jueves, 19 de julio de 2018

Cine, lo que vamos viendo. Tres reseñas (nº CXI)

Fecha estelar:-304453.6
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Películas reseñadas:

- Meari to majo no hana (Mary y la flor de la bruja, 2017)
- Una vida a lo grande (Downsizing, 2017)
- Godzilla contra King Ghidorah (Gojira vs. Kingu Gidorâ, 1991)



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Meari to majo no hana (Mary y la flor de la bruja, 2017)
Dir.: Hiromasa Yonebayashi

“Meari to majo no hana” (Mary y la flor de la bruja, 2017) es el tercer largometraje de Hiromasa Yonebayashi, un director que, hasta su anterior trabajo, “Omoide no Mânî” (El recuerdo de Marnie, 2014), aparecía relacionado con el estudio Ghibli. Es en este estudio donde debuta como director con la notable “Karigurashi no Arietti” (Arrieti y el mundo de los diminutos, 2010), habiendo trabajado anteriormente como “Key Animator” (es decir, asumiendo responsabilidad en la animación de las escenas en las que interviene) en algunas de las principales películas del estudio, empezando con Mononoke Hime en 1997.

El 3 de agosto de 2014, Toshio Suzuki, productor y uno de los fundadores del estudio Ghibli, anunció que pausaban la producción de largometrajes ante la necesidad de reestructuración del estudio. El resultado, hasta ahora, es que el último largometraje realizado en Ghibli es, precisamente, “El recuerdo de Marnie”. En el año 2015 el productor jefe del estudio Ghibli, Yoshiaki Nishimura y otros miembros del estudio, entre ellos Yonebayashi, fundan el estudio Ponoc, del que “Mary y la flor de la bruja” es el primer largometraje. Parece que la silueta de la protagonista, Mary, formará parte del logotipo del estudio, con un estilo similar al Totoro de Ghibli. Es también, quizás, una declaración de intenciones, de dejar claro que la esencia de las películas del estudio Ghibli, películas de las que ellos han formado parte, va a continuar de un modo u otro. Desde luego así me lo parece una vez vista y disfrutada “Mary y la flor de la bruja”.

Mientras vas contemplando la película de Hiromasa Yonebayashi es imposible no estar continuamente recordando escenas de muchas películas Ghibli. Aquí hay mucho, muchísimo de “El viaje de Chihiro”, pero aún lo hay más de “El castillo ambulante”. Visualmente son las referencias principales pero no las únicas porque también tenemos las islas volantes de “El castillo en el cielo”, los bosques de “La princesa Mononoke”, las peripecias de “Nicky, la aprendiz de bruja”, o, si me apuran, las rebeldías capilares de Fujimoto en “Ponyo en el acantilado”. Todas estas influencias no hacen sino favorecer una película que, visualmente, resulta ser una joya. No hay nada que se pueda reprochar, desde la animación perfecta a la exquisitez de los fondos de interiores o a los paisajes rurales, desde la magnificencia del bosque al detallismo de los rincones y la simpleza de la valla en la vereda como “puerta” de entrada al mundo mágico. Siempre hay una puerta. Un dibujo extremadamente cuidado y esmerado que es marca de la nueva casa y fruto de la experiencia de años de trabajo.

Adolece la película, no obstante, de cierta profundidad en la historia, bastante más sencilla (infantil no es la palabra) y predecible. Se echa de menos la superación, el viaje introspectivo de la protagonista, conocer sus miedos o preocupaciones. No parece que existan conflictos internos en Mary, o no se ha querido complicar la historia con ellos. Y no puede ser el motivo la falta de capacidad para hacerlo, porque en este sentido su película anterior, “El recuerdo de Marnie”, sí que lo hace, lo consigue y el resultado es, en mi opinión, bastante superior. En cualquier caso, “Mary y la flor de la bruja” resulta ser una película muy, muy, recomendable.

Un par de curiosidades/datos para terminar:
La actriz que da voz (seiyū) a Mary es Hana Sugisaki, que también interpreta, por si alguien quiere ponerle cara, a Rin Asano en la adaptación de Takashi Miike de “La espada del inmortal”. Anteriormente Hana Sugisaki ya había sido la seiyū del personaje de Sayaka en “El recuerdo de Marnie”
Por su parte la voz de Peter es de Ryûnosuke Kamiki, que también aparece en la última de Miike, “JoJo’s Bizarre Adventure”, película a la que no pienso ni acercarme. Mejor recordar a Ryûnosuke Kamiki por ser la voz de Taki en “Your Name”, de Makoto Shinkai.

7/10 - Buena




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Una vida a lo grande (Downsizing, 2017)
Dir. Alexander Payne

Una película demasiado errática y totalmente engañosa si uno se guía por lo que muestra el título en castellano o lo por que se ve en los trailers. Que, por cierto, muestran imágenes que no aparecen en la película, precisamente imágenes que ayudan al despiste.

El principal problema es que la película se toma demasiado tiempo en llevarte a la parte más interesante. Tanto como que tiene que transcurrir más de media película. Demasiado lenta para lo que está contanto. Da la sensación que con media hora menos de esta parte el asunto podría haber ido mucho mejor, pero es precisamente la parte que se vende en las promociones y, quizás, el camino que toma la historia no ha sido del agrado general. La película ha sido un fracaso ya que, hasta ahora, ni siquiera ha cubierto los costes de producción.

A pesar del aburrimiento general del principio, algo hay que se pude salvar. Véase todo el proceso de miniautización que sufre Matt Damon y los demás aspirantes, la forma en que ve todo esto es brillante. Y tiene su aquél si tenemos en cuenta dónde trabaja el protagonista. No diré más, aunque tampoco es que haya mucho más. Incluso hubo un momento en que pensé en cortar la película para terminar de verla en otro momento, pero, es aparecer Hong Chau en escena y la película cambia radicalmente, se me hace mucho más interesante. Y no solo por el giro de la historia, también porque la actriz es, con diferencia, lo mejor de la película.

6/10 - Interesante


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Godzilla contra King Ghidorah (1991)
Dir. Kazuki Omori

Dos años después de que Omori dirigiera el enfrentamiento de Godzilla contra Biollante, retoma la franquicia para enfrentarlo contra King Ghidorah en plena etapa Heisei, donde Godzilla no para de destruir el Japón y se enfrenta a diferentes monstruos.

Por mucho cariño que se le tenga al monstruo, a la idea del mismo, uno no se puede engañar a sí mismo y pensar que estas películas son buenas, que no lo son y están bastante lejos de serlo. Sin embargo, pues que no se pueden dejar de ver, son películas malas que gustan. Es así. Y el poster es, con diferencia, lo mejor.

Estableciendo una especie de baremo con las dos películas de Omori, Godzilla contra Biollante (1989) es bastante mala, peor que Godzilla contra King Ghidorah. El motivo: la ida de olla que es la historia que se monta aquí, que incluye viajes en el tiempo. Cualquier película con viajes temporales entretiene, en cierto modo. En este caso se trata de contar el origen de Godzilla, y de cambiarlo, que para eso se viaja en el tiempo, desde el siglo XXIII hasta 1992, luego hasta el final de la segunda guerra mundial.  Pero luego la cosa no se da bien y hay que ir al futuro de nuevo, primero a 1992, luego, otra vez al siglo XXIII y vuelta al 1992 para montar un King Ghidorah-Mecha,.... No me dirán que no pasan cosas. Pues hay más, una especie de terminator que es fiel servidor insertándole el CD-Rom correspondiente en la memoria y que, si no te da vergüenza ajena verlo correr, ya puedes decir que la película te está entreteniendo. Eso sí, hay tres bichos-mascotas en la nave que viene del futuro que son insalvables bajo cualquier punto de vista.

Interpretaciones, siendo benévolo, muy justitas, mucho corchopan, Godzilla a su ritmo, maquetas, efectos especiales petarderos, .... así son muchas películas de Godzilla, son malas, pero molan.

Mención especial merece la música de Akira Ifukube. Es el autor de la mítica y reconocible música del Godzilla de 1954 y aquí la utiliza en momentos clave. 

3/10 - Floja






Nº de películas reseñadas en el blog: 414
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Recuerda, amigo lector, que estas reseñas están basadas única y exclusivamente en mi opinión y gusto personal que puede, o no, coincidir con la del resto de los mortales.  -



jueves, 12 de julio de 2018

Cine, lo que vamos viendo. Tres reseñas (nº CX)

Fecha estelar: -304472.7
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Películas reseñadas:

- Psychokinesis (2018)
- Close Knit (2017)
- Brawl in cell block 99 (2017)


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Psychokinesis (Yeom-lyeok, 2018)
Dir. Yeon Sang-ho

Parece que Yeon Sang-ho se está mudando de la realización de películas de animación a la dirección de proyectos con actores reales. Y con buen presupuesto dada la calidad del acabado. También es cierto que en la transición de las películas animadas a las de actores reales, el director también abandona la truculencia y la fuerza de las historias que quiere contar para pasarse, aparentemente, al género fantástico. Y digo que aparentemente porque el director de Train to Busan (2016) nos cuenta en esta Psychokinesis más de lo que puede parecer. 

La historia básica que se cuenta en Psychokinesis, quitanto el elemento fantástico, no es nada original y la verdad es que transcurre por caminos más o menos esperados. Ni siquiera el elemento fantástico, el motivo de los superpoderes del protagonista, es importante. Al principio recuerda un mucho a la interesante película de Johs Trank, Chronicle (2012), incluyendo el tipo de poderes y la forma de adquirirlos. Pero aquí los poderes se le otorgan a un "desdichado" de la vida que abandonó a su familia en el pasado (todavía estoy preguntándome si el actor lo hace bien o no). Tanto en Train to Busan como en Psychokinesis la restauración del afecto paterno-filial es tema central de la historia y básicamente es lo que Yeon San-ho quiere contar. Eso sí, el adornado no puede ser mejor en los dos casos si eres fan del fantástico: por un lado zombies y por otro un superhéroe. El resultado fue mejor con los zombies, aunque en Psychokinesis no deja de ser interesante.

La película está muy bien hecha y es entretenida, tiene mucha comedia, alguna con gracia y otra no tanta. También, dejando de nuevo la componente fantástica a un lado, plantea situaciones verosímiles y otras no tanto. Y unos malos mafiosillos de lo más arquetípico, exceptuando, eso sí, a la ejecutiva principal, que tiene lo suyo. Y entre medias, Yeon Sang-Ho lanza sus cargas de profundidad, no solo la crítica social sino el papel de cada uno en la sociedad y el sometimiento al mismo. Pero también se preocupa por la redención del protagonista, que es el tema principal. Y también tira alguna pulla al superhéroe americano, como queriendo distanciarse.

En definitiva, una película entretenida que podría haber sido más si no fuera por la falta de originalidad de la historia que se cuenta, aunque sea con un super-psicoquinético de por medio.

6/10 - Interesante




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Close-Knit (2017)
Dir.: Naoko Ogigami

La directora japonesa Naoko Ogigami escribe y dirige esta película sobre la transexualidad, la desestructuración familiar, la adaptación, y el sentimiento de maternidad. Una situación nada convenciona que, como las que gustan en las películas familiares de Koreeda, es llevada aquí con bastante naturalidad, huyendo del dramón sensacionalista pero rozando en algún momento los caminos azucarados.

"La madre de Tomo, una niña de once años, deja su hogar por un tiempo indefinido. Tomo, acostumbrada a los abandonos temporales de su madre, acude a casa de su tío Makio. Allí descubre que vive con Rinko, su actual novia, que es una mujer transexual. Rinko trabaja como enfermera cuidadora y, entre otros pacientes, cuida de la madre de Makio y abuela de Tomo, que sufre de demencia. La situación confunde a Tomo pero, pese a ello, los tres empiezan una vida doméstica juntos".

La película no está mal y casi no se hace pesada en sus más de dos horas. Presenta aigunas situaciones demasiado forzadas que resuelve bastante bien aunque la trama del amigo escolar de la protagonista, su propia y ¡oh casualidad! circunstancia, casi que sobra. También la historia se presta a la aparición de algún personaje arquetípico (la madre del niño/amigo escolar) aunque bien llevado en general porque el tono de lo que se está contando huye, como he mencionado, del aspaviento y la falta de educación.

El personaje de la niña de 11 años, Tomo, interpretado por Rin Kakihara, es todo un hallazgo. No es fácil para una película donde casi todo se presenta bajo el punto de vista deTomo, y la niña lo hace realmente bien. Por el lado opuesto, en mi opinión, está el papel de la "madre" transexual, Rinko, interpretada por Tôma Ikuta, un actor y cantante cuya actuación me parece muy forzada y poco natural, se nota demasiado que está actuando. En cualquier caso, la película avanza por caminos más o menos esperados, se sabe perfectamente por dónde va a tirar al final cuando Tomo se verá forzada a tomar una decisión. Es muy habitual en estas películas, sobre todo japonesas, no dejar un final cerrado. Lo importante ha sido el viaje para llegar hasta el final.

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Aunque la película más o menos tiene siempre un tono serio, no me resisto a mencionar cierta escena de un montón de "labores de lana" volando en cámara lenta. Los japoneses, sus pervesiones y su influencia en el mundo occidental: por un momento me parecía que había vuelto a algún episodio de Chicho Terremoto. Pero eso son paranoias mias, cosas que solo me pasan a mí.


6/10 - Interesante



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Brawl in cell block 99 (2017)
Dir. S. Craig Zahler

Segunda película de S. Craig Zahler después de que en el 2015 sorprendiera, para bien o para mal, con Bone Tomahawk. En mi caso, fue para bien. Y con esta pelea en el bloque de celdas 99, para mucho mejor.

Jugaba Bone Tomahawk con la mezcla de géneros, con la sorpresa y giro a mitad de camino. No es el caso de Brawl in cell block 99 porque ya desde el título y el póster te están diciendo hacia dónde va la historia. Otra cosa es el cómo se presenta, desde el hilvanado de lo que se cuenta hasta la visualización de lo que se cuenta. Mejor acabado tiene este guion al de Bone Tomahawk y por eso la película me parece bastante superior. La película se toma su tiempo para llevarnos hasta el final, lo cual no quiere decir que se haga lenta, se desvíe por caminos secundarios que poco importen o que aburra. Hay una cierta intranquilidad ya desde la primera escena y la culpa la tiene Vince Vaughn, que tuerce muy poco el gesto y hace un papelón importante. Sin olvidar tampoco a Udo Kier y Don Johnson, actores que están muy bien en sus más que interesantes personajes, aunque en el caso de Doh Johnson esté bastante desaprovechado.

Lo que sí que ya queda claro es que Zahler es un director que filma la violencia con una fuerza y una truculencia que no te deja nada indiferente. Roza el gore y puede ser excesivo, es cierto, como también lo es que hay pocas películas que muestran la violencia como aquí se hace, que hay momentos que por exagerados que parezcan, casi te hacen apartar la vista.

Acción, violencia y una buena historia. Una película notable.
8/10 - Notable







Nº de películas reseñadas en el blog: 411
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jueves, 5 de julio de 2018

Cine, lo que vamos viendo. Tres reseñas (nº CIX)

Fecha estelar:-304491.9
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Películas reseñadas:

- Ocho sentencias de muerte (1949)
- El regreso (2003)
- Un mañana mejor (1986)


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Ocho sentencias de muerte (1949)
Dir. Robert Hamer

En el terreno de la sátira nada mejor que la elegancia, el fino humor inglés dedicado a lanzar cargas de profundidad a la aristocracia inglesa sin necesidad de ser explícito ni perder la compostura. Aquí se asesina, pero con elegancia y educación ¡Pero si nada más empezar nos encontramos con un educadísimo vergudo digno con su trabajo y encantado de ejercerlo, nervioso porque va a ejecutar a un duque y preocupado por el tratamiento y las formas! 

Una película para sentarse a disfrutar de unos diálogos que ya no se dan más que en estas películas. La película sobresale, sobre todo, por su guion. No por lo hilvanada que esté la historia, sino por el "día a día" de las líneas, que no hay frase ni diálogo disonante o que sobre, todo tiene un sentido, o doble o triple, si de la ironía se trata. Y los actores también ayudan, especialmente los dos principales. El protagonista, una suerte de Monsieur Verdoux pero con dedicación a los miembros de su familia, es Denis Price, que está francamente bien en su papel. Se lleva prácticamente todo el diálogo ya que también forma parte de la voz en off que narra la historia. Pero en la otra parte está Alec Guinness, que interpreta nada más y nada menos que ocho papeles diferentes, todos los correspondientes a los miembros de la familia D'Ascoyne. Impagable en su papel como Lady Agatha, sufragista femenina, melena al viento subida en un globo. Todo es humor elegante, pero este momento es de carcajada segura.

Una película que no envejece.

8/10 - Notable



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El regreso (2003)
Dir. Andrey Zvyagintsev

La ópera prima de Andrey Zvyagintsev es esta alabadísima película con una nota media muy alta en páginas de cine y con premios y nominaciones por todos lados. Con estas credenciales es imposible dejar pasar por alto su visionado si se tercia la posibilidad. Y caí en la trampa.

Resulta que “El regreso” es de esas películas en las que el espectador tiene que imaginar todo, lo ocurrido, lo que ocurre y lo que ocurrirá, tiene que entender las metáforas o las alegorías, los propósitos y las finalidades, nada se explica. Con una premisa prometedora, la película va avanzando, parsimoniosa, lenta, empiezas a ver que esto es, otra vez, “la zona”, otra vez Stalker, otro imitador de Tarkovsky. ¡Qué pereza! ¡Qué pronto empieza todo a importarme lo más mínimo! La razón principal, claro está, es que hay poca realidad y menos ganas de interpretar lo que se quiere decir. Laaargas reseñas hay que se dedican a alabar esta gafapastada explicando lo que debemos interpretar. Casi todas utilizan el manído término "viaje iniciático", su lectura da, todavía, más pereza
.
En fin, lo que comienza como una película prometedora, quizás de misterio, se convierte en un peñazo considerable cuando, como espectador, pierdes toda esperanza de encontrar sentido a lo que estás viendo y también de que el director se baje de su pedestal para decirte algo sencillo y sin pretensiones ni ínfulas. Al menos los paisajes son espectaculares y están bien fotografiados.

Una película no apta para mentes simples y vagas como la mía, lo reconozco. Necesito ver una de Michael Bay para compensar tanto esfuerzo mental.

3/10 - Floja



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Un mañana mejor (1986)
Dir. John Woo

En 1986 John Woo ya llevaba más de una década dirigiendo películas, casi todas bastante inadvertidas. Fue en este año cuando la carrera del director se lanzó definitivamente al rodar este thriller de acción en el que colaboró por primera vez con Chow Yun-Fat, actor reconocido por entonces y, desde luego, hoy día. Vista hoy, "A better tomorow" es puro cine ochentero que envejece bien por la parte de la acción, por la historia, mil veces vista después, y por el ritmo trepidante de la película capaz de contar en hora y media lo que hoy precisaría de una serie de diez capítulos. Pero también envejece mal por otros muchos aspectos, a no ser que los dejemos pasar y los tomemos como "cine de su tiempo".

Se engloba "A better tomorrow" dentro del género propio del cine hongkonés llamado Heroic Bloodshed, del que John Woo es uno de sus directores fundadores. Son películas que combinan la acción y el drama, de policías y gansters honestos cada uno a su modo, ladrones o asesinos con un código ético de lealtad y fraternidad. En la película, dentro de lo que es la historia, son precisamente los lazos de amistad entre los dos sicarios lo que mejor se mantiene pues el resto de la trama es bastante regulera. Mención aparte merecen las escenas de acción pues aquí ya se ve claramente que John Woo es un experto con estilo propio.

Pero, aunque la película es muy dinámica, no aburre y se pasa volando, tiene algunas cosas que han envejecido bastante mal. La comedia forzadísima al principio con el hermano policía y su novia; el propio personaje del hermano policía, con un actor tan poco creíble como insufrible. No tienen que ver estos aspectos con la edad de la película, pero contribuyen. Sí que tiene que ver con "su tiempo" el sonido en la acción, como puñetazos que suenan como los tortazos en una película de Bud Spencer, o sonidos de disparos que en ocasiones parecen petardos, o también muchas muertes por impacto de bala en las que los actores vuelan demasido. Y la música insustancial, muy de su tiempo pero por su versión peñazo. Aspectos que envejecen mal. Pues..., a pesar de los peros, "A better tomorrow" es de lo mejorcito de John Woo, que empezó con esta película y siguió después con las que dirigió mientras duró su etapa en Hong Kong hasta 1992, cuando dirigió "Hard Boiled". Después se fue a USA y vino el bajonazo.

6/10 - Interesante








Nº de películas reseñadas en el blog: 408
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