jueves, 13 de septiembre de 2018

Cine, lo que vamos viendo. Tres reseñas (nº CXIX)

Fecha estelar:-304298.9
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Películas reseñadas:

- Ordet (La palabra, 1955)
- Spacewalker (2017)
- Hard Boiled (1992)


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Ordet (La palabra, 1955)
Dir. Carl Theodor Dreyer

Confieso que tenía totalmente olvidada la película de Dreyer, pero vamos que ni acordarme de ella desde que, hará más de veinte años, José Luis Garci la proyectó en “¡Qué grande es el cine!”. El caso es que escuchando hablar de la película hace poco al propio Garci, en los “Cowboys de medianoche”, me picó la curiosidad de volver a visitarla, casi más bien visionarla por primera vez dado el olvido. Considerada como está como una de las películas más importantes y valoradas de la historia del cine, la cuestión de ver Ordet de nuevo era, también, para purgar el pecado.

Cuesta entrar en la película, cuesta bastante si el punto de vista se sitúa muy cercano al agnosticismo y resulta que Ordet es, precisamente, una película eminentemente centrada en explorar la esencia de la fe cristiana, aunque no solamente esto. Cuesta entrar en la película cuando todo es tan teatral, cuando la mayor parte del tiempo los personajes que interactúan lo hacen sin mirarse siquiera unos a los otros, miran y hablan como al infinito, cuando todos los movimientos resultan tan parsimoniosos. Y, sin embargo y a pesar de todo, Ordet es una película que te va envolviendo poco a poco, tanto por las formas como por el fondo.

Al principio son las formas, la puesta en escena, los parsimoniosos movimientos que hacen los actores, los movimientos que va haciendo la cámara mientras las poses, el escenario y la iluminación parecen mostrar una especie de pintura, como si la cámara estuviera recorriendo y mostrando un cuadro. Otras veces la cámara se mueve mientras sigue a un personaje, o sigue la mirada del mismo mientras otros personajes salen o entran en el plano de la cámara en movimiento,…, maneras de filmar que no son para nada habituales, que requieren de poco montaje. Los diálogos no son mostrados con el típico esquema de montaje de plano y contraplano, de hecho es que prácticamente no hay primeros planos, solo los justamente necesarios para la historia.

Después de las formas está la historia que se cuenta, ver cómo las aquellas están supeditadas a lo que se quiere contar. Insisto, incluso para un acercamiento agnóstico de alguien a quien Kierkegaard solo le suena por formar parte de la coletilla que utilizaban Faemino y Cansado en sus actuaciones. Lo siento, pero así es la ignorancia. No importa, cualquier persona se puede acercar a esta película, cada personaje representa una postura y el conflicto religioso es del todo entendible. Tanto por la polémica entre los dos planteamientos religiosos como por la parte alegórica de un par de personajes ajenos las trifulcas, personajes donde la fe es limpia, el papel de la locura (precisamente por leer a Kierkegaard) y la inocencia juvenil. El caso es que, aparte de la religión y de la sempiterna presencia de Dios en todas las conversaciones y motivaciones, también hay componentes muy humanos en esta película. Y sobre todo, un canto a la vida que se desata sobremanera en la fisicidad y carnalidad del plano crucial del final. Una película fascinante por su escenificación y filmación. Especialmente con un par de momentos sobresalientes en este aspecto: el sonido de un coche negro a caballos llegando a la granja y toda la blancura y escenificación del final.

8/10 - Notable


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Spacewalker (2017)
Dir. Dmitry Kiselev

Resulta curioso que en un mismo año en Rusia se estrenen dos películas con presupuesto similar dedicadas a contar las hazañas pasadas de los cosmonautas soviéticos. Y son dos películas muy diferentes por el enfoque que han elegido. Lo cierto es que, dentro de la historia de la carrera espacial, lo que atañe a Estados Unidos nos lo sabemos muy bien, pero por parte de la Unión Soviética también se realizaron grandes azañas, extraordinarias algunas, que han quedado muy ocultas en el hermetismo del bloque soviético. Parece que ahora están empezando a ver la luz.

El director Klim Shipenko cuenta en Salyut-7 (2017) el rescate de la estación espacial que llevaba dicho nombre por parte de la misión Soyuz T-13, que fue, verdaderamente, una hazaña. Por su parte, Dmitry Kiselev nos cuenta en Spacewalker (2017) cómo fue el primer paseo espacial (mejor Actividad Extra Vehicular, EVA) realizado por Alexey Leonov en marzo de 1965. Las dos películas están bien realizadas para el presupuesto que manejan y los efectos especiales son muy solventes, lo cierto es que es buen cine. La diferencia está en que en Salyut-7 se opta por inventar la mayor parte de lo que ocurre en aras de dar emoción y crear una buena película, pero que se quiere parecer demasiado a determinado cine americano, por no decir directamente al cine espacial de Michael Bay, mientras que en Spacewalker lo que prima es mostrar cómo ocurrieron los hechos realmente, que ya de por sí tuvieron lo suyo y por eso la película no resulta, para nada, pesada ni aburrida a pesar de que dura 140 minutos. Hay mucha preocupación en la película por mostrar cómo era la nave Voskhod 2, cómo era el primer traje espacial y cómo tenían que ser las maniobras a realizar. Y cómo la temeridad cuenta por ser los primeros en cada una de las etapas que ha tenido la carrera espacial.

La primera actividad EVA que realizó el ser humano no duró más de 15 minutos y dicho así parece poca cosa para montar una película tan larga. Al principio se nos presenta a los protagonistas, con un cierto aire a Elegidos para la gloria (1983), pero dura poco porque lo cierto es que no tardamos mucho en ver a los cosmonautas montados en la Voskhod 2. Lo que ocurre es que las dificultades que tuvieron que salvar los dos cosmonautas, Pavel Belyayev y Alexey Leonov, fueron tales que resulta milagroso que finalmente todo saliera bien. Supongo que esto no es un spoiler porque es historia de la astronáutica y Spacewalker no solo es cine emocionante, entretenido y muy bueno, también es cine donde se aprende.

8/10 - Notable



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Hard Boiled (1992)
Dir. John Woo

La última película de John Woo, antes de que iniciara su ciclo americano, es una película excesiva como pocas hay dentro de las que ha dirigido el director hongkonés. Se puede decir que inició su camino dentro del cine de acción con sello propio con "Un mañana mejor" (1986), película donde también inicia colaboración con el actor Chow Yun-Fat. Mucho más comedido en este inicio, en "Hard Boiled" las escenas de acción se suceden y se alargan sin sentido. Y lo que es peor, como todo es excesivo y aquí deben morir varios pares de cientos de personas, con muertos que saltan en doble tirabuzón, pistolas de ochocientas balas, devoción por tirarse (el muerto) por la ventana de cristal, ..., en mi opinión la película envejece mal, bastante mal y bastante peor que "Un mañana mejor".

Otro asunto aparte es el guion, mejor no intentar buscarle sentido alguno porque la verdad es que importa muy poco. El último tercio en el hospital es un puro delirio.

4/10 - Pasable







Nº de películas reseñadas en el blog: 438
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Recuerda, amigo lector, que estas reseñas están basadas única y exclusivamente en mi opinión y gusto personal que puede, o no, coincidir con la del resto de los mortales.  -



jueves, 6 de septiembre de 2018

Cine, lo que vamos viendo. Tres reseñas (nº CXVIII)

Fecha estelar:-304319.1
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Películas reseñadas:

- Please Stand By (2017)
- Heart Blackened (Chim-muk, 2017)
- El infinito (2017) 


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Please Stand By (2017)
Dir. Ben Lewin

Bueno, en primer lugar decir que mi valoración de esta película no es nada objetiva tal como se verá al final de esta reseña.

Wendy es una joven autista que vive en una casa especial para personas con trastornos psicológicos como el suyo. La casa está tutelada por Scottie, una psicóloga que va consiguiendo integrar a los habitantes de la casa en la sociedad actual dentro de sus limitaciones. Wendy tiene una hermana mayor que se preocupa por ella pero que ahora está más comprometida con su hijo recién nacido y su familia. La habilidad especial de Wendy es que sabe escribir, y está escribiendo un guion para un concurso organizado por los estudios Paramount. 

Vista así, la sinopsis más bien parece la de un drama familiar para un telefilm de sábado por la tarde. Y ciertamente lo sería si no fuera por un par de detalles. Primero, la película huye del efectismo barato respecto del autismo y no se plantean situaciones extremas en ningún momento, o las que hay se resuelven de una forma bastante “civilizada”; el tono amable de la película es muy de agradecer. Luego está Dakota Fanning, actriz de la que no había visto nada desde que gritaba como una histérica en la notable La Guerra de los Mundos de Spielberg. Ha llovido mucho desde los once años que tenía entonces Dakota Fanning hasta los veintirres de esta película; y aquí está realmente bien como Wendy. La secundan dos actrices más, Toni Collette como la psicóloga Scottie (Scotty habría sido demasiado), una garantía por lo buena actriz que es, y Alice Eve como hermana mayor de Wendy, que también está bien aunque siempre la tenga en el recuerdo, un mal recuerdo por cierto, por una escena de puro postureo de la muy muy olvidable Star Trek: En la oscuridad de J. J. Abrams.

Buenas actrices, película nada efectista, guion previsible en sus líneas generales, entretenida, autismo,..., con estas mimbres la película ya se muestra, al menos, interesante aunque no sea nada del otro jueves. Lo que ocurre es que la obsesión de Wendy es Star Trek. Sin saber nada de la película un par de pistas había ya, porque no puede ser que la psicóloga se llame Scottie, que el concurso sea de los estudios Paramount, o el propio poster promocional (uno de ellos, no el principal). Incluso la conexión de Alice Eve tiene que ver aunque no es más que anecdótica. Wendy ha escrito un guion para un capítulo de Star Trek. Spock tiene que salvar a Kirk y tiene que viajar hacia futuro hasta Espacio Profundo Nueve para reclutar a Worf y que éste le ayude..... Quiere entregar el guion pero va a tener que aventurarse más allá de su círculo de bienestar. Plagada de detalles, si eres un trekkie, un fan de Star Trek, la película te tiene que gustar. Yo lo soy, Star Trek me apasiona y por eso la película me ha resultado buena.



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Heart Blackened (Chim-muk, 2017)
Dir. Jung Ji-Woo

Yim Tae-san (Choi Min-shik), corredor de bolsa ultra rico, está profundamente enamorado de Yuna (bellísima, Ha-nee Lee). Su hija, suponemos de un anterior matrimonio, Mi-ra es una hija consentida que no se lleva nada bien con Yuna. Una noche en un club, los aminos de Mi-ra encuentran un video sexual de Yuna circulando por la red y Mi-ra llama a Yuma para discutir sobre el asunto. Yuna acude a la cita y..., nada sabemos más..., al día siguiente Yuna muere por un fuerte golpe en la cabeza en un accidente. Mi-ra es la principal sospechosa.

A partir de aquí, que es donde verdaderamente la película arranca, empieza un drama judicial envuelto en misterio pues Mi-ra no puede recordar nada por el exceso de alcohol. Una buena película de juicios, de los que se debe ir investigando el misterio conforme el juicio va avanzando, sobre todo para cualquier aficionado a este tipo de películas. Aunque sea un juicio en Corea todo es perfectamente entendible seguramente porque se ha eliminado mucho realismo del procedimiento jucidial en favor del dramatismo y de una puesta en escena que forma parte de lo estandarizado en este tipo de películas, que es, por otra parte, lo que verdaderamente funciona.

La importancia de la presencia de Choi Min-shik (Oldboy, Sympathy for Lady Vengeance, Nameless Gangster o New World por nombrar algunas buenas películas de las muchas en las que interviene del actor) es también un aliciente para acercarse a una película que te mantiene bien sujeto al sillón y en la que poco hay que desentone. Plantea una buena administración de la información haciendo que ésta aparezca como parte del propio desarrollo de la trama, y tiene un par de giros relevantes, como debe tener cualquier película de juicios que se precie. Quizás sea un poco larga y más cuando plantea un largo epílogo explicativo de algo que ya se sabe. Parece redundancia, pero incluso este epílogo es brillante porque precisamente es donde Choi Min-shik se sale como actor. Excelente la última escena con su larga transición final a negro.

La película es un remake de una película china del año 2013 titulada "Silent Witness". Solo viendo el trailer de "Silent Witness" me parece que la película china es bastante diferente, más visceral y escandalosa. Aunque solo es un trailer, no es la mejor forma de comparar dos versiones de una historia.

7/10 - Buena



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El infinito (2017)
Dir. Justin Benson, Aaron Moorhead

Cuando en tiempos de juventud leía algunos relatos de Lovecraft, como aquel en el que algún ser Primigenio vaga por los bosques en las montañas a medio camino entre su dimensión y la nuestra, desde luego imaginaba un escenario mucho más frondoso, verde y oscuro del que se ve en este desierto de los alrededores de Los Ángeles. No obstante, en la primera mitad de esta película, que es la parte que se mantiene interesante, parecía que el Primigenio hacía de las suyas. No estoy desvelando nada, la película empieza con una cita de Lovecraft, así que la sugestión está desde el principio.

El caso es que luego el asunto se tuerce, aunque sigue manteniendo cierto interés porque la temática hacia la que gira siempre entretiene por muy trillada que esté. Quizás sea que la historia quiere abarcar demasiados temas y termina decantándose por donde, particularmente, me interesa menos dadas las expectativas iniciales. La falta de presupuesto hace el resto.

Ciertamente, en el terreno de la ciencia ficción es de agradecer la aparición de historias nuevas. En este sentido la película es parecida a Coherence (2013) o a Predestination (2014), plantea una buena y nueva historia que no sabes bien por dónde te va a salir, al menos en su primera mitad. En la novedad está lo bueno y, desde luego, la película hubiera ido bastante mejor si hubiera dispuesto de medios suficientes. Pero aquí los dos directores son además los dos protagonistas aunque como actores dejan bastante que desear. También son productores, uno de ellos es el guionista y el otro lleva la fotografía,... la verdad es que para los pocos medios que tienen, bastante han conseguido. ¡¡Lo que pasa es que yo quería más Lovecraft!!

5/10 - Pasable







Nº de películas reseñadas en el blog: 435
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jueves, 30 de agosto de 2018

Cine, lo que vamos viendo. Tres reseñas (nº CXVII)

Fecha estelar:-304338.5
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Películas reseñadas:

- Vengadores: Infinity War (2018)
- Yo, Tonya (2017)
- Godzilla: City on the Edge of Battle (Gojira: kessen kidô zôshoku toshi , 2018)


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Vengadores: Infinity War (2018)
Dir.: Anthony Russo, Joe Russo

Tercera entrega de lo que será una tetralogía sobre Los Vengadores. Esta sí que ha resultado ser una buena película que consigue ir bastante más allá de ser una película más de superhéroes. Y más en este universo Marvel donde las películas que se han producido hasta ahora han dejado mucho que desear resultando, solo algunas, un buen entretenimiento para un momento y nada más. Y otras tantas, no pocas precisamente, que son directamente flojas y repetitivas. El caso es que, dentro del grupo de películas del llamado “Universo cinematográfico de Marvel”, no había encontrado hasta ahora, en mi opinión, nada que superara el calificativo de pasable. Claro, que es una opinión planteada desde un punto de vista muy concreto, de quien no na leído los comics correspondientes, ni tiene interés alguno en hacerlo, que afronta estos personajes solo a través de las películas y con la única expectativa de entretenerse, que es para lo que es este cine.

Avengers: Infinity War es una película buena, bastante buena dentro de su género. Es cierto que uno de sus puntos fuertes es que entra a saco en la historia y casi no presenta personajes pues se apoya en las películas anteriores que, buenas o malas, ahí están para algo. Es muy loable el haber podido elaborar una historia dinámica y entretenida con tantísimo personaje sin que resulte un galimatías sin sentido. Pero el mayor acierto está, desde luego, en Thanos, que prácticamente pasa a ser el protagonista de la película. Y esta vez no es un villano de chichinabo. Incluso los cuatro secuaces que tiene me parecen brillantes. Thanos parece que ha leído a Thomas Malthus porque pretende evitar una especie de catástrofe malthusiana a nivel universal. Es un personaje convencido de lo que hace, que está dispuesto a llegar hasta las últimas consecuencias, la película te lo muestra muy bien y sabe hacerlo, es decir, sabe dedicarle el tiempo necesario sin desviarse en explicaciones innecesarias, aparte de que el trabajo de Josh Brolin es impecable detrás de la máscara digital.

Un villano muy interesante, bien desarrollado tanto en sus lazos familiares como en su objetivo, que reparte estopa desde que aparece en pantalla (de hecho se nota en la película cuando Thanos lleva minutos sin aparecer), unos buenos secuaces, unos superhéroes que verdaderamente sufren dificultades y que pronto dejan las puñeteras coñas, un trabajado guion que logra conformar una película que no decae en ritmo en sus dos horas y media. Y un final magnífico para una historia inacabada. ¿Será esta película para la tetralogía de Los Vengadores lo que fue el Imperio Contraataca para la trilogía original de Star Wars? ¿Será la mejor de las películas de la serie? Está por ver pero esta película pasa por ser la mejor todas las de Marvel y con diferencia. Es más, con un grado de mucha-malicia, quizás sea conveniente no esperar la continuación, olvidarse de ella y considerar que este es el final de la etapa que empezó en el año 2008 con Iron Man y que se ha prolongado en 19 películas. Siempre soñé con que el Coyote cazara al Correcaminos y lo despedazara.

Del acabado técnico no es necesario hablar, impecable. Aquí hay como media docena de compañías de efectos especiales de las más importantes y se nota. Por cierto, da gusto escuchar la inspirada música de Alan Silvestri en los largos créditos finales, que no lo son tanto por su culpa. Así si gusta esperar la escena post-créditos.

7/10 - Buena


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Yo, Tonya (2017)
Dir. Craig Gillespie

Sin quitar mérito a la buena actuación de Margot Robbie en un papel que parece que sabe bordar, me refiero al de choni de barrio que ya llevó a su extremo en el Escuadrón suicida (2016), ni tampoco sin dejar de mencionar el papelón que hace Allison Janney como madre de Tonya Harding, lo cierto es que la película de Craig Gillespie me ha gustado muy poco. Por el tono y las formas a la hora de tratar la historia de esta señora.

Como la historia en sí no da para tanto, pues no se le ha querido dar el tono serio que merece porque quizás habría quedado como telefilm de sobremesa. Se opta a cambio por el de la comedia negra, exposición tipo entrevista, ruptura de la cuarta pared y mucha música pegadiza de la época. Habrá que decir que ya hay muchas películas que intentan adornar la falta de interés de lo que están contando con un arduo trabajo de selección de temas musicales. Así parece que la calidad del producto mejora. Sin embargo, y es una opinión personal, utilizar la comedia y la música para mostrar escenas de maltrato continuado entre personas que rozan el analfabetismo lo único que hace es restar importancia y darle gracia a una cosa tan seria como la que se ve aquí. Me ha resultado una película desagradable, no por la historia real sino por la forma de contarla. Poca gracia tiene.

5/10 - Pasable



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Godzilla: City on the Edge of Battle (Gojira: kessen kidô zôshoku toshi , 2018)
Dir.: Hiroyuki Seshita, Kobun Shizuno

Segunda entrega (de un total de tres) de esta nueva aproximación de Hiroyuki Seshita y Kobun Shizuno al monstruo atómico. El recuento histórico hace de esta la película nº 31 que la productora Toho plantea sobre el kaiju, aunque cediendo en este caso el trabajo a Polygon Pictures, que es donde estos dos directores están desarrollando sus trabajos hasta ahora. Todo esto ya fue, más o menos, contado en la reseña de la primera película (http://laseccionnueve.blogspot.com/2018/06/resenas107.html), incluyendo las características de la historia que se cuenta, adelantada 20000 años en el futuro.

La primera película, es decir, la primera entrega, es simplemente pasable. Me encomendaba allí a un mejor desarrollo de la historia en sus continuaciones pero la cosa no ha mejorado nada, ha ido a peor. Después de dos películas el asunto más me parece como si se hubiera pensado en una serie de 10 episodios pero que al fina estosl han quedado repartidos en tres películas. Y como suele ocurrir en casi todas las series, su parte central suele ser el peor tramo, la parte aburrida donde no ocurre prácticamente nada. Pues así es, en esta segunda parte no ocurre nada relevante, puro relleno. Eso sí, lo que aquí se cuenta, la ida de olla, es cada vez más importante. Tanto que casi todo da igual.

Me quedo corto al indicar que la primera hora de película es una cháchara interminable con profusión de lenguaje pseudocientífico y filosofía existencial. En la primera parte no paraban de hablar, y aquí siguen y siguen y no paran. En el título aparece el nombre de Godzilla, pero casi da igual pues el monstruo, que es lo que verdaderamente importa, no aparece hasta bien pasada la hora de metraje. Asunto aparte es el de la animación. Ya sabemos que el estudio Polygon Pictures, y más concretamente los dos directores, han realizado sus películas y series enteramente por ordenador. Cuando buena parte de la historia ocurre en el espacio, como en la primera parte,  e incluso en Blame!, o en la serie Knights of Sidonia la animación no quedaba mal, tolerable para los personajes humanos. Sin embargo aquí parece que han bajado el nivel y las costuras se notan mucho más pues todo parece demasiado rígido y estático. Por otra parte, me ratifico en que prácticamente esta serie de películas es una especie de Knights of Sidonia pero cambiando a los Gauna por Godzilla.

La próxima entrega vendrá este mismo año. Como la distribuidora es Netflix la veremos pronto porque, aunque sea por un afán “completista”, habrá que verla, pero las expectativas han pegado un gran bajonazo. Encima, ¡o sorpresa! ¡Vuelve King Ghidorah!, que no sabemos qué habrá estado haciendo estos veinte mil años. Ya veremos.

Hay una gran diferencia entre las malas películas de Godzilla, que las hay muchas pero, aun siendo malas, gustan porque no te aburren. El camino que ha tomado esta versión animada del kaiju de la Toho es, precisamente, el de aburrir.

3/10 - Floja






Nº de películas reseñadas en el blog: 432
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jueves, 23 de agosto de 2018

Cine, lo que vamos viendo. Tres reseñas (nº CXVI)

Fecha estelar:-304357.6
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Películas reseñadas:

- El fotógrafo del pánico (1960)
- El hilo invisible (2017)
- Phantom Detective (Tamjung Hong Gil-dong: Sarajin Ma-eul, 2016)



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El fotógrafo del pánico (Peeping tom, 1960)
Dir. Michael Powell

Recordaba esta película bastante más perturbadora de lo que en realidad es, vista hoy día. Tenía metida en la cabeza la idea de que la paranoia del protagonista era captar la imagen justa del momento de la muerte en el iris de la víctima, aparte de un mayor grado de perversión de las escenas aunque el modus operandi verdaderamente tiene lo suyo, oro puro para el psicoanálisis. Quizás sea preocupante que mi mente tergiverse con los años el recuerdo de una película y lo haga, precisamente, hacia terrenos más escabrosos. El caso es que la película va envejeciendo y, aunque sigue siendo muy buena, se va notando el peso de los años…., no solo en la película, en el espectador también. Más que nada porque desde que se estrenó hasta ahora ya se ha visto mucho más dentro del género del slasher, un género que casi empezó con esta película.

El fotógrafo del pánico pasa por ser una de las primeras películas con asesino en serie planteadas bajo el punto de vista del propio asesino. Y como el protagonista lleva la cámara a todos sitios y muchas veces vemos lo que está grabando, se plantea la malsanidad de hacernos partícipes, un ejercicio de voyerismo que vas a tener que hacer aunque no quieras. Una película que resultó tremendamente incómoda en la época lo cual se reflejó en malas críticas y fracaso comercial. Hoy día se la considera película de culto e iniciática. Vista así, dentro de este contexto o desde la visión de la época en que está realizada, la película aguanta muy bien.

8/10 - Notable



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El hilo invisible (2017)
Dir. Paul Thomas Anderson

Segunda colaboración entre el director Paul Thomas Anderson y el actor Daniel Day-Lewis. Esta vez, en mi opinión claro, con bastante peor resultado que en Pozos de ambición (2007). En cualquier caso, nada se puede reprochar a la impecable actuación de Daniel Day-Lewis y su omnipresencia en la mayor parte de la película. Tampoco puede haber reproche alguno al diseño de producción, sobre todo por la parte del vestuario, ni a la fotografía, ni a la tranquilidad permanente de la música. 

La película, que empieza muy bien, resulta más que interesante mientras está en la parte de presentación, tanto del personaje principal como de este mundo de la moda de la alta sociedad en el Londres de 1950. Lo que ocurre es que después pasa a ser repetitiva, profundiza muy poco en la parte de la moda y empieza a dar vueltas acerca de la personalidad modisto Reynolds Woodcock pero siempre girando sobre lo mismo. Es lo que le ha interesado contar a Anderson, pues vale, pero el resultado es demasiado frío, aburrido. Y no es porque uno sea incapaz de vislumbrar lo que el director quiere contar, de cuál es la verdadera influencia de ese hilo invisible, el origen de la personalidad Woodcock, es porque eso lo cuenta en una escena y dos retazos y todo lo demás es vuelta vuelta sobre lo mismo. Se hace larga la película.

5/10 - Pasable



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Phantom Detective (Tamjung Hong Gil-dong: Sarajin Ma-eul, 2016)
Dir. Jo Sung-hee

El protagonista, Lee Je-hoon, que parece salido de una banda K-pop, es el detective Hong Gil-dong que trabaja para una misteriosa organización de investigación. Dotado de una inteligencia deductiva sobrenatural, guarda para sus adentros un tormento que guía su verdadero objetivo vital. Está persiguiendo a un grupo de criminales pero, a través de la voz en off nos revela que su verdadero propósito es buscar información para encontrar a Kim Byeong-Duk, el hombre que mató a su madre en su presencia cuando era un niño.

Este es el punto de partida de esta película que parece que está basada en un comic coreano, una historia "barata" o de literatura pulp que es lo que se suele decir. Lo que está claro es que ese posible origen se ha querido trasladar a la película, situando la historia en una época indeterminada que por un lado parecen los años ochenta aunque el porte del detective y algunas escenas recuerden los años cuarenta del siglo pasado, aparte de la voz en off de la mente del detective presente durante toda la película. La fotografía y la forma de rodar, los encuadres, mezclar un dibujo CGI perfectamente reconocible con la imagen real, el juego con las sombras, reflejos en las gafas, todo esto evoca, desde luego, a un comic. Es uno de los puntos fuertes de la película que consigue en algunos momentos crear la atmósfera de una historieta negra.

El problema de la película, en mi opinión, es la historia que se cuenta. Desde luego cumple con la condición de ser una historia de novela barata que tarda un poco en arrancar y que, aquí viene lo peor, se descontrola hacia el delirio en su último tercio de tal manera que al final resulta un despropósito. Es curioso, pero la película se aguanta hasta el final por culpa de las dos intérpretes infantiles, Kim Ha-na (como Mal-soon) y No Jeong-ee (como Dong-yi). Porque lo que te están contando, sobre todo después de la mitad de película, con tantas alternativas, idas y venidas, idas de olla de cuento barato, todo esto solo deriva hacia la pérdida de interés. De hecho, y a pesar del esfuerzo estilístico, si no fuera por las dos niñas, lo bien que lo hacen y la preocupación que te generan, la película sería bastante olvidable.

5/10 - Pasable





Nº de películas reseñadas en el blog: 429
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jueves, 16 de agosto de 2018

Cine, lo que vamos viendo. Tres reseñas (nº CXV)

Fecha estelar:-304376.9
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Películas reseñadas:

- Mazinger Z Infinity (2017)
- Pacific Rim: Insurrección (2018)
- Rampage (2018)



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Mazinger Z Infinity (2017)
Dir. Junji Shimizu

Esta película surge para conmemorar los 45 años de la emisión de la serie Mazinger Z en Japón. Un motivo como otro cualquiera, a no ser que el número 45 tenga algo especial que se me escape. Como verdaderamente se me escapa, las preguntas para mí son, ¿era necesaria? ¿a quién va dirigida?

Teniendo en cuenta que la historia que se cuenta tiene lugar diez años después de los últimos sucesos de la serie, teniendo en cuenta que aquí no se presenta a nadie, que tienes que conocer todos los personajes, que no son pocos, se me antoja que la película no es más que un homenaje dirigido especialmente al público que en su niñez pudo disfrutar de lo que es el primer anime de mechas. Lo que ocurre es que ese público, que conoce el producto y lo recuerda, también tiene (tengo) bastantes años más. En mi opinión hay cosas que es mejor no tocar, que forman parte de su tiempo, porque la nostalgia no es suficiente para mantener en pie un producto.

En Mazinger Z Infinity es como si hubieran querido condensar toda la serie, incluyendo también a Gran Mazinger, en una película. Salen toooodos los personajes relevantes, amigos y antagonistas, todos los robots menos Afrodita A (una pena), todo un follón que hay que embutir en una historia sin mucho sentido. Bueno, esto también es lo que ocurría con la serie original, pero antes el sinsentido de la historia era mirado con una mente infantil. Ahora aquí salen casi todos y ello implica pocos minutos para cada personaje, nada de desarrollo, o los conoces o no. Una pena también por el barón Ashler, que es el nombre con el que yo lo conocí. Mención aparte son un par de momentos de vergüenza ajena, uno por una comicidad tonta con unos balones de fútbol y otro, muchísimo peor con diferencia, con un grupo de chicas/robots y el fanservice de pechos y culos que no se a cuento de qué viene. Bueno, si, no son pocos los animes que lo hacen cada vez más hoy día, una lacra.

Desde luego es de agradecer que los dibujos de los personajes intenten parecerse al máximo a los originales, los fondos, los edificios, las patillas imposibles de Kabuto, y también toda la parafernalia de salida del robot de las instalaciones del laboratorio, con la música incluída. Ahora bien, el abuso del CGI se nota, aparte de que las peleas van a una velocidad tremenda, que solo hay hora y media para todo y hay mucho robot que destruir. En fín, una película del montón que solo salvo en parte por la nostalgia de unos personajes que estaban mucho mejor como yo los recordaba.

4/10 - Regular


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Pacific Rim: Insurrección (2018)
Dir. Steven S. DeKnight

Decepcionante segunda entrega que se suma a la también decepcionante primera. En este caso la película roza el género infantil, juvenil precoz para no hacer mucha sangre, con un elenco de imberbes multiraciales salidos de algún canal de la Disney o de alguna de las Spy Kids de Robert Rodríguez. Al grupo de cadetes, que no paran de hablar y hablar para no decir nada, inspirados en El juego de Ender (la película, no la novela, ¡por Dios!), se les unen los restos de la primera entrega y el que sale en Star Wars para montar una historia mil veces vista que no consigue atrapar siquiera un poco. Demasiados personajes, nada de profundización, todo muy blanco, un rollazo considerable.

La otra parte, la de la lucha entre los Jaegers y los Kaiju, pues que es lo mejor, lo que te sujeta al asiento hasta el final el poder ver luchas entre robots y monstruos. En este aspecto es una pelicula de animación por ordenador de primera, pero de estas ya las hay a montones y nada de lo que ves sorprende.

4/10 - Regular



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Rampage (2018)
Dir. Brad Peyton

Una película que da exactamente lo que promete, entretenimiento sin necesidad de tener que pensar en nada. Una película ideal para una noche de calor en un cine de verano, con bocata y cervecita, o, mejor, cervecitas. Si se pretende mirar más allá es que no se ha entendido lo que aquí se ha querido ofrecer.

Originalidad la justa, guion estándar, un héroe, una compañera, un amigo vaquero que va sobrado, villanos de pacotilla, muchos masillas, y tres bicharracos muy bien hechos que lo destronzan todo. Buen ritmo, entretenida sin tener que pedirle nada más.

Pero vamos a ver, ¿tiene pinta Dwayne Johnson de primatólogo?, ¿y qué importa?

Hay diferencias entre estos Blockbusters sin pretensiones, con trilladas historias de serie B, que se terminan y a otra cosa, y aquellos blockbusters seriados e interminables en base a que siempre circulan sobre la misma historia y que, además, van con pretensiones. Al final casi que se valoran igual, no son películas malas porque están muy bien hechas y nada más que el aspecto visual que ofrecen es suficiente, pero en unas al menos los personajes te resultan simpáticos o entretenidos y en otras, la verdad, es que te importa muy poco lo que está ocurriento.

5/10 - Pasable






Nº de películas reseñadas en el blog: 426
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Recuerda, amigo lector, que estas reseñas están basadas única y exclusivamente en mi opinión y gusto personal que puede, o no, coincidir con la del resto de los mortales.  -



jueves, 9 de agosto de 2018

Cine, lo que vamos viendo. Tres reseñas (nº CXIV)

Fecha estelar: - 304395.9
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Películas reseñadas:

- The old dark house (El caserón de las sombras, 1932)
- Salyut-7 (2017)
- The disaster artist (2017)



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The old dark house (1932)
Dir. James Whale

Menos de medio año había transcurrido, desde que James Whale filmara su Frankenstein, para volver al género del terror con The old dark house (El caserón de las sombras). Según los datos que aporta IMDb, Frankenstein se terminó de filmar el 3 de octubre de 1931 mientras que The old dark house empezó la filmación en marzo de 1932. Y entre medias, por diciembre de 1931, también filmó un drama, The Impatient Maiden (El horror al matrimonio).

A pesar de que The old dark house está catalogada como película de terror, entendiendo hoy día que se trata de “película de terror de la Universal”, que no tiene absolutamente nada que ver con lo que se circunscribe al género de terror actual, la película no se acerca realmente a la atmósfera que el mismo director consiguió en Frankenstein e incluso mejoró mucho más en La novia de Frankenstein, películas que están muy por encima de The old dark house. No obstante, sí que hay algunos momentos intrigantes, algunas exploraciones por las escaleras y pasillos. Lo que ocurre es que la película se ventila abruptamente (solo dura 72 minutos) y lo cierto es que todo lo que se consigue en sus primeras dos terceras partes, se cierra luego de una manera, digamos, poco inspirada. El reclamo de Boris Karloff, con letras capitulares en póster y créditos de entrada, te lleva a esperar mucho más de lo que luego se puede ver.

Hoy día el acercamiento a la película, bajo mi punto de vista, no es otro que el interés “completista” de ver otra película más de la filmografía del director, pura curiosidad. Tiene sus cosillas interesantes y todavía resulta entretenida en base a su corta duración. Y algunas curiosidades que tiene.

La primera sorpresa es oír al principio de la película la canción Cantando bajo la lluvia (Singin' in the Rain). Mi ignorancia me llevaba a pensar que el tema había sido compuesto expresamente para la película de Gene Kelly y Stanley Donen cuando en realidad es una canción compuesta en 1929. Claro que todo esto se averigua después. También es la primera película americana de Charles Laughton, camino aquí de los 33 años. Otra curiosidad/coincidencia está en el papel de Philip Waverton, interpretado por Raymond Massey, actor que se puede recordar en Arsénico por compasión de Frank Capra haciendo el papel del Jonathan Brewster. En la película de Capra se tienen muchas coñas con que Brewster se parece mucho a Boris Karloff, y lo cierto es que la caracterización de las cicatrices y el Karloff de The old dark house dan el pego.

Y una última curiosidad. Una de las principales pegas de la película es la actuación de Eva Moore como la hermana Rebecca Femm. Principalmente por su histrionismo y aspavientos muy anclados en el cine mudo, más o menos como Una O'Connor en su papel como sirvienta Minnie en La novia de Frankenstein, que también es lo peor de la película. Pues bien, Eva Moore era, en el momento en que se la ve en la película, la suegra de Lawrence Oliver que estaba casado por entones con su hija Jill Esmond. Curiosidades.

6/10 - Interesante


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Salyut-7 (2017)
Dir. Klim Shipenko

La Salyut-7 fue una estación espacial soviética lanzada al espacio con un cohete Protón en el año 1982. Era la última estación del programa Salyut pues después fue sustituida por la estación espacial Mir. La Salyut-7 podía funcionar en modo automático pues la estación no estaba permanentemente habitada por cosmonautas. En uno de estos periodos sin habitantes, en febrero de 1985, se perdió la comunicación con la estación sin que se conocieran las causas. Se decidió mandar una tripulación para intentar recuperar la estación, esta misión fue la Soyuz T-13 compuesta de dos cosmonautas. La misión fue exitosa y cuenta en su haber ser la primera (y única en la historia) que tuvo que hacer un acoplamiento manual entre la cápsula Soyuz y la estación espacial.

Desde luego, la misión Soyuz T-13 fue una hazaña que se ha ido conociendo bastante después pues en su momento los soviéticos fueron muy herméticos. Una hazaña que merece ser contada, es lo que se supone que se quiere hacer en la película rusa Salyut-7 dirigida por Klim Shipenko, cuando vemos carteles que indican que “está basada en hechos reales”. Lo que ocurre es que, por muy compleja que fuera la operación de salvamento, la realidad fue en este caso mucho más “aburrida”. De hecho, casi nada de lo que se cuenta fue como se cuenta y tantos cambios hay que incluso los apellidos de los cosmonautas se han cambiado, quizás porque los reales que participaron en la misión aún viven. Pero,.. ¿Los cambios han sido para bien? Desde luego que sí, porque si no la película habría sido bastante aburrida y no el “blockbuster ruso” que ha resultado ser. El problema es el dichoso cartel de los hechos reales, que se lo podría haber ahorrado y no pasa nada porque entonces la película pasaría a ser cine de ciencia ficción del bien hecho, con un cuidado importante por recrear las naves y tecnología de la época, también por recrear los movimientos en situaciones de ingravidez, los paseos espaciales y las impresionantes vistas de la Tierra, pero cine de ciencia ficción al fin y al cabo.

En Salyut-7 es como si al Sr. Klim Shipenko le hubieran inyectado una disolución de cine americano “Michael Bay al 50%”. Entonces empieza a magnificar lo poco que hay que verdaderamente ocurrió, como es el hecho de la operación de acople. Y como todo esto parece poco, pues se empieza a inventar averías, incendios, astronauta loco que va por su cuenta, americanos por allí, música estruendosa y más acción al límite del último segundo. Y todo tirando por la vía de la épica. Y el resultado es muy bueno, la película es muy entretenida y visualmente resulta excelente. Pasas un buen rato y no tienes que mirar el reloj para nada, que no es decir poco para el nivel del cine actual, sobre todo en este género de la aventura espacial épico que se prodiga tan poco. Muy fuerte la coña del saludo entre astronautas y cosmonautas, porque debe ser eso, o una coña o que Klim Shipenko se había inyectado una disolución “Armageddon al 80%”.

Una película altamente recomendable, pero eso sí, avisando de qué es lo que se va a ver. Cualquier parecido con la realidad es por mera coincidencia.

7/10 - Buena


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The disaster artist (2017)
Dir.: James Franco

1) No le he visto la gracia por ningún lado.
2) James Franco hace un esfuerzo de imitación, lo justifica con las escenas finales donde compara las dos películas, vale.
3) Hay cameos, al menos distraen. Vale
4) Si no fuera por los puntos 2 y 3 la película sería mala.
5) Del personaje que imita James Franco, que da su beneplácito a todo esto con su aparición en postcréditos, no tenía la más mínima idea de su existencia. Y así quiero seguir.
6) Que está sobrevalorada es decir poco.
7) No me paro a ver The Room ni con una pistola en la nuca.
8) El punto 6 solo se refiere a mi humilde opinión, que luego hay gente que se molesta y más cuando se trata de una peícula que habla sobre otra película que se dice que es mala pero que es película de culto.
9) Flaco favor se le hace al Ed Wood de Tim Burton cuando se compara con esta película. Muy flaco favor.
10) Pero es que es verdad, no le he visto la gracia por ningún sitio.


3/10 - Floja




Nº de películas reseñadas en el blog: 423
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jueves, 2 de agosto de 2018

Cine, lo que vamos viendo. Tres reseñas (nº CXIII)

Fecha estelar:-304415.1
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Películas reseñadas:

- Small town crime (2017)
- Ordinary Person (Botongsaram, 2017)
- Deoking (The King, 2017)

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Small Town Crime (2017)
Dir. Eshom Nelms, Ian Nelms

Un ex policía alcohólico (John Hawkes) encuentra el cuerpo sin vida de una mujer joven y, mediante un acto de auto-redención, se empeña en encontrar al asesino.

Small Town Crime es un thriller, podríamos decir, rural, ambientado en una polvorienta ciudad del interior de Estados Unidos (la película fue rodada en Utah) con muchas reminiscencias a este cíne de género de los años setenta del siglo pasado, lo cual es un gran punto a su favor. El tipo de escenarios, los bares, los coches, la violencia, incluso la música, la película parece una revisitación al buen thriller de hace cuarenta años sin más pretensión de entretener contando una buena historia, de esas que te podrías encontrar en cualquier novela de bolsillo.

Otro punto a favor es que la película va al grano, una historia sencilla y bien contada en menos de hora y media, que no se entretiene en tantas tonterías explicativas como hacen la mayoría de películas hoy día, que se prolongan a las dos horas largas porque no prueban lo que aquí se hace, una buena labor de concisión.

7/10 - Buena


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Botongsaram (Ordinary Person, 2017)
Dir. Kim Bong-Han

Antes de ver la película se debería tener en cuenta que el film no es un thriller de acción que es como viene catalogada en fichas y sinopsis. Incluso lo puede parecer al principio pero no, la labor policial del protagonista no va por el camino de resolver un crimen sino que es más bien una especie de macguffin. Ambientada en el año 1987, en los meses previos a los estallidos de manifestaciones en contra del régimen despótico de Chun Doo-hwan, la trama va por el camino de los dilemas morales a los que se va a enfrentar Sung-Jin cuando el sistema corrupto en el que vive le puede sacar de la pobreza en la que está inmerso con su familia, de la manipulación de los poderosos para conseguir sus fines y de cómo afectan tus acciones a la verdadera amistad de toda la vida. 

La historia en sí es interesante aunque la película tarda mucho en arrancar por el camino que quiere ir. La ambientación y los escenarios parecen bien conseguidos y los elementos históricos insertados aportan verosimilitud. El principal problema de la película es lo errática que resulta al principio y lo increíble que resulta al final por las decisiones que toma el protagonista. Los finales se estiran mucho y se ve demasiado la tendencia hacia el drama forzado con pretensiones. Se le ven las costuras al último cuarto de película.

6/10 - Interesante


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Deoking (The King, 2017)
Dir. Han Jae-rim

Película sobre el ascenso y caída de un fiscal que se involucra en el crimen organizado y en la política contada como si de una película de Scorsese se tratara en su versión Lobo de Wall Street/Casino/Uno de los nuestros. Todo transcurre en más de veinte años y gran parte de la película se cuenta por la voz en off del protagonista, que es lo que corresponde a la copia que se hace del estilo Scorsese.

Bien filmada, no se puede negar, buena banda sonora para muchos momentos, actores implicados, historia medianamente interesante y película demasiado larga y con el tiempo mal distribuido. La película no está mal al principio pero luego se extiende demasiado en lo mismo dejando muy poco tiempo para su última parte que es, con diferencia lo peor del film. Un final precipitado e inesperado pues no se complementa con la película que se ha estado viendo hasta ese momento, un parche. 

Pasable, sin más.

5/10 - Pasable




Nº de películas reseñadas en el blog: 420
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jueves, 26 de julio de 2018

Cine, lo que vamos viendo. Tres reseñas (nº CXII)

Fecha estelar:-304434.3
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Películas reseñadas:

- Ready Player One (2018)
- Todo el dinero del mundo (2017)
- Gi-eok-ui Bam (Forgotten, 2017)


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Ready Player One (2018)
Dir. Steven Spielberg

Avalon es un juego de guerra de realidad virtual, jugado en red por múltiples usuarios simultáneamente. El juego es ilegal, pero muy popular, e incluso existen jugadores profesionales que cambian parte de los puntos obtenidos por dinero en efectivo. Sin embargo, el juego entraña sus riesgos; existe la posibilidad de quedarse enganchado, la mente de algunos usuarios se queda sumida en el juego y no regresa a la realidad. Para ellos existen hospitales donde atienden sus cuerpos catatónicos. Paralelamente, la realidad al margen del juego nos presenta una sociedad deteriorada, con escasas comodidades, calles oscuras, sucias, empedradas, tranvías eléctricos, apartamentos cochambrosos y pobreza. Las grandes tecnologías no existen o han desaparecido, con la salvedad de los terminales de realidad virtual que permiten engancharse a Avalon. Cuando el joven Ash, uno de los mejores jugadores, descubre la existencia de un nivel más avanzado del juego en algún lugar, decide abandonar su camino para unirse a un grupo de exploradores. Juntos intentarán encontrar la puerta de entrada a tan macabra realidad virtual. Sin embargo, una vez dentro, no podrán volver atrás…

Esta es una sinopsis de la película Avalon (2001) de Mamoru Oshii. No hay que cambiar mucho para que tengamos la sinopsis de “Ready Player One” de Steven Spielberg. Una idea nada original aunque las películas son muy diferentes. La película de Mamoru Oshii es una ida de olla bastante importante, lenta, filosófica, que o te gusta mucho o la odias. A mí me pareció mala. La película de Spielberg usa la misma idea pero es otra cosa, puro entretenimiento de masas para una película tipo “yincana” de guion plano, profundidad nula y personajes (otra vez la ONU) que parecen salidos de una serie del Disney Channel. Bastante decepcionante, la verdad.

No se puede decir que sea una película mala porque la inversión ha sido importante y la calidad del producto es innegable. Pero es una es una película saturada de referencias, el 90% de menos de dos segundos de duración que no tienen más función que distraer mientras que la insulsa historia y los insulsos personajes avanzan. O a sabiendas de ello. Supongo que el sentido que tiene llenar cada fotograma de cientos de elementos es el de pasar la película veces y varias veces para reconocer todo lo que se ve y se escucha, pero esa es una tarea que, en mi caso, no va a ocurrir. Está bien reconocer el Batmóvil de la serie sesentera, o ver la moto de Akira, o escuchar las notas musicales del Godzilla original mientras aparece el MegaGodzilla a dar yesca, etc., etc., etc., pero si todo lo bueno de la película se reduce a esto, pues como que el resultado es bastante vacío.

Repasando la filmografía de Spielberg, director con cuyas películas uno ha crecido y vivido, Ready Player One es una de las peores. En mi opinión, claro.

4/10 - Regular


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Todo el dinero del mundo (2017)
Dir. Ridley Scott

El aspecto visual de las películas de Ridley Scott es siempre, siempre, impecable. Casi todas sus películas están bien filmadas y mejor montadas, por tanto, bien contadas. El director, con ochenta años, ha dirigido en el año 2017 dos películas de presupuesto elevado y producción complicada lo cual puede dar a entender que tira de oficio y que el equipo que le rodea conoce muy bien lo que tiene que hacer.

Otro asunto es si el resultado final es una película para recordar, para tener en cuenta dentro de la filmografía del director o del cine en general. Y la verdad es que no es el caso. A pesar de sus virtudes, de la interpretación de Christopher Plummer, del impecable diseño de producción que recrea los años setenta, a pesar de que la película no aburre cuando tiene una larga duración, a pesar de estas virtudes, la película me resulta bastante fría en lo que está contando, muy aséptica.

Desde luego la película se sostiene por la parte de Christopher Plummer, porque la parte del secuestro por la mafia calabresa es bastante peor por lo poco interesante que ofrece y por la insulsez del joven actor secuestrado. La otra parte de la historia, la lucha de la madre por conseguir el rescate de su hijo, pues bien. Michelle Williams y Mark Wahlberg están muy correctos aunque el personaje de Wahlberg parece bastante de adorno. Pero lo cierto es que el interés está en el magnate John Paul Getty, que de por sí, hubiera merecido la película completa.

Por otra parte, y a partir de aquí hay SPOILER sobre los hechos reales y cómo se presentan en la película, cuando una película empieza avisando que está basada en hechos reales y termina diciendo que algunas cosas se han cambiado por cuestiones narrativas, ya te puedes poner a temblar de que algo o mucho de lo que te han contado no es cierto. En el caso de "Todo el dinero del mundo" lo peor que se le pude pedir a la película es que invente demasiado en aras de dejar un final feliz, una especie de justicia divina que tiene que hacer que las penurias de la madre se vean finalmente "compensadas" con un final como el que se da aquí. Investigando a posteriori se descubre que la vida de John Paul Getty da para película propia y que el hombre era un tacaño de cuidado, entre otras muchas cosas, pero lo cierto es que la fortuna que dejó es mucho más compleja de lo que aquí se muestra, aparte de que murió tres años después de que finalizara el secuestro.

¿Qué pretende Ridley Scott con este final? ¿Justicia poética? Manipulación me parece más bien. Eso sí, todo por dejar la película mejor acabada para el espectador, tal como dicen los letreros finales. Y es que, muchas veces, los resultados de la vida real no son cinematográficos.

6/10 - Interesante


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Gi-eok-ui Bam (Forgotten, 2017)
Dir. Jang Hang-jun

Es complicado encontrar hoy día algún thriller plenamente original, como si todo estuviera ya contado antes de manera que, mientras la nueva película va avanzando, sea irremediable ir recordando otras películas anteriores que se ven reflejadas de una manera u otra. En Forgotten, desde luego, esto ocurre pues hay unos cuantos títulos recientes (y otros no tan recientes, si nos da por profundizar) que utilizan las mismas ideas y planteamientos. La incertidumbre está, al haber mezcolanza, en ver por dónde va a tirar la historia y si consigue captar la atención. En cualquier caso, para disfrutar bien del film y al menos entretenerte un buen rato, que es lo que consigue Forgotten, es muy conveniente no saber nada de la película más allá de una escueta sinopsis. Y también entrar con amplitud de miras, no ir buscando fallos que para eso hay tiempo después. 

El problema que hace de Forgotten un producto entretenido e interesante, pero poco más, es que tiene demasiados giros, más bien demasiadas idas y venidas sobre todo a partir de la primera hora. Es como si hubiera dos películas donde la segunda parte es bastante diferente y menos interesante que la primera. Quizás el director es consciente de que el espectador puede sospechar por dónde va a tirar el gran giro que tiene la película, por semejanza con otras historias, y decide no alargar más, no hacer un film dedicado solamente a esa parte de la historia. Aunque, por otra parte, también es habitual en el thriller coreano el ser demasiado rebuscado a la hora de cerrar las historias.

6/10 - Interesante





Nº de películas reseñadas en el blog: 417
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jueves, 19 de julio de 2018

Cine, lo que vamos viendo. Tres reseñas (nº CXI)

Fecha estelar:-304453.6
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Películas reseñadas:

- Meari to majo no hana (Mary y la flor de la bruja, 2017)
- Una vida a lo grande (Downsizing, 2017)
- Godzilla contra King Ghidorah (Gojira vs. Kingu Gidorâ, 1991)



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Meari to majo no hana (Mary y la flor de la bruja, 2017)
Dir.: Hiromasa Yonebayashi

“Meari to majo no hana” (Mary y la flor de la bruja, 2017) es el tercer largometraje de Hiromasa Yonebayashi, un director que, hasta su anterior trabajo, “Omoide no Mânî” (El recuerdo de Marnie, 2014), aparecía relacionado con el estudio Ghibli. Es en este estudio donde debuta como director con la notable “Karigurashi no Arietti” (Arrieti y el mundo de los diminutos, 2010), habiendo trabajado anteriormente como “Key Animator” (es decir, asumiendo responsabilidad en la animación de las escenas en las que interviene) en algunas de las principales películas del estudio, empezando con Mononoke Hime en 1997.

El 3 de agosto de 2014, Toshio Suzuki, productor y uno de los fundadores del estudio Ghibli, anunció que pausaban la producción de largometrajes ante la necesidad de reestructuración del estudio. El resultado, hasta ahora, es que el último largometraje realizado en Ghibli es, precisamente, “El recuerdo de Marnie”. En el año 2015 el productor jefe del estudio Ghibli, Yoshiaki Nishimura y otros miembros del estudio, entre ellos Yonebayashi, fundan el estudio Ponoc, del que “Mary y la flor de la bruja” es el primer largometraje. Parece que la silueta de la protagonista, Mary, formará parte del logotipo del estudio, con un estilo similar al Totoro de Ghibli. Es también, quizás, una declaración de intenciones, de dejar claro que la esencia de las películas del estudio Ghibli, películas de las que ellos han formado parte, va a continuar de un modo u otro. Desde luego así me lo parece una vez vista y disfrutada “Mary y la flor de la bruja”.

Mientras vas contemplando la película de Hiromasa Yonebayashi es imposible no estar continuamente recordando escenas de muchas películas Ghibli. Aquí hay mucho, muchísimo de “El viaje de Chihiro”, pero aún lo hay más de “El castillo ambulante”. Visualmente son las referencias principales pero no las únicas porque también tenemos las islas volantes de “El castillo en el cielo”, los bosques de “La princesa Mononoke”, las peripecias de “Nicky, la aprendiz de bruja”, o, si me apuran, las rebeldías capilares de Fujimoto en “Ponyo en el acantilado”. Todas estas influencias no hacen sino favorecer una película que, visualmente, resulta ser una joya. No hay nada que se pueda reprochar, desde la animación perfecta a la exquisitez de los fondos de interiores o a los paisajes rurales, desde la magnificencia del bosque al detallismo de los rincones y la simpleza de la valla en la vereda como “puerta” de entrada al mundo mágico. Siempre hay una puerta. Un dibujo extremadamente cuidado y esmerado que es marca de la nueva casa y fruto de la experiencia de años de trabajo.

Adolece la película, no obstante, de cierta profundidad en la historia, bastante más sencilla (infantil no es la palabra) y predecible. Se echa de menos la superación, el viaje introspectivo de la protagonista, conocer sus miedos o preocupaciones. No parece que existan conflictos internos en Mary, o no se ha querido complicar la historia con ellos. Y no puede ser el motivo la falta de capacidad para hacerlo, porque en este sentido su película anterior, “El recuerdo de Marnie”, sí que lo hace, lo consigue y el resultado es, en mi opinión, bastante superior. En cualquier caso, “Mary y la flor de la bruja” resulta ser una película muy, muy, recomendable.

Un par de curiosidades/datos para terminar:
La actriz que da voz (seiyū) a Mary es Hana Sugisaki, que también interpreta, por si alguien quiere ponerle cara, a Rin Asano en la adaptación de Takashi Miike de “La espada del inmortal”. Anteriormente Hana Sugisaki ya había sido la seiyū del personaje de Sayaka en “El recuerdo de Marnie”
Por su parte la voz de Peter es de Ryûnosuke Kamiki, que también aparece en la última de Miike, “JoJo’s Bizarre Adventure”, película a la que no pienso ni acercarme. Mejor recordar a Ryûnosuke Kamiki por ser la voz de Taki en “Your Name”, de Makoto Shinkai.

7/10 - Buena




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Una vida a lo grande (Downsizing, 2017)
Dir. Alexander Payne

Una película demasiado errática y totalmente engañosa si uno se guía por lo que muestra el título en castellano o lo por que se ve en los trailers. Que, por cierto, muestran imágenes que no aparecen en la película, precisamente imágenes que ayudan al despiste.

El principal problema es que la película se toma demasiado tiempo en llevarte a la parte más interesante. Tanto como que tiene que transcurrir más de media película. Demasiado lenta para lo que está contanto. Da la sensación que con media hora menos de esta parte el asunto podría haber ido mucho mejor, pero es precisamente la parte que se vende en las promociones y, quizás, el camino que toma la historia no ha sido del agrado general. La película ha sido un fracaso ya que, hasta ahora, ni siquiera ha cubierto los costes de producción.

A pesar del aburrimiento general del principio, algo hay que se pude salvar. Véase todo el proceso de miniautización que sufre Matt Damon y los demás aspirantes, la forma en que ve todo esto es brillante. Y tiene su aquél si tenemos en cuenta dónde trabaja el protagonista. No diré más, aunque tampoco es que haya mucho más. Incluso hubo un momento en que pensé en cortar la película para terminar de verla en otro momento, pero, es aparecer Hong Chau en escena y la película cambia radicalmente, se me hace mucho más interesante. Y no solo por el giro de la historia, también porque la actriz es, con diferencia, lo mejor de la película.

6/10 - Interesante


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Godzilla contra King Ghidorah (1991)
Dir. Kazuki Omori

Dos años después de que Omori dirigiera el enfrentamiento de Godzilla contra Biollante, retoma la franquicia para enfrentarlo contra King Ghidorah en plena etapa Heisei, donde Godzilla no para de destruir el Japón y se enfrenta a diferentes monstruos.

Por mucho cariño que se le tenga al monstruo, a la idea del mismo, uno no se puede engañar a sí mismo y pensar que estas películas son buenas, que no lo son y están bastante lejos de serlo. Sin embargo, pues que no se pueden dejar de ver, son películas malas que gustan. Es así. Y el poster es, con diferencia, lo mejor.

Estableciendo una especie de baremo con las dos películas de Omori, Godzilla contra Biollante (1989) es bastante mala, peor que Godzilla contra King Ghidorah. El motivo: la ida de olla que es la historia que se monta aquí, que incluye viajes en el tiempo. Cualquier película con viajes temporales entretiene, en cierto modo. En este caso se trata de contar el origen de Godzilla, y de cambiarlo, que para eso se viaja en el tiempo, desde el siglo XXIII hasta 1992, luego hasta el final de la segunda guerra mundial.  Pero luego la cosa no se da bien y hay que ir al futuro de nuevo, primero a 1992, luego, otra vez al siglo XXIII y vuelta al 1992 para montar un King Ghidorah-Mecha,.... No me dirán que no pasan cosas. Pues hay más, una especie de terminator que es fiel servidor insertándole el CD-Rom correspondiente en la memoria y que, si no te da vergüenza ajena verlo correr, ya puedes decir que la película te está entreteniendo. Eso sí, hay tres bichos-mascotas en la nave que viene del futuro que son insalvables bajo cualquier punto de vista.

Interpretaciones, siendo benévolo, muy justitas, mucho corchopan, Godzilla a su ritmo, maquetas, efectos especiales petarderos, .... así son muchas películas de Godzilla, son malas, pero molan.

Mención especial merece la música de Akira Ifukube. Es el autor de la mítica y reconocible música del Godzilla de 1954 y aquí la utiliza en momentos clave. 

3/10 - Floja






Nº de películas reseñadas en el blog: 414
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jueves, 12 de julio de 2018

Cine, lo que vamos viendo. Tres reseñas (nº CX)

Fecha estelar: -304472.7
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Películas reseñadas:

- Psychokinesis (2018)
- Close Knit (2017)
- Brawl in cell block 99 (2017)


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Psychokinesis (Yeom-lyeok, 2018)
Dir. Yeon Sang-ho

Parece que Yeon Sang-ho se está mudando de la realización de películas de animación a la dirección de proyectos con actores reales. Y con buen presupuesto dada la calidad del acabado. También es cierto que en la transición de las películas animadas a las de actores reales, el director también abandona la truculencia y la fuerza de las historias que quiere contar para pasarse, aparentemente, al género fantástico. Y digo que aparentemente porque el director de Train to Busan (2016) nos cuenta en esta Psychokinesis más de lo que puede parecer. 

La historia básica que se cuenta en Psychokinesis, quitanto el elemento fantástico, no es nada original y la verdad es que transcurre por caminos más o menos esperados. Ni siquiera el elemento fantástico, el motivo de los superpoderes del protagonista, es importante. Al principio recuerda un mucho a la interesante película de Johs Trank, Chronicle (2012), incluyendo el tipo de poderes y la forma de adquirirlos. Pero aquí los poderes se le otorgan a un "desdichado" de la vida que abandonó a su familia en el pasado (todavía estoy preguntándome si el actor lo hace bien o no). Tanto en Train to Busan como en Psychokinesis la restauración del afecto paterno-filial es tema central de la historia y básicamente es lo que Yeon San-ho quiere contar. Eso sí, el adornado no puede ser mejor en los dos casos si eres fan del fantástico: por un lado zombies y por otro un superhéroe. El resultado fue mejor con los zombies, aunque en Psychokinesis no deja de ser interesante.

La película está muy bien hecha y es entretenida, tiene mucha comedia, alguna con gracia y otra no tanta. También, dejando de nuevo la componente fantástica a un lado, plantea situaciones verosímiles y otras no tanto. Y unos malos mafiosillos de lo más arquetípico, exceptuando, eso sí, a la ejecutiva principal, que tiene lo suyo. Y entre medias, Yeon Sang-Ho lanza sus cargas de profundidad, no solo la crítica social sino el papel de cada uno en la sociedad y el sometimiento al mismo. Pero también se preocupa por la redención del protagonista, que es el tema principal. Y también tira alguna pulla al superhéroe americano, como queriendo distanciarse.

En definitiva, una película entretenida que podría haber sido más si no fuera por la falta de originalidad de la historia que se cuenta, aunque sea con un super-psicoquinético de por medio.

6/10 - Interesante




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Close-Knit (2017)
Dir.: Naoko Ogigami

La directora japonesa Naoko Ogigami escribe y dirige esta película sobre la transexualidad, la desestructuración familiar, la adaptación, y el sentimiento de maternidad. Una situación nada convenciona que, como las que gustan en las películas familiares de Koreeda, es llevada aquí con bastante naturalidad, huyendo del dramón sensacionalista pero rozando en algún momento los caminos azucarados.

"La madre de Tomo, una niña de once años, deja su hogar por un tiempo indefinido. Tomo, acostumbrada a los abandonos temporales de su madre, acude a casa de su tío Makio. Allí descubre que vive con Rinko, su actual novia, que es una mujer transexual. Rinko trabaja como enfermera cuidadora y, entre otros pacientes, cuida de la madre de Makio y abuela de Tomo, que sufre de demencia. La situación confunde a Tomo pero, pese a ello, los tres empiezan una vida doméstica juntos".

La película no está mal y casi no se hace pesada en sus más de dos horas. Presenta aigunas situaciones demasiado forzadas que resuelve bastante bien aunque la trama del amigo escolar de la protagonista, su propia y ¡oh casualidad! circunstancia, casi que sobra. También la historia se presta a la aparición de algún personaje arquetípico (la madre del niño/amigo escolar) aunque bien llevado en general porque el tono de lo que se está contando huye, como he mencionado, del aspaviento y la falta de educación.

El personaje de la niña de 11 años, Tomo, interpretado por Rin Kakihara, es todo un hallazgo. No es fácil para una película donde casi todo se presenta bajo el punto de vista deTomo, y la niña lo hace realmente bien. Por el lado opuesto, en mi opinión, está el papel de la "madre" transexual, Rinko, interpretada por Tôma Ikuta, un actor y cantante cuya actuación me parece muy forzada y poco natural, se nota demasiado que está actuando. En cualquier caso, la película avanza por caminos más o menos esperados, se sabe perfectamente por dónde va a tirar al final cuando Tomo se verá forzada a tomar una decisión. Es muy habitual en estas películas, sobre todo japonesas, no dejar un final cerrado. Lo importante ha sido el viaje para llegar hasta el final.

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Aunque la película más o menos tiene siempre un tono serio, no me resisto a mencionar cierta escena de un montón de "labores de lana" volando en cámara lenta. Los japoneses, sus pervesiones y su influencia en el mundo occidental: por un momento me parecía que había vuelto a algún episodio de Chicho Terremoto. Pero eso son paranoias mias, cosas que solo me pasan a mí.


6/10 - Interesante



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Brawl in cell block 99 (2017)
Dir. S. Craig Zahler

Segunda película de S. Craig Zahler después de que en el 2015 sorprendiera, para bien o para mal, con Bone Tomahawk. En mi caso, fue para bien. Y con esta pelea en el bloque de celdas 99, para mucho mejor.

Jugaba Bone Tomahawk con la mezcla de géneros, con la sorpresa y giro a mitad de camino. No es el caso de Brawl in cell block 99 porque ya desde el título y el póster te están diciendo hacia dónde va la historia. Otra cosa es el cómo se presenta, desde el hilvanado de lo que se cuenta hasta la visualización de lo que se cuenta. Mejor acabado tiene este guion al de Bone Tomahawk y por eso la película me parece bastante superior. La película se toma su tiempo para llevarnos hasta el final, lo cual no quiere decir que se haga lenta, se desvíe por caminos secundarios que poco importen o que aburra. Hay una cierta intranquilidad ya desde la primera escena y la culpa la tiene Vince Vaughn, que tuerce muy poco el gesto y hace un papelón importante. Sin olvidar tampoco a Udo Kier y Don Johnson, actores que están muy bien en sus más que interesantes personajes, aunque en el caso de Doh Johnson esté bastante desaprovechado.

Lo que sí que ya queda claro es que Zahler es un director que filma la violencia con una fuerza y una truculencia que no te deja nada indiferente. Roza el gore y puede ser excesivo, es cierto, como también lo es que hay pocas películas que muestran la violencia como aquí se hace, que hay momentos que por exagerados que parezcan, casi te hacen apartar la vista.

Acción, violencia y una buena historia. Una película notable.
8/10 - Notable







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Recuerda, amigo lector, que estas reseñas están basadas única y exclusivamente en mi opinión y gusto personal que puede, o no, coincidir con la del resto de los mortales.  -