jueves, 21 de junio de 2018

Cine, lo que vamos viendo. Tres reseñas (nº CVIII)

Fecha estelar: -304530.3
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Películas reseñadas:

- El instante más oscuro (2017)
- Perfect Number (2012)
- Blackhat (2015)


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El instante más oscuro (2017)
Dir. Joe Wright

Vaya por delante que la interpretación que hace Gary Oldman de Winston Churchill en esta película es, con mucha direrencia, lo más importante que puede ofrecer. Está la interpretación de Gary Oldman tan por encima del resto del reparto que este no parece sino un mero grupo de acompañamiento. Un premio Oscar más que merecido, pero una interpretación que por sí sola no consigue que la película llegue a un buen nivel porque,  casi desde el principio, se le nota un tufillo hagiográfico y manipulador que hace sospechar sobre la veracidad de lo que se está viendo.

No se puede negar que la película tenga un mal ritmo, que no lo tiene pues sus más de dos horas pasan rápidas. Tampoco se le puede negar el esfuerzo de producción aunque el acabado tenga un aspecto más de película para televisión que para el cine, y ello a pesar del esfuerzo de Joe Wright por lo contrario, con esos traveling a cámara lenta o esos planos cenitales de escenarios bélicos, que con un ordenador hoy día se consigue lo que se quiera, incluyendo las transiciones de lo dibujado a lo real sin que se note nada. El problema está en que una película biográfico/histórica, que quiere contar lo ocurrido entorno al primer ministro británico en los meses de abril y mayo de 1940, se envuelva con un papel de rigor histórico y luego descubras que la historia se cuenta de otra manera. Lo loable de una película de este género es que sepa rellenar las lagunas con ideas pausibles y bien hiladas, lo censurable es que manipule.

Y no es necesario ser un gran conocedor de lo ocurrido históricamente para percibir que lo que estas viendo en esta película es una especie de invento a pesar de que la mayor parte de lo que se ve, pues debió ocurrir de forma muy parecida a como se escenifica. Al principio da la sensación de que vamos a ver una revisitación de "El hundimiento", la magnífica película de Oliver Hirschbiegel, pero pasada por el prisma británico, a saber, la visión de lo ocurrido en aquellos días a través de las vivencias de la secretaria del primer ministro. En cierto modo es así, pero lo que ocurre con la secretaria en su parte admirativa de la figura del líder, con su propio drama familiar, es tan forzado como artificioso. Pero lo peor, lo que denota el caracter cuasipropagandístico de lo que se está viendo, es el episodio del tren. Episodio multiracial también, y culta, capaz de continuar con una cita literaria, como debe ser en los tiempos que corren.

Terminada la película, quedas con la sensación de haber visto una colección de hechos reales mezclado con medias verdades y, directamente, inventos. Y la curiosidad de investigar a posteriori, solo un poco, para comprobar que la veracidad de la película es muy discutida por historiadores en los aspectos más importantes, aparte de que la secretraria personal de Churchill, Elizabeth Nel, empezó a trabajar para él un año después de los hechos aquí contados, y lo peor, que no tuvo un hermano en Dunkerque. Vamos, que su papel aquí es meramente inventado aunque la anécdota de su presentación, al principio de la película, sí es cierta aunque ocurriera un año después. Y el episodio del tren, cuando todas las alarmas de sospecha se disparan, que es puramente inventado con una finalidad muy clara.

5/10 - Pasable



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Perfect Number (2012)
Dir.: Bang Eun-jin

Segunda adaptación, esta vez coreana, de la novela La devoción del sospechoso X, escrita en el año 2005 por el escritor japonés Keigo Higashino. La primera adaptación, japonesa, corrió a cargo de Hiroshi Nishitani y se tituló en inglés Suspect X (2008), aunque su título en japonés era el mismo que el de la novela. A día de hoy existe otra adaptación de nacionalidad china titulada igual que la novela y dirigida por Alec Su en el año 2017.

Esta reseña de la película está muy sujeta por la lectura previa de la novela de Keigo Higashino. Desde luego, porque si no se ha leído la novela y no se sabe nada de ella la opinión y valoración de la película puede ser muy diferente. Es claro que conocer de antemano los entresijos de la historia y el desenlace de la misma resta mucho a la característica principal de este cine, la intriga. Bueno, partiendo de la base de que el director sepa mantener la tensión e intriga a lo largo de la película, que esa es otra historia.

Respecto de la novela, esta película sí que se debe considerar como una adaptación. Hay numerosos cambios aunque la línea general de la historia se mantiene. Sin embargo los cambios, muy discutibles, llevan la historia por el camino de lo fácil y la simplificación con la consiguiente pérdida de tensión. Un cambio cuyo motivo se me escapa por completo es que en la novela la protagonista principal vive sola con su hija mientras que en esta película se cambia por su sobrina. ¿Por qué? ... pues vaya ud. a saber. Otro cambio relevante es que la novela está conformada en torno a cuatro personajes principales mientras que en esta película dos de ellos se funden en la figura del detective que lleva la investigación del caso. Se trata, seguro, de simplificar para tratar de meter la historia en una película de dos horas. Lo que ocurre es que se ha ideado un personaje excesivamente obsesivo, interpretado por un actor demasiado histriónico. Se pierde la vertiente de genialidad deductiva que tiene el personaje de la novela aquí desaparecido.

Y, desaparecido uno de los personajes, la película está mucho más centrada en mostrar la relación directa entre la protagonista, Hwa-Sun, y su retraído vecino, el profesor de matemáticas Suk-Go. Y me refiero a relación directa porque en la novela los dos personajes, cara a cara, intercambian contados diálogos mientras que en Perfect Number se inventa mucho siendo las interacciones directas de los dos personajes mucho más numerosas. Y yo diría que innecesarias porque esto es, verdaderamente, un problema. Se desnaturaliza el verdadero sentido de la actitud de Suk-Go que viene perfectamente descrito en el título de la novela. Y el asunto va a peor conforme avanza la película, aparte de que se llega a cometer cierta torpeza al dar pistas sobre la resolución final, que se debería guardar, como su nombre indica, para el final. Conforme avanza la película el lector de la novela puede comprobar como esas torpezas no son tales pues siguen luego con la investigación del inspector. Por tanto, son premeditadas, demasiadas escenas inventadas, adaptadas para cuadrar todo en una adaptación que adolece de una intriga bien llevada y con una jugada maestra final desvituada, con poca sorpresa. Al final la película casi que se decanta por el melodrama.

En definitiva, una película que, si no conoces la historia, puede resultar interesante y entretenida pero que como adaptación me resulta decepcionante. En mi opinión la películla japonesa del 2008, que también inventa, aunque bastante menos, es una adaptación bastante más fiel y superior.

5/10 - Pasable



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Blackhat - Amenaza en la red (2015)
Dir. Michael Mann

Con un inicio más que interesante, Blackhat es un thriller que poco a poco se va desinflando. Quizás sea porque el propio director se pierde entre tanto embrollo informático para lo que realmente está contando. El caso es que el interés de este thriller interncional, que parece pensado para su venta en China, va decayendo poco a poco. Y la meticulosidad inicial de los procesos y procedimientos también, porque al final lo que importa es poner a los personajes desde A hasta B y da igual cómo lo hayan conseguido.

Lo único que levanta el interés son los tiroteos, aspecto que Michael Mann sabe rodar como nadie. Aquí no están mal, sin demasiadas alabanzas. Desde luego no se llega al nivel del tiroteo por las calles en Heat (1995), posiblemente uno de los mejores jamás rodados, pero ciertamente son los únicos momentos que levantan el interés en lo que estás viendo. Eso sí, una muestra más del decaimiento de la película conforme avanza es, irónicamente, el irrisorio desenlace y desarrollo de la secuencia final. Como si el director hubiera dicho algo así como "bueno, vamos a acabar con esto ya de una vez por todas y como sea".

4/10 - Regular







Nº de películas reseñadas en el blog: 405
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Recuerda, amigo lector, que estas reseñas están basadas única y exclusivamente en mi opinión y gusto personal que puede, o no, coincidir con la del resto de los mortales.  -



jueves, 14 de junio de 2018

Planetas y satélites de ficción (II): Arrakis

Fecha estelar: -304549.46
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Portada de la primera edición de Dune (1965)
La estrella Canopus, también conocida como Canopo, también como Alfa Carinae, es la segunda estrella más brillante del cielo terrestre. Detrás de Sirio, la estrella tiene una magnitud aparente de -0,72 y es visible en el cielo del hemisferio sur. Forma parte de la constelación de Carina, en castellano La Quilla.

La estrella se encuentra a 309 años-luz de la Tierra y es muy grande, tanto como de 8 a 9 veces nuestro Sol en masa y un radio 77 veces mayor que el radio solar, es decir, unos 54 millones de kilómetros de radio. Si estuviera en el sistema solar, la estrella estaría casi engullendo al planeta Mercurio. Sirio, la estrella más brillante del cielo, solo está a 8,6 años luz; si Canopus se acercara a esta distancia sería una estrella tan brillante como para ser visible incluso de día; y de noche dar tanta luz como para que los cuerpos proyecten sus sombras.

Canopus es una gigante luminosa o supergigante blanco-amarilla de tipo espectral F0II con una temperatura superficial de 7280 K. Es posible que antes fuera una gigante roja que ahora se está retrayendo de ese estado, de manera que es una estrella que en su núcleo está fusionando el helio en carbono y oxígeno. Parece que su final será el de una enana blanca, seguirá retrayéndose hasta ese estado en los próximos millones de años.



Constelación de Carina.
Canopus es la estrella más brillante, en el extremo de la constelación
Autor: Till Credner
Fuente: http://www.allthesky.com/constellations/visualconstellations.html
 




Y hasta aquí los datos reales. Lo que sigue es ficción.

En la saga Dune, de Frank Herbert


Arrakis según la pintura de Ron Miller utilizada
para la película de David Lynch, Dune (1984)

Recreación de Christopher Dole
http://www.christopher-doll.com/project/arrakis/
Canopus tiene un sistema planetario. El tercer planeta de este sistema es Arrakis, planeta imaginado por Frank Herbert como planeta fundamental en su saga de novelas iniciada en Dune (1965). 

Arrakis es un planeta desierto sin precipitaciones naturales y, por tanto, con una extrema falta de agua. Dada la naturaleza real de la estrella en torno a la cual gira, las características desérticas de Arrakis han resultado ser acertadas. La mayor parte de la superficie de Arrakis está cubierta de arena, mares de arena y dunas. Hay algunos afloramientos rocosos dispersos entre la arena. La mayor parte del agua se encuentra en forma de hielo en los casquetes polares. La humedad relativa es muy baja aunque se puede extraer agua de la atmosfera.


Después de la caída del Emperador Leto Atreides II, Arrakis estaba ubicado en un extremo del Imperio Antiguo. Más tarde se convirtió en el centro del Imperio bajo el gobierno de Muad'Did (Paul Atreides). La importancia de Arrakis en la saga Dune estriba en que es la única fuente natural de la especia melange, una droga geriátrica que da al consumidor, adicto, una esperanza de vida larga, gran vitalidad, y elevada cognición; también puede desatar la presciencia en algunos sujetos, o poderes oraculares de visión del futuro, dependiendo de la dosis y la fisiología del consumidor. La especia es el producto de un gusano gigante que habita en las arenas de Arrakis.



Los Navegantes de la Cofradía Espacial que controla los viajes en el Imperio, dependen de la melange para conseguir la elevada cognición y la capacidad oracular presciente necesarias para ver las vías seguras a través del espacio doblado generado por las máquinas Holtzman, lo cual permite navegar a los gigantescos cruceros de la Cofradía. Los Navegantes viven literalmente dentro de una nube de melange en un tanque; el uso continuo transforma sus cuerpos en una suerte de grotesca mezcla de pez y ser humano.




Canopus III en Star Trek

Especie de dinosaurio que habita en Canopus III
En el universo de Star Trek el tercer planeta del Sistema Estelar Canopus, que se encuentra cerca del espacio de la Federación Unida de Planetas, simplemente se llama Canopus III, pero es, indudablemente, Arrakis. Por aquello de ser el tercer planeta del sistema.

El sistema estelar, también llamado Alpha Carinae, posee cuatro planetas habitados, tal como se menciona en el episodio 14 de la segunda temporada de la serie original, titulado "El lobo en el redil" (1967). En esta misma temporada, episodio 24, "El mejor ordenador" (1968), el USS Enterprise se aproxima al planeta, también de clase M, Canopus II.

Según podemos leer en Memory Alpha, Canopus III es conocido por sus amplios desiertos, hogar de una especie de dinosaurio. James T. Kirk visitó Canopus III en algún momento de la década del 2260. En la serie animada, episodio "El cristal con que se mira" (1974), en el año 2069 la tripulación del USS Enterprise encontró un dinosauro en un ambiente desértico en el planeta Lactra VII. Esta especie era muy similar a la nativa de Canopus III, llegándose a demostrar que el animal había sido trasladado desde Canopus III por los Lactranos.



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jueves, 7 de junio de 2018

Cine, lo que vamos viendo. Tres reseñas (nº CVII)

Fecha estelar: -304568.6
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Películas reseñadas:

- La liga de la justicia (2017)
- En realidad, nunca estuviste aquí (2017)
- Godzilla: en el planeta de los monstuos (2017)



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La liga de la justicia (2017)
Dir. Zack Snyder

Pues ni fu, ni fa. Otra como otras tantas películas de superhéroes que proliferan hoy día que la ves, te entretienes más o menos, termina y la olvidas fácilmente. Pero este caso es, además, triste. Con sus altibajos, generalmente con mas bajos que altos, las películas basadas en los superhéroes de DC y muy especialmente las que implican a Batman y/o Superman, me han parecido bastante más interesantes que el resto de películas del mismo género con otros superhéroes de cualquier procedencia. También con alguna excepción, claro (véase, por ejemplo, Watchmen). Y no me estoy refiriendo a la elección de los comics y a la forma de adaptación de los mismos, circunstancia que me interesa bastante poco, y los comics menos aún.

Quizás sea por la forma de contar la historia, por el tono de las mismas, por lo que ocurre entre medias, mientras se desarrolla la típica historia, por la visualización y concepción artística más gris y mucho menos colorista que la del vecino de enfrente, por la cierta seriedad del conjunto, el alejamiento de la gracia continua y sinsentido, etc,. Un conjunto de aspectos que hacen que el empaque final del producto me resulte mucho más atractivo aunque el resultado final no pase, en la mayoría de los casos, de una película interesante y entretenida. La denostada Batman v. Superman del propio Zack Snyder me parece una película mucho más interesante por lo que propone y sobre todo por las formas que cualquier otra película de superhéroes de los últimos cinco años. Es lo que tiene el nadar a contracorriente.

Pero Zack Snyder es un director muy irregular. Aunque tuvo que abandonar esta película en fase de postproducción dejando en manos de Joss Whedon la finalización de la misma, incluyendo grabación de nuevas escenas, la película lleva su sello y se nota, sobre todo visualmente. Otra cosa es la historia que se han montado aquí, que es por donde falla estrepitosamente. Aunque los actores estén bien, que lo están, la historia se simplifica tanto, es tan básica y trillada que volvemos ooootra vez a la típica estructura de película de presentación con villano de chichinabo con muchos masillas para abatir. Mientras la película va por el camino que tiene predestinado, mientras avanza por sitios ya vistos antes, muy poco de lo que ocurre interesa. Porque está mal interrelacionado, se simplifica a una sucesión ordenada de escenas que tienen que ocurrir.. todo demasiado frío y anodino con una evolución nula de cualquiera de los pesonajes. Empiezan igual que acaban. Es, con perdón, la marvelización de este universo, la simplificación que ya empezó con Wonder Woman y que, particularmente, me aburre soberanamente.

5/10 - Pasable


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En realidad, nunca estuviste aquí (2017)
Dir. Lynne Ramsay

La película tiene una duración de solo 90 minutos y se me parecido más más larga que un día sin pan. Con una sinopsis más que interesante, tratándose además de un thriller, las espectativas iniciales eran más que buenas aunque tuviera también la mosca detrás de la oreja porque ultimamente Joaquín Phoenix ha hecho mucho truño. Al menos en lo que, por mi parte, he podido ver del actor.

Decir que la película es pretenciosa se me antoja que se queda muy corto. Por parte del actor lo es, desde luego, pero es la dirección la que se lleva la palma. Ejercicio de estilo que es como se llama hoy, de poca palabra y mucha imagen sacada de plano, tenebrosa en su mayor parte, simbólica también. Y, entre medias, vueltas y vueltas sobre la tortura mental del protagonista a base de caras y poses torturadas cuando no planos puramente contemplativos cortados abruptamente por el dichoso flashback, que estoy muy loco, una vida llena de traumas. La película es muy aburrida porque hay poco de thriller y en realidad es muy sencillo lo que se cuenta entre medias de la tortura que está pasando el protagonista. Y mejor no preguntar cómo este hombre entra y sale de los sitios.

Y para colmo, los títulos de crédito a velocidad hiperlenta, que duran más de cinco minutos. Debe ser regodeo.

3/10 - Floja



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Godzilla: el planeta de los monstruos (2017)
Dir. Kobun Shizuno, Hiroyuki Seshita

En el año 2016 la productora Toho retomó su franquicia por excelencia después de un parón de doce años que tuvo lugar, seguramente, porque Godzilla: Final Wars (2004) dirigida por Ryuhei Kitamura, película conmemorativa del cincuenta aniversario de la primera aparición del monstruo, fue una ida de olla importante. Tan fue así que para la película del 2016, Shin Gojira, se planteó directamente un reboot de la primera película. La dirigió Hideaki Anno (Evangelion) y Shinji Higuchi (Ataque a los Titanes, con actores reales) y el resultado fue bastante interesante.

A la espera de una continuación de la saga así reiniciada, la Toho planteó también el desarrollo de otra historia sobre Godzilla en versión animada, delegando las tareas de animación a la productora Polygon Pictures. Supongo que esto es así pues es la Toho la que tiene los derechos sobre su criatura. Para no interferir en la nueva línea de tiempo la historia que se cuenta en la versión animada tiene lugar, nada más y nada menos, que veinte mil años en el futuro, tal como se dice muy pronto en la película. La historia no finaliza en un solo film, pues hay previstos otros dos a estrenar a lo largo del año 2018.

Polygon Pictures es una productora que anima sus películas exclusivamente con utilización de cgi, incluyendo los personajes. Se nota, pero no molesta porque poco a poco van consiguiendo acercarse, en lo referente a los rostros y las expresiones, a la animación tradicional. Se acercan, pero no llegan aún, los personajes hablando son demasiado estáticos e inexpresivos. Todo lo demás, la parafernalia de trajes espaciales, armas, naves y mechas viene casi heredado, porque es muy parecido, de otras producciones anteriores del estudio donde también han participado los directores de la película, Kobun Shizuno y Hiroyuki Seshita. Me refiero concretamente a Blame! (2017) dirigida por Seshita, y a la serie Knights of Sidonia (2014-15) dirigida por Shizuno. Muy poca queja puede haber en esta película sobre las escenas espaciales y la cinemáticas de las naves y objetos voladores en batalla.

Pero la influencia de Knights of Sidona en esta trilogía animada sobre Godzilla va mucho más allá de la casi copia del diseño artístico. Al menos por lo que se ha podido ver en esta primera película pues la estructura de la historia es la misma, desde la configuración de la nave terrestre, sus habitantes, a la motivación de la lucha que llevan a cabo como últmos representantes de la humanidad. Es un problema porque originalidad se ve poca y los diseños son los mismos. Por otra parte los ratos de cháchara, repetitiva e insustancial, son importantes. Godzilla tarda mucho en aparecer y la película tarda muchísimo en arrancar después de los diez minutos introductorios y explicativos de la situación. Se están tomando su tiempo porque hay que rellenar tres películas pero, por ahora, esto parece un Knigths of Sidonia cambiando los a Gauna por Godzilla y sus derivados. Veremos como sigue.

5/10 - Pasable








Nº de películas reseñadas en el blog: 402
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jueves, 31 de mayo de 2018

Cine, lo que vamos viendo. Tres reseñas (nº CVI)

Fecha estelar:-304586.9
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Películas reseñadas:

- IKARIE XB 1 (1963)
- Molly's game (2017) 
- Black Phanter (2018)



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IKARIE XB 1 (1963)
Dir. Jindrich Polák

Es el año 2163. La nave Ikarie XB-1 es enviada a un misterioso "planeta blanco" que orbita alrededor de la estrella Alfa Centauri. Viajando a una velocidad cercana a la de la luz, el viaje dura alrededor de 28 meses para los astronautas, aunque debido a los efectos de la relatividad, habrán transcurrido en la Tierra 15 años en el momento en que lleguen a su destino.

Película checoslovaca del año 1963 que el canal TCM ha venido ofreciendo en su programación en su versión original y con su final correspodiente. Existe una versión mutilada, que fue distribuida en USA con el subtítulo de "Viaje al fin del universo", que mete mano en el final sin llegar a entenderse el motivo pues el final original, sin ser nada del otro jueves, es superior a la tontería que inventaron los americanos, una especie de anticipo del final de El planeta de los simios de Franklin J. Schaffner.

Basada en parte en la novela La nube de Magallanes de Stalislaw Lem, se trata de una película de ciencia ficción soviética con muchos altibajos, sobre todo vista hoy pues da la sensación de que ha envejecido bastante mal. La influencia de Forbiden Planet (1956) es bien evidente en diseños y sonidos. También se dice que Ikarie fue película que influyó en Kubrick para su 2001: una odisea del espacio, circunstancia que cuesta creer pues, particularmente, no la veo por ningún lado.

La película es bastante aburrida al principio, mientras se presentan los personajes y la etapa inicial del viaje. La nave, desde luego, es grande y tiene espacio para todo, incluído un baile cuasi surrealista por las formas y el lugar donde se supone que están. Se pretende mostrar las dudas y dificultades que plantean las relaciones entre los tripulantes cuando se pierde todo contacto con la Tierra, aparte de el hecho de que en la Tierra los años transcurren con rapidez. Filosofía y aburrimiento. Luego aumenta mucho el interés cuando encuentran una nave aparentemente abandonada y después penetran en una zona nebulosa con efectos sobre la tripulación. Son como etapas, capítulos antes de zanjar el asunto con la llegada al destino final, y no están mal, bien por el capítulo de la nave abandonada, pasable el capítulo de la nebulosa. Historias que no habrían desentonado para nada si hubieran transcurrido, tal cual, en la nave Enterprise de Star Trek que despegaría tres años después.

Eso sí, los efectos especiales son los que son, hay que tragar con ellos.

5/10 - Pasable



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Molly's game (2017)
Dir. Aaron Sorkin

Primera incursión en la dirección cinematográfica del guionista y productor Aaron Sorkin para una película tan interesante como larga y agotadora.

Dejando a un lado las buenas interpretaciones de sus actores, que desde luego forman parte del pilar sobre el que se asienta la película, muy especialmente en Jessica Chastain y también Idris Elba, se trata de una elaborada historia que entremezcla tres partes: los momentos familiares del pasado, la historia procesal actual de la protagonista, que es uno de los platos principales, y el desarrollo, también en el pasado, de las actividades de la protagonista referidas a la organización de partidas de póker en Los Ángeles y Nueva York. La parte familiar es, directamente, muy floja. Casi que se podría haber eliminado, pero hoy día no se puede evitar el querer dar explicación motivacional a todo aunque quede, como ocurre aquí, deslavazada. Aparte de que es la culpable de alargar en demasía la película.

Escrita con brillantez, como no podía ser menos para un guionista tan reputado como Sorkin, el interés de la historia se mantiene gracias a sus diálogos, que son más que suficientes para contar la historia. La voz en off de la protagonista es un martillo innecesario, más cuando está contando cosas que se están viendo. No debe haber ni un minuto de película donde no se esté hablando y, como se supone que todo lo que se dice es "importante", pues que resulta muy agotador. Y todo por el afán de explicarlo todo con palabras,..., o por la incapiacidad de usar la narrativa visual.

7/10 - Buena



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Black Panther (2018)
Dir.: Ryan Coogler

Una opinión rápida:
Aburridísima, soporífera, tendenciosa con el asunto del racismo, otra vez.

Mira que ya me adentro en este universo con buen ánimo, dispuesto a creerme lo que me cuentan y a cuestionar poco, a disfrutar de la acción al menos. Pues no. Ni siquiera la acción se ve bien, que dos terceras partes de la película tienen más oscuridad que un sótano en una película de terror.

No merece más tiempo y, además, da igual, que ha recaudado más de mil millones. La máquina de los churros funciona de maravilla.

3/10 - Floja











Nº de películas reseñadas en el blog: 399
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martes, 22 de mayo de 2018

Cine, lo que vamos viendo. Tres reseñas (nº CV)

Fecha estelar:-304612.4
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Películas reseñadas:

- La espada del inmortal (2017)
- Steel Rain (Gang-cheol-bi, 2017)
- Suspect X (Yôgisha X no kenshin, 2008)



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La espada del inmortal (Mugen no jûnin, 2017)
Dir. Takashi Miike

Takashi Miike adapta el interesante manga de Hirokai Samura publicado entre 1993 y 2012 en treinta volúmenes. Un manga muy extenso para ser adaptado por completo en una sola película, que ya de por sí resulta excesivamente larga (140 minutos). Por tanto, se hace necesario cortar y adaptar. Miike toma lo esencial de la historia, presenta rápidamente el origen del carácter inmortal del protagonista, para pasar a una sucesión de enfrentamientos que es básicamente lo que se va a ver en la película.

Dejando a un lado el manga (mejor no comparar, mejor considerar la película como un producto independiente porque en caso contrario sería mucho peor de lo que es) la película de Miike tiene momentos y virtudes que pueden aportar más de lo que a simple vista parece, a saber, una sucesión de sangrientos enfrentamientos inverosímiles en su mayor parte. Así es el cine de Takashi Miike, sello de un director que en 27 años ha firmado 102 productos entre cine y TV (según IMDb). Bueno, parte del cine del prolífico director, porque lo cierto es que con tanta producción Miike ha tenido oportunidad de tocar multitud de géneros y mezcolanza de ellos. Es imposible seguir el ritmo de un director que, por otra parte, no es santo de mi devoción porque creo que rodar de dos a tres películas al año conlleva dedicar poco tiempo a cada producto, no entrar en detalles y fabricar un producto poco trabajado a nivel de historia, que queda simplificada al máximo y que será más o menos interesante por la potencia de la idea original en la que se basa. La película que más valoro de Miike fue el remake que hizo en el 2011 de Seppuku (Harakiri), la película de Masaki Kobayashi, precisamente una película con el guion prácticamente hecho.

Comentaba antes que la película que Miike ha realizado sobre las andanzas del samurái inmortal tiene momentos y virtudes. Ciertamente Miike rueda la acción con desparpajo y soltura, se corta muy poco y vemos sangre por todos lados. Pero la película se hace muy repetitiva y las peleas y enfrentamientos se alargan demasiado, encaminadas hacia lo inverosímil. Es el problema, que parece que Miike tiene poco que contar cuando en realidad no es así. El director está más interesado en las peleas y no desarrolla siquiera un poco a sus personajes, principalmente a Rin Asano, se limita a cortas conversaciones entre enfrentamiento y enfrentamiento. Pero es en esos cortos momentos cuando se atisba buen cine, en el tratamiento de la luz en la oscuridad de las casas, o cuando Manji deja su espalda para que Rin llore su pérdida. Son pocos, pero algunos momentos tiene.

5/10 - Pasable


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Steel Rain (Gang-cheol-bi, 2017)
Dir.: Yang Woo-seok

Segundo largometraje de Yang Woo-seok después de que en el 2013 debutara con The Attorney un más que notable drama judicial centrado en la defensa de un activista estudiantil en la Corea de los años ochenta. Tanto en aquella película como en Steel Rain, Yang Woo-seok también ejerce de guionista siendo el resultado, de nuevo, más que notable. Y no solo por la historia, que Yang Woo-seok también demuestra que sabe dirigir e imprimir nervio a sus películas. Desde luego va a ser un director a tener en cuenta, no es fácil conseguir que las dos primeras películas que realizas, de temática tan dispar, sean tan buenas.

En el caso de Steel Rain el asunto va de acción y thriller político. Tiene el film una inconfundible impronta a buena película de acción clásica. Y como aquellas, en ésta también se parte de una premisa imposible o rocambolesca pero planteada con desparpajo, rodada con una calidad técnica impecable, creíble en lo que se ve y salpicada de buenas escenas de acción. El resultado es una película que está muy por encima de la media de las que de su género se pueden encontrar hoy día. Hace ya bastante tiempo que el cine surcoreano es uno de los pocos reductos que quedan donde se pueden encontrar buenas e interesantes películas.

Steel Rain hace referencia a un tipo de bomba que, lanzada por un lanzacohetes, arrasa con cualquier cosa viva en un radio bastante amplio. Es utilizada al principio de la película y de ahí el título. La primera hora de película casi que es acción pura, dedicada a plantear una situación de crisis entre las dos Coreas. No es la primera película surcoreana que coloca personajes de Corea del Norte en medio de Corea del Sur, y resulta muy interesante porque por estos lares la visión que se tiene de Corea del Norte resulta extremadamente simplificada cuando la realidad es que las relaciones entre ellos están profundamente enraizadas y enredadas, resultando complicadas de vislumbrar por cualquiera o la mayoría de nosotros, personas externas a la realidad de la península. Cuando en Steel Rain la acción se relaja y se pasa al thriller político, la crítica que se hace a la acción de los gobiernos extranjeros no es, para nada, baladí. Curiosamente a Rusia no se la menciona, pero sí a China y a Japón. Sin embargo, las cargas de profundidad que lanza a los EEUU son antológicas. Hay una frase muy clara, un pensamiento verbalizado del protagonista cuando, mirando a la cabeza visible de la CIA en Corea, dice algo así: "Mira toda la mierda que todos tenemos que hacer porque ustedes dividieron este país". Más claro no se puede ser.

También es cierto que la película permite cotejar la idea que tienen los surcoreanos sobre la reunificación de las dos Coreas, de que buena parte de la situación se mantiene imposible por las ambiciones de poder en las dos partes. Esta película ahonda en algunos de esos enredos y muestra cómo la brecha puede ser reducida por gente común que establece una conexión emocional, a pesar de que tienen ideologías políticas diferentes. Confidential Assignment de este mismo año 2017, dirigida Kim Seong-Hoon, también toca este último aspecto aunque la película no tiene el tono serio que sí tiene Steel Rain.

Una película interesante y muy recomendable. Tiene un cierto bajonazo de ritmo hacia la mitad, cuando da tiempo a la convivencia de los protagonistas principales. Entonces la película deja la acción para adentrarse en la tensión entre los gobiernos y el espionaje. Pero el tema es interesante y también hay acción entretanto, refriegas de comandos, luchas cuerpo a cuerpo, juegos de guerra nucleares (muy buena la escenificación que se ve aquí), dos buenos personajes principales gracias a los actores que los encarnan, momentos de comedia, ¿Qué más se puede pedir? ... Pues unos créditos finales chulísimos.

8/10 - Notable



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Suspect X (Yôgisha X no kenshin, 2008)
Dir.: Hiroshi Nishitani

Hiroshi Nishitani, director más ligado al mundo de la TV que del cine, dirige la primera adaptación de la novela La devoción del sospechoso X de Keigo Higashino, publicada en el año 2005. Una novela bastante interesante bastante superior a esta adaptación.

Lo mejor que se puede decir de Suspect X es inventa poco y lo que inventa no molesta. Las claves del misterio y de su resolución no cambian y el final es el mismo. La figura del profesor Yukawa, al principio, me parece bastante distorsionada pues parece que va sobrado de pedantería. Solo es al principio. El cambio más relevante es que el el inspector auxiliar que ayuda a Kusanagi a resolver el asesinato aquí es una mujer y tiene un papel mucho más relevante, de hecho la inspectora Utsumi es la que prácticamente lleva la investigación. Una escalada a una montaña que es inventada y pocos cambios más.

Una película cuyo acabado cinematográfico no es nada del otro jueves, no es destacado pero tampoco es cutre, un trabajo estándar se podría decir, pero que se muestra interesante porque se apoya en una buena novela policiaca, bien contada y que sabe guardar el giro final inesperado. Cualquier película en la que hay que resolver un mistero, un asesinato, que no cometa errores relevantes ni se invente cosas, con buenos actores, cuando menos entretiene y es interesante (Shin'ichi Tsutsumi en el papel del profesor de matemáticas Ishigami está especialmente inspirado). Sin embargo en la película casi se comete la torpeza de mostrar algo que puede hacer sospechar al espectador más avispado. Adolece también la película de la rapidez, de mostrar una especie de secuenciación de escenas que muestren las claves del asunto pero con un desarrollo deficiente de la relación entre la madre sospechosa y el vecino sospechoso, y la hija. La película parece muy fría en este aspecto lo cual va en detrimento de su poderoso final. Final que, por otra parte, no me gusta, hubiera preferido cortar la película dos minutos antes. Tiene también un epílogo innecesario, que se prolonga en los títulos de crédito.

Hasta hoy hay otras dos adaptaciones cinematográficas de la novela, una coreana, Perfect Number del año 2012, dirigida por Bang Eun-jin (que es accesible), y otra película china The Devotion of Suspect X dirigida en el 2017 por Alec Su.

6/10 - Interesante






Nº de películas reseñadas en el blog: 396
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martes, 15 de mayo de 2018

Cine, lo que vamos viendo. Tres reseñas (nº CIV)

Fecha estelar: -304631.8
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Películas reseñadas:

- La villana (2017)
- El hombre ilustrado (1969)
- Verónica (2017)



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La villana (Ak-Nyeo, 2017)
Dir. Byung-gil Jung

Tercer largometraje de Byung-gil Jung director que se está mostrando especialmente sobresaliente en el rodaje de escenas de acción. Si en su anterior film, "Confession of Murder" (2012) ya se podía disfrutar esta cualidad del director desde su increíble escena de persecución inicial, en "La villana" el nivel de planificación y de rodaje de las escenas de acción es, con diferencia, lo mejor del film. La escena inicial de lucha en pasillos, rodada como si de un videojuego de luchas en primera persona se tratara, es para mirarla varias veces. Otra cosa es la credibilidad de algunas acciones, que hay algunos golpes que no hay cuerpo humano que aguante o salga con vida, pero esto es puro cine de acción. Eso sí, bastante excesivo, con incontables muertes y con mucha sangre (ya incluso da alegría que una película te muestre sangre en las peleas). La protagonista, Sook-Hee, entrenada desde la infancia para ser una asesina sin piedad, deja en mantillas al mismísimo John Wick, que vendría a ser la versión masculina actual en películas con estos personajes.

Dejando a un lado lo mejor de la película, la habilidad del director para filmar la acción, las persecuciones y las peleas cuerpo a cuerpo con todo tipo de armas (¡qué sería de una pelea en el cine coreano sin un par de martillos y un buen cuchillo de cocina!), dejando a un lado esto, la película pierde interés porque el thriller romántico que se plantea no cala, otra vez se abusa del flashback cuando en este caso la película podría haber sido perfectamente lineal. No tiene sentido liar la historia mezclando el pasado con el presente, e incluso utilizando a dos actrices protagonistas, porque intriga hay poca y es predecible. Quizás sea el motivo de presentarla así, para intentar disimular las carencias del cuento.

Tampoco es que sea necesario, en estas películas una historia simple es suficiente mientras sea coherente y te lleve a lo que verdaderamente importa, que es la acción. Querer ir más alla y quedarte a medias o aburrir va en detrimento del resultado final. En "Confession of Murder" ocurría algo parecido aunque allí el resultado fue, en mi opinión, algo mejor que en esta película porque aquí el camino a la acción es una historia poco trabajada.

5/10 - Pasable



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El hombre ilustrado (1969)
Dir. Jack Smight

"El hombre ilustrado" es una recopilación de 18 cuentos o relatos cortos de ciencia ficción escritos por Ray Bradbury en un libro publicado en 1951. El nexo de unión de los relatos es un hombre con el cuerpo cubierto de tatuajes que, dice, se los realizó una mujer viajera del tiempo. Cuando alguien mira alguno de los tatuajes se cuenta una historia situada en el futuro de la humanidad.

En 1969 el director Jack Smigth realiza una película del mismo título en la que se muestran tres de los relatos del libro al mismo tiempo que se quiere dar una mayor explicación a la historia de los tatuajes. No se eligen precisamente los relatos más relevantes y desconozco el motivo de porqué se eligieron respecto de los demás. El primero de ellos, "La pradera" muestra una familia en el futuro que dispone de una especie de sala holográfica (al modo de Star Trek) para el esparcimiento. El segundo, "La larga lluvia" muestra a cuatro astronautas que han terminado estrellados en un planeta donde no deja nunca de llover torrencialmente. El tercer relato es "La última noche del mundo", el título lo dice todo.

Entre medias de los relatos, que en general tienen un interés limitado, el guion parece empeñado en dar sentido a los tatuajes con una historia sin pies ni cabeza, confusa y con menos interés aún que los propios relatos. La película no tuvo buenas críticas y ha envejecido bastante mal. Su único interés está en el primer relato de la visión del futuro, de la casa, totalmente anclada en la estética de los años sesenta; en el segundo relato la curiosidad de ver cómo imaginaban al planeta Venus a mediados del siglo pasado, como una jungla con lluvia perpetua (aunque en la película no se dice qué planeta es, en el relato de Bradbury sí se dice que es Venus). El tercer relato es el más flojo con diferencia.

Como curiosidad mencionar que los dos protagonistas principales, Rod Steiger y Claire Bloom, eran pareja por entonces aunque se divorciaron ese mismo año. Poco hay en la filmografía de Jack Smight que llame la atención. Fue un director que compaginó su carrera entre el cine y la televisón siendo, con diferencia, su mejor película "Harper, investigador privado" (1966).

4/10 - Regular



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Verónica (2017)
Dir. Paco Plaza

Una de terror castizo. Inspirada en una historia real y principalmente lo que se sabe de ella a través del informe policial, el director monta una historia de terror con pocos sobresaltos y bastante preocupada de quedar bien cuadrada respecto de lo que se conoce del caso real, tal como muestran las fotografías que aparecen al final. El problema es que la parte terrorífica tiene un interés muy limitado, básicamente por lo muy trillada que está. Más todavía si se recurre a lo mismo de siempre, monja incluída. Al menos está bien resuelta.

Tiene una ambientación muy destacable. Dice la ficha de la película que tiene premio al mejor sonido, cosa que no comprendo porque a los actores no se les entiende la mitad de las veces, al menos yo no los entiendo. Los actores principales no resultan muy creíbles porque hay momentos en los que se ve que están interpretando. No es fácil pues son niños, además de la protagonista adolescente en su primera película.

5/10 - Pasable






Nº de películas reseñadas en el blog: 393
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martes, 8 de mayo de 2018

Cine, lo que vamos viendo. Tres reseñas (nº CIII)

Fecha estelar: -304651.0
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Películas reseñadas:

- Survival family (2017)
- Ancien y el mundo mágico (2017)
- OtherLife (2017) 


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Survival family (Sabaibaru famirî, 2017)
Dir. Shinobu Yaguchi

El motivo de mi acercamiento a la película está en la atractiva idea de partida que aparece en la sinopsis de la misma, ¿cómo se las apañaría la gente si de pronto, sin explicación alguna, hubiera un apagón mundial y todos los instrumentos que de un modo u otro hacen uso de la electricidad dejaran de funcionar durante un largo periodo de tiempo? Coches, móviles, ordenadores, ascensores, cocinas, transporte,…, ni siquiera una simple linterna que funciona a pilas. 

Desde luego el resultado sería una especie de apocalipsis caótico, una hecatombe con multitud de desgracias. Menos en Japón donde, por lo que se puede ver en esta película, sería más o menos lo mismo pero sin lo caótico, como más cívico. Shinobu Yaguchi plantea la situación a partir de una familia media tokiota, un padre que pasa la mayor parte de su tiempo trabajando, una madre bastante solitaria y un par de hijos adolescentes que solo viven mirando el móvil y preocupados por sí mismos. Aparentemente, si miras el tráiler, pudiera parecer que la película es una comedia tonta cuando resulta que no es precisamente el caso. La película tiene bastante momentos de comedia, pero también los hay dramáticos y lo bueno que tiene es que los combina de manera inteligente. Los miembros de la familia están convenientemente retratados y veremos su propia evolución, así como el de la familia en conjunto, desde los primeros momentos del apagón, durante los siguientes días de incertidumbre y la supervivencia cuando la situación no tiene visos de que vaya a cambiar. La película ofrece bastante más de lo que parece.

Siendo la idea de partida interesante, que te mantiene pendiente sopesando también si actuarías de la misma manera o si lo que se plantea parece verosímil o no (insisto que lo que veo me parece demasiado cívico), la película mantiene el interés por la incertidumbre de lo que pudiera ocurrir a estos cuatro personajes hasta el final. No es película de alardes técnicos o dirección destacable, incluso tiene alguna escena supuestamente tensa (con unos perros) donde la falta de medios o la forma de plantearla y rodarla no consigue sus objetivos, no hay excesivas multitudes lo cual llama la atención, pero todo esto es más o menos asumible. Porque, sin ser un peliculón, lo que verdaderamente atrapa de la película es el interés por la historia, la búsqueda de los verdaderos valores familiares, el verdadero sentido de la vida secuestrado por la artificiosidad del mundo tecnológico que vivimos.

7/10 - Buena



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Ancien y el mundo mágico (2017)
Dir. Kenji Kamiyama

Más de un lustro llevaba Kenji Kamiyama enfrascado en la adaptación/ampliación animada de la línea de tiempo del manga Cyborg 009 de Shōtarō Ishinomori. En el año 2012 estrenó 009 Re:Cyborg, un largometraje que resultó interesante a secas, y después siguió con la serie de televisión Cyborg 009: En nombre de la justicia (2016). Un tanto disperso me ha parecido Kamiyama en sus últimos trabajos, sobre todo desde el segundo largometraje de Eden of the East (2010) aunque, desde luego, la calidad técnica de cualquiera de los trabajos que ha realizado Kamiyama es siempre innegable. Parece que va a volver al universo de Ghost in the Shell en este año 2018 con una serie de televisión, circunstancia que hay que celebrar por todo lo alto porque si en algo es importante el buen hacer de Kamiyama es, precisamente, en el desarrollo del universo de GITS a través de la totalmente imprescindible serie Stand Alone Complex (2002-2005) y de su cierre en Solid State Society (2006). Y, ya puestos con este repaso, no se debería dejar sin mencionar otra maravilla de serie que es Seirei no Moribito (Moribito, guardián del Espíritu Sagrado) que realizó en el año 2007.

El universo de Cyborg 009 queda atrás y Ancien y el mundo mágico (Hirune Hime: Shiranai Watashi no Monogatari, 2017) es el último largometraje de Kamiyama. Un trabajo que no solo dirige sino que también guioniza, circunstancia que viene siendo habitual en el director japonés. El resultado es otra vez, en mi opinión, solo interesante. Una película entretenida aunque de Kamiyama esperaba más sobre todo por la importancia en la dirección de sus primeros trabajos. La película vuelve a ser una muestra de la dispersión que el director viene mostrando últimamente. Es una historia que vas construyendo con lo que se va contando a través de lo que aparentemente son, al principio, dos mundos paralelos pero que luego se muestran como el mundo real y el mundo de las ensoñaciones de la protagonista, Kokone. Ensoñaciones que tienen un motivo. Envolver la historia del mundo real con el uso de la tecnología de la comunicación, algo en lo que Kamiyama se desenvuelve como pez en el agua; plantar un mundo de fantasía altamente tecnificado pero con estética del siglo XIX, además con la presencia de la magia, un kaiju, mechas,…., parece demasiado. La película tiene buenos momentos, interesa al principio por la parte de la realidad, la presentación de los personajes y sus vidas en la ciudad de Okayama. También interesa al final cuando visualmente da lo mejor, pero en su parte intermedia se llega a hacer un tanto pesada porque da la sensación de que no hay una definición clara entre los dos mundos, llega un momento en que casi da igual. Este problema también lo tuvo el trabajo anterior de Kamiyama, 009 Re:Cyborg, donde los personajes se perdían en unas disquisiciones filosóficas que aburrían al más pintado. En Ancien y el mundo mágico casi no hay filosofía, pero también aburre un poco cuando está a medio camino. Es un problema de guion, o de la adaptación del mismo de la novela ligera que escribió el propio Kamiyama.

Lo que no se puede negar a Ancien y el mundo mágico es la calidad de la animación. El realismo de los fondos urbanos es marca de la casa, admirable especialmente cuando se ven calles, puentes o edificios reconocibles de Tokio. La animación en las espectaculares escenas finales, la concepción artística de las mismas,… son detalles importantes que compensan en cierto modo las carencias del film. Visualmente la película tiene muy pocos reproches, como tampoco los puede tener en la banda sonora a cargo de Yôko Shimomura.


6/10 - Interesante



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OtherLife (2017)
Dir. Ben C. Lucas

Dentro del género de la ciencia ficción no son pocas las películas que explotan la idea de inducir en nuestro cerebro vivencias que en realidad no ocurren pero que vemos y vivimos como reales. Desde el Memory Call de Desafio Total, pasando por Matrix, Origen o Días Extraños, son películas que explotan la idea de una manera y otra y con ella montan una historia y una película más o menos interesante. Peliculones en el caso de las mencionadas, pero hay otras.

OtherLife también explota la idea de confundir la realidad que estás viviendo. Se trata de una producción australiana de bajo presupuesto que no se nota casi nada en el caso de la puesta en escena, aunque sí que se nota a nivel actoral exceptuando, un poco, a la protagonista principal. Pero el problema principal de la película es el guion, o más bien el camino que toma la película. Porque todo va bastante bien mientras se planteada la premisa principal de la película, o en su interesante parte intermedia cuando se decide experimentar con la sustancia. Sin embargo, luego la película se decice por no seguir explotando las interesantes posibilidades que seguirían llevando la historia por la parte de la ciencia ficción para centrarse en la historia personal y familiar, en la parte melodramática que interesa muy, muy poco. Particularmente, cuando llega su último tercio, empieza ya a darme todo igual.

4/10 - Regular






Nº de películas reseñadas en el blog: 390
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miércoles, 2 de mayo de 2018

Cine, lo que vamos viendo. Tres reseñas (nº CII)

Fecha estelar: -304667.0
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Películas reseñadas:

- Amor bajo el espino blanco (2010)
- Hostiles (2017)
- The Terror (2018)


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Amor bajo el espino blanco (2010)
Dir. Zhang Yimou

Reseña con spoiler en el último párrafo.


Cuando Zhang Yimou se pone a contar una historia romántica y empieza por eliminar cualquier artificiosidad, los elementos superfluos desaparecen y es capaz de narrar visualmente lo esencial ofreciendo algo puro y conmovedor, desde luego, es un maestro. Ya lo hizo antes con El camino a casa (1999), una película simplemente grandiosa que particularmente tengo en un altar. Once años después lo vuelve a hacer con Amor bajo el espino blanco aunque se trate de una película más compleja en el sentido de que aquí la historia sí que se circunscribe a una época concreta, en mitad de la revolución cultural en la China de Mao Tse Tung. Yimou no elimina aquí, o mejor, no aparta a un lado la realidad social de la época tal como hizo en El camino a casa. Por eso la película de 1999 me resulta más pura y universal, lo cual no quiere decir que en Amor bajo el espino blanco la historia se resienta sino que toma, también, otra perspectiva al ofrecer una visión de cómo vivían ciertas familias aquella época y el proceso de reeducación. El retrato de aquellos años es también un punto de mucho interés en la película.

Amor bajo el espino blanco tiene una música minimalista maravillosa, casi imperceptible durante todo el film y que aparece justo en el momento. También tiene una fotografía perfecta donde Yimou deja de lado su maestría en el uso de los colores en la composición de escenas, la historia no se presta a ello. Pero lo importante es la grandísima capacidad del director de imbuirte en la historia, de implicarte con los personajes. Desde luego ayuda sobremanera el trabajo de la jovencísima Zhou Dongyu, es impecable y admirable. Cuando Yimou quiere, es capaz de mostrar la naturalidad y la inocencia de una forma tan sencilla que me resulta imposible pensar que esto sea fácil de hacer porque, desde luego, en este género lo que el director consigue no está al alcance de muchos. Me quedo con un plano: para cruzar el río por un camino de piedras Sun quiere guiar a Jing ofreciéndole un palo al que ambos se agarran y así no tener que tocar su mano pues ella no lo desea. Ambos cruzan el río mientras oscurece, Yimou baja la cámara y los vemos pasar a través de su reflejo en las aguas cristalinas.

Resulta curioso que Zhou Dongyu, con 18 años, realice aquí su primer trabajo en un largometraje, tal como hizo la bellísima Zhang Ziyi con 20 años en El camino a casa.

No puedo poner esta película en el mismo altar donde está El camino a casa por el giro que toma la película hacia su resolución final. Desde luego el director hace malabares para no desvelar casi nada hasta el último tramo, es una pega, aunque deja algún detalle que puede ponerte en alerta ante lo que pudiera ocurrir. No lo deseas, sabes que no se va a atrever a terminar así. La película está basada en hechos reales, vivencias recogidas en una novela del mismo título. Hay películas con finales tan emotivos y tristes que solo las puedo ver una vez.



8/10 - Notable



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Hostiles (2017)
Dir.: Scott Cooper

Hay ocasiones en las que es difícil entender cuál ha sido la estragegia de publicación, distribución y comercialización de una película de alto nivel. Hostiles es un claro ejemplo, una película que todavía no se ha estrenado en España y que por el camino que lleva parece que lo hará directamente al "formato doméstico", por llamarlo de algún modo. Y si finalmente se estrena en cines, pues ya lo estará haciendo tarde y mal porque el acceso al cine tiene muchos caminos.

El caso es que el interés de ver esta la película ahora (cuando no hay publicidad alguna de la misma) require de la propia voluntad del espectador que busca y rebusca filmografías o películas de género y, de pronto, se encuentra con un western de interesante título en el que intervienen buenos actores. Scott Cooper es el director y es su cuarto largometraje. Anteriomente había dirigido, siempre en mi opinión, las pasables Corazon rebelde (2009) y Black Mass (2015) y la bastante buena La ley del más fuerte (2013) también con Christian Bale como actor principal.

Con Hostiles ha conseguido Scott Cooper su mejor trabajo, casi un peliculón, un western con muchas reminicencias clásicas que se apoya tanto en los actores como en lo fundamental de las grandes películas del oeste, los grandes espacios abiertos del oeste americano. Casi toda la película está rodada en exteriores de este largo viaje desde Nuevo Mexico hasta Montana y los paisajes y su fotografía son espectaculares. Y se preocupa mucho el director de plantarte unos encuadres y unas panorámicas con el grupo de personajes presente que fácilmente me retrotraen al western clásico. Pero no solo es eso, también las instalaciones militares, los fuertes del ejército en medio de la nada, la caballería, este tipo de temática hacía mucho que no se veía (al menos en mi caso) en una película del oeste y hay ocasiones en las que me acuerdo del cine de John Ford por la parte militar y las estancias en los fuertes, y por escena final y especialmente los últimos planos, y también del cine de Antonny Mann y el propio John Ford por los paisajes. Y la historia también es clásica, casacas azules, indios, odio y aceptación. Es la implicación de los actores (especialmente Christian Bale, pero también Rosamund Pike o Wes Studi y Ben Foster) la que consigue que te interese la "historia de siempre".

Se puede pensar, y es cierto, que la película adolece de un ritmo excesivamente pausado, sobre todo en su parte central. Particularmente no me molesta para nada si lo que veo está tan bien filmado y fotografiado, tanto la noche como el día. Quizás sí que se le pueda reprochar un acabado episódico dentro del viaje, dicho de otro modo, un ritmo como a trompicones dentro del viaje de este grupo de personas. La escena final es simplemente maravillosa, no por esperable, sino por su planteamiento.

8/10 - Notable

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The Terror (2018) - 10 episodios
Escrita por David Kajganich

El Terror y el Erebus son los nombres de dos navíos de exploración británicos que en 1845 iniciaron la aventura de adentrarse en busca de un paso del Noreste para atravesar el oceano Ártico y poder así cruzar desde el Atlántico al Pacífico. Esta expedición se conoce hoy como la expedición perdida de Franklin pues ambos navíos quedaron atrapados en el hielo y poco se sabe de la suerte que corrieron. En el año 2007 Dan Simmons publicó una novela que narra la suerte de los tripulantes de las dos naves según las teorías actuales e incluyendo también un elemento fantástico.

La serie está basada en la novela de Simmons. Desde un punto de vista histórico es perfecta pues dejando a un lado el elemento sobrenatural, muestra muy bien cómo debieron ser los hechos. Tampoco abusa mucho de lo fantástico, molesta poco, se puede decir, aunque la suerte real de estas personas debió ser mucho peor.

Conocer de antemano la historia de la expedición pudiera hacer que la serie se encaminara hacia lo previsible con la consiguiente pérdida de interés, aunque no lo creo porque está muy bien rodada y el diseño de producción es muy bueno. En cualquier caso es el motivo de introducir un elemento imprevisible que pueda mantener cierta tensión hasta el final. No es el único pues entre los personajes principales también hay tiempo de plantear tramas ficticias bien hiladas con hechos conocidos.

Una serie muy recomendable.

7/10 - Buena





Nº de películas reseñadas en el blog: 387
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martes, 24 de abril de 2018

Cine, lo que vamos viendo. Tres reseñas (nº CI)

Fecha estelar: -304689.3
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Películas reseñadas:

- El tercer asesinato (2017)
- Regreso a la Tierra (1955)
- Suburbicón (2017)



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El tercer asesinato (2017)
Dir. Hirokazu Koreeda

Decimosegundo largometraje de Hirokazu Koreeda, actualmente uno de los directores japoneses más interesante. Habiendo seguido prácticamente toda su trayectoria cinematográfica no hay película de Koreeda que te deje indiferente principalmente porque siempre toca temas interesantes y, sobre todo, porque sabe cómo estructurar y contar una historia. Las primeras películas de Koreeda se centraban en el tema de la muerte, la memoria que queda y la asunción de la pérdida; luego, con “Nadie sabe” (2004), el cine de Koreeda giró hacia la familia, generalmente desestructurada, o precisamente a la ausencia de la misma en “Nadie sabe”, la hipocresía y la indiferencia de la sociedad actual, la soledad o la inadaptación a la misma. Pero lo bueno de las historias que cuenta Koreeda está en la naturalidad con que presenta sus situaciones, no es tendencioso ni trata de llevar la crítica hacia un lugar u otro, no toma partido por nadie porque no es maniqueísta, define bien sus personajes y las razones de sus actos y deja que sea el espectador el que valore o reflexione sobre lo que está viendo. Y toda esta constante de su cine se mantiene en “El tercer asesinato”.

En esta película pudiera parecer que el director japonés quiere cambiar la temática derivando hacia el thriller y el drama judicial pero lo cierto es que no es así. No sigue las claves del género porque no le interesan y lo cierto es que la investigación sobre el crimen que irá realizando el abogado protagonista no es más que el camino que toma el director para exponer situaciones que llevan al espectador a pensar sobre la verdad, el sacrificio, sobre la deontología de la abogacía, sobre la identidad del juez, la burocratización de la justicia por encima de la justicia real, la culpabilidad del asesino, el destino de la vida y su predeterminación y también, de nuevo, la familia, compleja por decirlo de algún modo, que adquiere su relevancia con únicamente una escena de una madre y una hija que, en opinión personal, resulta ser lo mejor del film. Una escena que es conveniente revisitar una vez terminada la película. Impresiona.

“El tercer asesinato” no resulta una película sencilla y requiere de la implicación del espectador que no debe esperar que se lo expliquen todo porque la película no es un drama judicial al uso. Con un ritmo bien pausado y un trabajado guion, Koreeda va enredando y desenredando la historia, contada convenientemente como el director bien sabe hacer, manteniendo el misterio de las motivaciones del asesinato hasta llegar al sorprendente tercio final donde el espectador puede llegar a comprender buena parte de la verdad, no tiene más que atar los cabos que se han ido dejando a lo largo de la película para afianzar su verdad, incluyendo la sutilieza del director al utilizar la alegoría para mostrar el mensaje que quiere transmitir. No es película que al finalizar te deje indiferente, más al contrario merece una meditación posterior o incluso un segundo visionado.


8/10 - Notable

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Regreso a la Tierra (1955)
Dir. Joseph M. Newman

En unos años, finales de los cincuenta del siglo pasado, donde había que vender el uso pacífico de la energía nuclear en la producción de electricidad, una película que partiera de un grupo de científicos gubernamentales que quieren convertir el plomo en uranio (literal) para así evitar la falta de combustible, pues resulta como totalmente plausible. Y es así como empieza esta película y ése es el contexto donde se debe considerar. Pero hete aquí que los científicos están siendo reclutados por unos extraterrestres de aspecto humano, bien bronceados, blanco pelo y ancha frente. A partir de aquí, platillos volantes, viajes interestelares, batallas espaciales, monstruos mutantes,… ¿qué más se puede pedir?

“Regreso a la Tierra”, cuyo título original es “This Island Earth” se estrenó en 1955, un año antes que “Planeta prohibido” película con la que guarda cierta relación visual y de estilo, como la parafernalia de artilugios, los botones y los mandos de los aparatos, los paisajes extraterrestres de fondos pintados y el mate painting y los efectos especiales que emplea que, para la época, no están nada mal. Así, a bote pronto, es la primera película que recuerdo en la que se hay batallas espaciales en color con naves lanzándose proyectiles. Desde luego es un acierto sacar la historia de la Tierra para viajar al planeta Metaluna, lo que pasa es que hay que esperar casi media película para que esto ocurra y la primera parte es bastante más convencional. Parece ser que la mayor parte de la filmación en Metaluna corrió a cargo de Jack Arnold director que manejaba mucho mejor las escenas con efectos especiales tal como luego acreditaría también en “El increíble hombre menguante” (1957).

La película adolece de un guion muy simplón, actores que hacen de científicos pero que lo aparentan muy poco, conversaciones con jerga científica desordenada (lo de “el gato se llama neutrón, porque es muy positivo” casi me mata de la risa) y unas interpretaciones tirando a malas (Faith Domergue como la doctora Ruth Adams aquí se lleva la palma). Es fruto de su tiempo y lo que mejor se puede decir de ella es que no se hace larga y que entretiene. Lo cual es decir mucho porque una buena parte de las películas de ciencia ficción de serie B de aquellos años son, vistas hoy, infumables. Algunas hay que son muy buenas, "Planeta prohibido" es un ejemplo, y otras hay que resultan interesantes y que aguantan bien el paso del tiempo, "Regreso a la Tierra " es el ejemplo.

Icónico el mutante de Metaluna con movilidad reducida que aparece en el film, basante homenajeado posteriormente en otras películas.

6/10 - Interesante

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Suburbicon (2017)
Dir. George Clooney

Dirige George Clooney, escriben el guion los hermanos Coen. Aunque no todo el guion porque George Clooney y Grant Heslov tambiém aparecen acreditados y sospecho cuál es la parte de la historia que les ha tocado.

No se puede decir que la película esté mal rodada o mal contada, más bien al contrario. Tiene un tono caricaturesco, a veces tipo cartoon, que en algunos momentos resulta acertado pero que finalmente acaba perjudicando mucho al potencial thriller que hay en Suburbicón. Que parte de la historia está escrita por los hermanos Coen es innegable, de hecho es demasiado reconocible porque casi es repetitiva de una de sus películas más conocidas por la parte que corresponde al idílico lugar que en realidad oculta la podedumbre del ser humano. Y que los planes, desde luego, nunca salen bien porque entonces ¿qué película habría?

A pesar de que es una historia bastante reconocible de los autores de la misma, desde luego es lo bueno que hay en Suburbicón. Pero insisto que el exceso de frivolidad va en detrimento de la mala leche que se destila. Se desaprovecha muchísimo el punto de vista del niño, seguir por ese camino y no desviar la atención, que es lo que ocurre cuando se desarrolla otra historia paralela sobre el racismo del vencindario. Parece una cuña metida a martillazos que no interesa lo más mínimo porque se ven a la legua las intenciones moralizantes, la manipulación y la pretenciosidad, oooootra vez la denuncia de la sociedad conservadora/racista que no pega ni con cola con la otra parte, la que realmente interesa. Se puede ser mucho más sutil y contar básicamente lo mismo porque la configuración de este barrio donde ocurre la historia ya te lo dice casi todo. Puedo estar equivocado pero no veo yo a los hermanos Coen escribiendo esta parte de la historia.

5/10 - Pasable



Nº de películas reseñadas en el blog: 384
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martes, 17 de abril de 2018

Cine, lo que vamos viendo. Tres reseñas (nº C)

Fecha estelar: -304708.5
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Películas reseñadas:

- Lucky (2017)
- Aniquilación (2018)
- Coco (2017)


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Lucky (2017)
Dir. John Carroll Lynch

Lucky es el final de un viaje, una película que, casualidad o no, muestra un plano de Harry Dean Stanton mirando a cámara y sonriendo que engrandece aún más a este actor por la forma que ha tenido de despedirse de este mundo. Aunque todavía lo podremos ver en otra película que está en postproducción, “Frank and Ava”, Harry Dean Stanton murió poco después de finalizar Lucky, una película que no pudo ver terminada y que, sin ser autobiográfica, sí que cuenta algunos recuerdos de su vida real.

Lucky es película que termina de cerrar un círculo. En 1999 David Lynch estrenó “Una historia verdadera” una rara avis en su filmografía y una película imprescindible, de las que te dejan marca. Tiene mucho que ver “Una historia verdadera”, película en la que también participó Harry Dean Stanton, con lo que el director John Carroll Lynch cuenta en Lucky. “Una historia verdadera” también supuso la última actuación de Richard Farnsworth y precisamente para mostrar una profunda reflexión sobre cómo el acercamiento del final de la vida, cómo lo que es inevitable pasa por encima de la tozudez que la ha marcado durante mucho tiempo, una película sobre la aceptación y el perdón. Y todo este peliculón nos regaló David Lynch con una historia de lo más sencilla. Pues en Lucky ocurre exactamente lo mismo, una historia de lo más sencilla, escenas rutinarias en la vida del protagonista que afronta el tramo final de su vida con necesidad de saber hacia dónde va a terminar. Y siendo un guion pensado solo y para Harry Dean Stanton, basado en sus propias apreciaciones vitales, la idea final que el actor expone me resulta de una sencillez y honestidad admirable.

La película es una tardía ópera prima del actor John Carroll Lynch, que ciertamente demuestra que sabe rodar y contar una historia que corría el riesgo de volverse aburrida porque realmente no nos está contando nada en particular. Sin embargo son los actores los que llevan la película a buen puerto, sobre todo lo que dicen, sobre todo Harry Dean Stanton. Hay otros círculos que se cierran aquí. David Lynch también participa y actúa en el film, y tiene papel relevante en una película tan relacionada con “Una historia verdadera”. Y otro momento, una escena en la que Tom Skerritt y Harry Dean Stanton hablan, de nuevo parece que autobiográficamente, de vivencias de la segunda guerra mundial,…, es otro círculo que se cierra, aunque éste es desde un punto de vista más personal, un círculo que empezó en 1979 cuando ambos actores estaban juntos en Alien y que treinta y ocho años después se cierra.

8/10 - Notable


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Aniquilación (2018)
Dir. Alex Garland

En 1979 el director Andrei Tarkovsky, por entonces soviético, nos regaló un alabadísimo film, “Stalker”. En mi caso, que vi el film bastante después guiado por las alabanzas, la película me dejó una imborrable marca por ser uno de los mayores coñazos que he podido contemplar, siempre en mi opinión, obra cumbre de la pretenciosidad gafapástica. En la película se plantea la existencia de un lugar en Rusia llamado “La Zona” donde hace años se estrelló un meteorito. Los tres protagonistas se adentran en este lugar prohibido para buscar una habitación que tiene la capacidad de cumplir los deseos más recónditos de las personas.

Alex Garland parte de una premisa muy parecida en “Aniquilación” y de hecho la película guarda muchos parecidos en su planteamiento general con la película de Tarkovsky, incluyendo el coñazo considerable que finalmente resulta. La actividad de Garland hasta ahora había ido más por el camino de la novela y especialmente la escritura de guiones dentro del ámbito de la ciencia ficción (28 días después, Sunshine, Dredd, Ex Machina). Con Ex Machina se pasó también a la dirección consiguiendo una película interesante aunque, siempre en mi opinión, bastante sobrevalorada. Con “Aniquilación”, su segunda película, Garland eleva el nivel de pretenciosidad para rellenar una película que realmente está contando muy poco, como la de Tarkovsky. Luego vendrán aquellos que dirán que no se ha entendido nada de lo que se cuenta o pretende contar, pero no, que todo se entiende perfectamente, en las dos películas. Y la idea es muy buena, lo malo es cómo se rellena todo.

Aquí resulta que cinco científicas se adentran en “La Zona” que ya se sabe por misiones anteriores, nada menos que militares, que es sitio muy peligroso. Pues resulta que las señoras van de expedición como si fueran de acampada aunque, eso sí, al menos van pertrechadas cada una con sendos fusiles M16 aunque la mayoría de ellas reconozca que no sabe utilizarlo correctamente. Todo muy normal. Pero vamos, dejando a un lado las incongruencias y agujeros de guion, que los hay, la película es lenta hasta exclamar ¡ya está bien! Para colmo se rellena tiempo con flashbacks de lo más inoportunos y que aportan muy poco o nada a lo que estamos viendo. Entre bostezo y bostezo, esperando ver qué resolución se le va a dar, aparece alguna escena interesante con una criatura y poco más.

Y luego viene la resolución de la película. Como parece que está todo inventado, ante la falta de ideas originales se opta por tomar algo de aquella película, esto otro de aquella otra para plantear una resolución que cuadre con los personajes que estás viendo que sobreviven, que te los están mostrando desde el principio con la consiguiente falta de tensión. Vamos que la película no funciona ni como Slasher. Decepcionante.

3/10 - Floja



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Coco (2017)
Dir. Lee Unkrich, Adrián Molina

La verdad es que hace ya bastante tiempo que me cuesta entrar en el cine que la productora Pixar hace. Desde la buenísima Toy Story 3 (2010) y quizás también, aunque no tan buena, Brave (2012), la productora no ha estrenado películas que particularmente me llamen la atención. Eso sí, anteriormente estaba la de los insufribles cochecitos con los que tuve bastante con la primera. Después de Brave vino (que fuera pelicula original y no continuación de otras películas anteriores) Inside Out (2015), que me pareció exesivamente adoctrinante y manipuladora, me gustó muy poco. 

En el caso de Coco la apabullante animación que estas presenciando ya de por sí merece que muestres interés en la película. Desde luego es una muestra de lo que se puede hacer con un presupuesto de 175 millones de dólares, y lo cierto es que es una maravilla. Pero casi que ya está, que la historia y la aventura que se desarrolla con tanto dinero está ya muy vista de una forma u otra dentro de las anteriores películas del propio estudio. Es un camino trillado pero efectivo si todo se hilvana bien para jugar con el sentimentalismo al final. Ahora bien, que el camino esté ya muy trillado hace que la película sea casi aburrida en su primera mitad o más incluso, hasta que llega el giro que te ves venir por cómo tratan o muestran al personaje que va a dar la supuesta sorpresa. Peo bueno, el aburrimiento se suple con la distracción de lo accesorio, de los escenarios y los personajes que pululan por ellos, de las coreografías en los números musicales. Luego, como ya se han consumido dos tercios de película, todo se atropella excesivamente hacia el final, precisamente cuando las cartas se ponen sobre la mesa y la película capta algo de interés.

Y una explicación continua de todo por boca de los personajes, ¡qué pesadez! y qué añoranza de anteriores películas de Pixar donde no se decía una palabra en minutos y solamente el lenguaje visual y la animación lo transmitían todo.

No la he visto en versión doblada pero se me antoja que la película es de obligada visión en versión original.

6/10 - Interesante




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Recuerda, amigo lector, que estas reseñas están basadas única y exclusivamente en mi opinión y gusto personal que puede, o no, coincidir con la del resto de los mortales.  -