película, un live-action del anime, a cargo del gran Katsuhiro Ôtomo, pero su resultado me resulta muy irregular, muy inferior al anime.
Fecha estelar: -309247.2
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6) El señor de la guerra (Lord of War, 2005). Una película que, para mí, no pasa del interesante a secas. Dirigida por Andrew Niccol responsable de la más que notable Gattaca (1997). El señor de la guerra es una película que se puede ver, ¡sale el gran Nicolas Cage! injustamente vilipendiado por muchos.
Lo que es indudable es que los créditos iniciales de esta película son lo mejor de la misma. La canción que suena en los créditos es For What It's Worth (1967)de la banda Buffalo Springfield.
Fecha estelar: -309266.4
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Como ya se ha dicho en varias ocasiones en este blog, la banda sonora del anime Cowboy Bebop, a cargo de (un momento para hacer una genuflexión.......) Yôko Kanno, es altamente recomendable. Cuatro discos imprescindibles.
Hoy el tema Bad Dog No Biscuit, que aparece en el primer disco de la banda sonora. En este vídeo interpretado en vivo por la banda Seatbelts, con la gran Yôko Kanno bailando al son de la música.
Este tema es en su inicio una versión del tema Midtown del gran Tom Waits, que posteriormente parece evolucionar hacia la improvisación....
El sombrero de Gandalf, el estilo, es bastante infantil. Es el sombrero picudo de un mago, tal como se concibe un mago en El Hobbit.
Pero El Señor de los Anillos es la historia de una aventura, de un viaje mucho más serio, por eso Gandalf pierde relativamente pronto (en la trilogía) el sombrero.
Es claro que nadie recuerda a Gandalf El Blanco utilizando sobrero. Por tanto ¿a partir de qué momento en La Comunidad del Anillo, Gandalf deja de llevar su sobrero?
Pues concretamente es en el recinto que es la Tumba de Balin en las minas de Moria. Para poder leer el Libro de Mazarbul, semidestruido junto a la tumba, le deja su bastón y su sombrero a Pippin.
Después de leer el libro, Pippin la lía parda provocando la caída de un cubo y cadenas por un pozo con el consiguiente escándalo. Gandalf le recrimina su torpeza y le arranca la bara y el sombrero de un tirón. Pero ya no se lo pone. Empiezan a oir como los trasgos se acercan y se preparan para enfrentarlos. Gandalf deja el sombrero en el suelo.
A partir de aquí, por la premura de la lucha y la huída posterior, Gándalf no recoge el sombrero, tal como se ve en fotogramas posteriores....
Fecha estelar: -309294.7
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Jin-Roh (1998) es la primera película de Hiroyuki Okiura, que recientemente nos ha regalado la más que notable Una carta para Momo (Momo e no Tegami -2011-), también reseñada en este blog (aquí). Este primer trabajo es muy recomendable, tanto por la historia (guión de Mamoru Oshii) como por la factura técnica y el diseño de escenarios. La mano de Oshii se nota siempre que intervienen armas y artilugios bélicos, tratados con mucho detalle.
La banda sonora corre a cargo del violocentista y compositor Hajime Mizoguchi, colaborador en muchos trabajos de Yôko Kanno (me detengo aquí, un momento, para hacer una genuflexión ante la compositora). Pues bien, Yôko Kanno también interviene en esta banda sonora, en principio de forma oficial tocando el piano y, quizás, de forma no oficial.
Una pequeña explicación a esto. De la lista de pistas incluidas en el CD que contiene la banda sonora, hay una, la nº 22 que es cantada. Concretamente la vocalista es Gabriela Robin, pero, ¿quién es Gabriela Robin?.
Existe un misterio, alimentado por la propia implicada y todo su círculo de amigos y compañeros, respecto a la identidad de Gabriela Robin. Por mi parte, como gran admirador Yôko Kanno, creo sin fisuras que Gabriela Robin es la propia Yôko Kanno. En esta página (en inglés) se hace una recopilación de una serie de hechos que me inclinan creer en esta afirmación.
Circulan por YouTube un par de AMVs con escenas de Jin-Roh y con el tema Grace ~jinroh -Main Theme-~ Omega de fondo. Inserto aquí uno de ellos para disfrutar de una buena recopilación de imágenes del anime y de la voz de Gabriela Robin (AKA, Yôko Kanno).
Entrada con un detalle, una curiosidad, en El Señor de los Anillos (películas) que da mayor grandeza a la historia que se cuenta y a sus personajes. Spoiler.
Las guardias de brazo son parte de la vestimenta de campaña que sirven para proteger los antebrazos del guerrero. En El Señor de los Anillos, Boromir, hijo de Denethor, lleva unas guardias de brazo de cuero con motivos propios de un caballero de Gondor, normalmente el Árbol Blanco de Gondor.
Es evidente que estas guardias las lleva hasta el mismo momento de su muerte.
Pero una vez amortajado podemos ver que no lleva las guardias de brazo.
Inmediatamente después, la escena de Boromir muerto en la canoa se funde con la del brazo de Aragon, que se está poniendo las guardias de Boromir.
Desde luego representa un tributo por parte de Aragon respecto de su compañero muerto. Aragon lleva las guardias de brazo de Boromir en todo su periplo por la Tierra Media. Los dos fotogramas siguientes pertenecen a Las Dos Torres, cuando está interpretando el rastro dejado por los Hobbits.
Y también en El Retorno del Rey, cuando conmina a los muertos a luchar por el Rey de Gondor.
Pero, Aragon no lleva las guardias hasta el final. Después de la escena del palantir, cuando se muestra ante Sauron, Aragon asume su papel de heredero al trono de Gondor...
.... y se viste como un caballero de Gondor, con guardias nuevas y diferentes.
La idea de utilizar las las guardias de Boromir por parte de Aragon la tuvo el propio Viggo Mortensen tal como se cuenta en los Apéndices de la versión extendida de ESDLA.
