Cine, lo que vamos viendo. Tres reseñas (nº LXVIII)

Fecha estelar: - 305510.1
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Películas reseñadas:

- Umi yori mo mada fukaku (Después de la tormenta, 2016)
- Kong: la isla Calavera (2017)
- Toki o Kakeru Shōjo (La chica que saltaba a través del tiempo, 2006)

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Umi yori mo mada fukaku (Después de la tormenta, 2016)
Dir. Hirokazu Koreeda

Es curioso cómo Hirokazu Koreeda consigue atrapar al espectador y tenerlo expectante solamente por cómo se va a desarrollar una reunión cuasi-casual y obligada de una familia que lleva rota desde hace tiempo. De nuevo una familia desestructurada, la constante de las películas de Koreeda, unos padres divorciados, un hijo, una madre que mira hacia delante, un padre incapaz de avanzar que recurre a malas artes para alimentar su ludopatía, el verdadero legado de su padre, aquél que no se quiere aceptar y una abuela comprensiva, resignada y paciente, único nexo de unión que queda entre todos ellos. Todo esto se va desarrollando poco a poco, serenamente va avanzando, metiendo al espectador en la vida de unos personajes que no son sobresalientes en nada, solo son personas cualesquiera con sus aciertos o sus errores. Koreeda es un maestro en mostrar la realidad de lo cotidiano y en hacerla interesante. Y como la realidad es así, Koreeda no soluciona sus historias recurriendo a sorpresas, estridencias o sentimentalismos. Es la vida misma.

Los actores principales están bien en general. Son actores que repiten con el director pues tanto la veterana Kirin Kiki como Hiroshi Abe ya participaron en la notable y conmovedora Kiseki (Milagro, 2011) y en Aruitemo, Aruitemo (Still Walking, 2008) película con la que ésta tiene ciertos paralelismos. La bellísima Yôko Maki también participó anteriormente en Soshite chichi ni Naru (De tal padre, tal hijo, 2013). Es, desde luego, Kirin Kiki quien sobresale en su papel, tiene un par de escenas espléndidas tanto con su hijo en la cocina mientras los demás duermen como con su ex-nuera un poco después. En cierto modo, un papel muy parecido al que borda en An (Una pastelería en Tokio, 2015), buenísima película de Naomi Kawase.

Después de la tormenta está, sin embargo, un paso atrás de otras películas de Koreeda, sin ir más lejos de su anterior película, Umimachi Diary (Nuestra hermana pequeña, 2015) que consigue llegar, al menos en mi caso, mucho más hondo. En Después de la tormenta Koreeda parece que trabaja a marcha fija, deja también a un lado la crítica social y la historia que plantea no cala tan hondo o, simplemente, no es tan emocional como las anteriores. Lo que pasa es que cualquier película menor de Koreeda es de por sí una película muy estimable. Es el ejercicio de estilo a la hora de elegir y contar las historias lo que hace del cine de Koreeda un digno heredero actual del cine de Yasujiro Ozu. Que no es decir poco.

 "Nunca he amado a alguien más profundamente que el mar
aunque haya llegado hasta esta edad"

7/10 - Buena

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Kong: la isla Calavera (2017)
Dir.: Jordan Vogt-Roberts

1) La película es puro entretenimiento, cine de aventuras, es "serie B con dineros".
2) La “serie B con dineros” permite visualizar las ideas más locas que se puedan ocurrir, lo de Kong con los helicópteros es puro delirio.
3) Si te entretienes en sacarle punta o criticar las explicaciones, como las que se dan sobre la situación de la isla, no disfrutarás para nada lo que aquí se pretende.
4) El guion es lo de menos y se nota, que lo que importa es Kong y que los demás corran delante de él.
5) Los efectos de ILM son impresionantes. La película tiene una buenísima colección de fotogramas-salvapantallas.
6) Personajes estereotipados con poco desarrollo que la mayor parte de las veces toman decisiones chorras porque sí, porque es lo que corresponde a lo que importa: Kong. Lo malo de estos personajes es que tienen destinos predecibles.
7) ¿Hay algo más estereotipado que el remedo del capitán Achab en versión militarista y la fotógrafa de guerra que hace fotos por la paz? Al menos el director no les da demasiado recorrido ni los tiene juntos demasiado tiempo. Lo peor del film.
8) Creo que en la película me ha parecido ver a Tom Hiddleston.
9) Al menos sí que tiene un sentido del humor/mala leche a través de algunas muertes. Desternillante una en concreto, momento “me sacrifico por los demás”.
10) La imaginación con las criaturas de la isla no es especialmente afortunada y esperaba más variedad. Lo que no es perdonable es sustituir los tiranosaurios por las criaturas que se ven en pantalla.
11) El personaje de John C. Reilly tiene su gracia y su aparición, la del personaje, estaba más que anunciada. Su control sobre las tribus habitantes de la isla no sé si es para reír o para llorar. A través de él y de las tribus se incluye un momento niños de Mad Max III que se une al batiburrillo de cosas de otras películas que han conformado ésta, King Kong, Parque Jurásico, Apocalypse Now, …
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12) Una película interesante, es cine de aventuras/fantasía que no tiene más pretensión que hacerte pasar un buen rato. Si tu acercamiento al mismo no tiene más objetivo que ése, si te dejas el cerebro aparcado un rato, puedes pasar un par de horas entretenidas con un producto muy bien hecho.

6/10 - Interesante

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Toki o Kakeru Shōjo (La chica que saltaba a través del tiempo, 2006)
Dir.: Mamoru Hosoda

Se puede decir que en el año 2006 Mamoru Hosoda dio un giro importante a su carrera ya que dejó de realizar películas asociadas a franquicias (Digimon, One Piece) y se encaminó hacia una senda de historias originales que, hasta ahora, ha dado como fruto cuatro largometrajes que tienen como nexo común el introducir un elemento fantástico en sus historias, el de los mundos paralelos. Ha ido evolucionando Hosoda en estos cuatro largometrajes, siempre creciendo, hasta culminar en la muy notable Bakemono no Ko (El niño y la Bestia, 2015), película que confirma que es uno de los más importantes directores-animadores japoneses actuales, de esos que solo esperas con impaciencia su nuevo trabajo.

Y el inicio de esta etapa está en La chica que saltaba a través del tiempo, una película muy estimable y dinámica que utiliza el asunto de los saltos hacia atrás en el tiempo que puede realizar la protagonista, Makoto, para contar una historia de adolescentes que están a punto cambiar de grado en el instituto. No se descubre nada nuevo por esta parte porque cumple con todas las constantes que conforman el anime del género “vida escolar”, pero la introducción de los viajes temporales, la alteración de la realidad para conformar otra paralela, le da a la película bastante interés gracias, también, a que la historia está muy bien contada y es muy dinámica, con su gran parte de humor, su intermedio intrigante y su desenlace típico del género. Y mejor dibujada en cuanto a fondos se trata. El dibujo de los personajes, sin embargo, adolece de un trazo excesivamente simple y la gestualidad se pone de manifiesto a través de los típicos trazos extremos tan habituales en el anime. La evolución de las películas de Hosoda también ha ido a mejor en este sentido, el de la animación de personajes.

El mejor plano: cuando Makoto empuja a Chiaki para que se vaya, como si lo estuviera sacando de la pantalla. Genial.

Y luego, además, nos deja el señor Hosoda, con la incógnita sobre la verdadera identidad de la tía de Makoto. Pues nada, a especular!!!

Otra cosa son los parelismos entre esta película y Kimi no na wa (Your name, 2016) de Makoto Shinkai. Que los tiene.

6/10 - Interesante

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Una entrada sobre el cine de Hosoda: Mamoru Hosoda y los mundos paralelos aquí: http://laseccionnueve.blogspot.com.es/…/…/mamoru-hosoda.html

Nº de películas reseñadas en el blog: 285
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Recuerda, amigo lector, que estas reseñas están basadas única y exclusivamente en mi opinión y gusto personal que puede, o no, coincidir con la del resto de los mortales.





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Cine, lo que vamos viendo. Tres reseñas (nº LXVII)

Fecha estelar: - 305524.5
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Películas reseñadas:

- Life (2017)
- Little Forest - Summer/Autumn (2014)
- Little Forest: Winter/Spring (2015)
- Los siete magníficos (2016)

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Life (2017)
Dir. Daniel Espinosa

Siendo Life una de las películas más predecibles que se puedan ver, su interés se centra en ver sus efectos, la recreación de la EEI y los movimientos en el espacio (en este sentido mal empieza cuando vemos que la sonda espacial que viene de Marte es bombardeada por basura espacial y podemos oír los impactos y los roces como si de balas se tratara, pero bueno son cosas del “lenguaje cinematográfico”). El CGI no está mal y al menos te va entreteniendo mientras vas acertando el orden en que van cayendo las víctimas de este marciano. Por cierto, el diseño de la criatura sigue la tendencia de representar los marcianos como ya los vislumbrara H. G. Wells, en plan pulpo. Es una curiosidad, una casualidad.

Pero la película es muy, muy predecible, enlosada bajo el peso de otras películas que la preceden y a las que no llega a acercarse, sobre todo a la más evidente de ellas. Eso sí, los personajes conforman toda una comunidad multirracial que es lo que toca en las películas de hoy día aunque con muy poco interés o esfuerzo por hacerlos interesantes. Se sufre poco por el devenir de cada uno, preocupa mucho más la suerte del marciano y sus enigmáticas necesidades de oxígeno unas veces sí y otras veces no según le venga bien al que lo ha escrito.

Ni siquiera sorprende el final, que la jugada se ve venir de lejos.

5/10 - Pasable

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Little Forest - Summer/Autumn (2014)
Little Forest: Winter/Spring (2015)
Dir. Junichi Mori

Entre el año 2002 y el año 2005 Daisuke Igarashi publicó un pequeño manga no excesivamente renombrado por estos lares que constaba de dos volúmenes, “Little Forest” (Ritoru Foresuto). Se trataba de representar la relación de una joven con la naturaleza y con la vida autosuficiente después de ser abruptamente abandonada por su madre. Es un manga englobado en el género “recuentos de la vida” (Slice of life) que como tal ha sido adaptado a la gran pantalla por Junichi Mori con la colaboración en el guion del propio Igarashi. 

La acción se centra en la región de las montañas Tohoku, en el norte de la isla principal del Japón. El paisaje es exuberante y es una de las principales virtudes de estas películas que están fotografiadas de maravilla. La protagonista, Ichiko (Ai Hashimoto), se dedica a la agricultura tradicional consiguiendo conectar con la naturaleza a través los alimentos que elabora. Es cuasi cine documental porque permite ver cómo son los métodos de cultivo más tradicionales y, sobre todo, de la elaboración de la comida. De hecho estas películas están estructuradas en platos, en la elaboración de los mismos y en los recuerdos que llegan a Ichiko al cocinarlos, fundamentalmente de vivencias con su madre, aunque también escolares.

No debe esperar el espectador que exista una trama real en una película cuyo ritmo tranquilo, pausado y contemplativo puede tirar para atrás a más de uno. En realidad son cuatro episodios de una hora de duración, uno por estación, con sus propios créditos iniciales y finales. Quizás sea la mejor forma de ver estas películas porque de un tirón pueden hacerse cuesta arriba. Recuerda mucho esta película a “Aguas tranquilas” de Naomi Kawase tanto en ritmo como en intenciones que pasan, desde luego, por tributar respeto por los mayores y por las tradiciones enraizadas en la relación con la naturaleza. Un modo de vida que a duras penas se mantiene en el mundo actual.

Tal como debe corresponder al género al que pertenece, la pequeña historia que se cuenta se hila a través de la estacionalidad, la vida cíclica a la que Ichiko parece finalmente resistirse. Quizás, se intenta dar, a modo de epílogo, un final a todo que resulta forzado porque la ausencia de una trama concreta con un final abierto es más característico de los “recuentos de la vida”.
Cine minimalista, detallista de lo cotidiano, tranquilo, visualmente maravilloso y del que siempre se aprende. Es un cine muy diferente, y también hay que acercarse a él de forma diferente.

7/10 - Buena 

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Los siete magníficos (2016)
Dir. Antoine Fuqua

¿Era necesario hacer un remake de la película de John Sturges, que a su vez era un remake de la película de Kurosawa que es en realidad la única y verdadera obra maestra? Pero..., ¿por qué, por qué?
Al menos, el remake del año 1960, una buena película que no envejece mal y a la que la música de Elmer Bernstein eleva todavía más, planteaba la variante de pasar la historia de Kurosawa al terreno del western, pero en este caso el remake del remake tiene pocas variantes, y lo que es peor, más previsible que el amanecer que se produce cada día.

La única explicación es la de siempre estos días, fabricar un producto perfectamente estudiado para hacer caja, una película diseñada en despachos de hombres que negocios. En realidad, todas las películas tienen ese mundano objetivo, pero, al menos, hay casos de un cuidado por el resultado de un producto que sea coherente y asociable a un estilo, a una cierta autoría. Pero cada vez es más difícil encontrar películas de directores, Hollywood es una fábrica de churros y alguna vez te toca la porra.

Y no es Los siete magníficos de 1960 la única buena re-visitación a la historia de Kurosawa, que ahí está también Bichos (1998) que tampoco está nada mal, lleva la historia a otro escenario totalmente original y no comete el error de magnificencia a la hora de utilizar el mismo título como sí hace ésta que nos ocupa. Ahora bien, ¿Por qué Los siete magníficos del 2016 no consigue captar mi atención ni mi interés más allá de contemplar un buen plantel actoral en una película técnicamente buena y más o menos bien hecha como debe corresponder al presupuesto que maneja? Lo que tira el film al barreño de lo perfectamente olvidable es la componenda de historia que conforma un guion muy malo, poco trabajado y previsible, como si lo hubiera hecho una máquina de arquetipos. Viendo lo que ha hecho Nic Pizzolatto hasta ahora, parece que perdió toda su fuerza con la primera temporada de True Detective, o quizás allí ocurrió que el bueno era en realidad Cary Joji Fukunaga.

Se nos junta aquí al típico grupo multirracial (esto ya está estandarizado en las películas de hoy en día, que el mercado asiático salva muchos presupuestos) y al malvado arquetípico cuya maldad, además, se acentúa innecesariamente. Esta película es el reino en el que las cosas pasan porque sí, la constitución del grupo es disparatada con algunos encuentros irrisorios en los que se planean situaciones inverosímiles (aquí la cuestión india), los enfrentamientos y apariciones “sorpresivas” están prefijados de antemano y las justicias poéticas se ven venir de lejos. Incluimos además, porque es preceptivo, a la protagonista femenina fuerte y decidida aunque con vestimenta alejada de la típica ropa que utilizan sus aldeanas y agricultoras vecinas y entonces el cupo de las Naciones Unidas y el de las sensibilidades queda bien cubierto. Excepto Denzel Washington, que más o menos siempre hace lo mismo, y el papel de Ethan Hawke que tiene un mínimo desarrollo, el resto de personajes se limitan a conversaciones insustanciales para luego dar sentido a aquello de formar parejas en la lucha por el bien.

James Horner está al cargo de la música y no realiza un mal trabajo aunque es muy cansino con su sempiterno “parabará” y algún que otro corte reciclado de otras películas. Si soy más o menos torpe en el asunto musical y me doy perfecta cuenta de ello es que es pesado con la repetición. Pero luegollega el homenaje a la banda sonora de Bernstein, lo mejor del film con diferencia.

4/10 - Regular

Nº de películas reseñadas en el blog: 282
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Recuerda, amigo lector, que estas reseñas están basadas única y exclusivamente en mi opinión y gusto personal que puede, o no, coincidir con la del resto de los mortales.





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Cine, lo que vamos viendo. Tres reseñas (nº LXVI)

Fecha estelar: - 305553.6
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Películas reseñadas:

- Blame! (2017)
- Deliverance (1972)
- El guerrero nº 13 (1999)

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Blame! (2017)
Dir. Hiroyuki Seshita

No es que sea Blame! un manga excesivamente largo pues son diez volúmenes más uno adicional a modo de precuela. Sin embargo, la magna obra de Tsutomu Nihei es, a todas luces, inabarcable en una sola película. El mundo postapocaliptico, artificial y tecnológico, gobernado y autosostenido por una red de control cibernética solo se deja ver un poquito en esta película de Hiroyuki Seshita que, además, entra a saco desde el principio sin explicación alguna. Que se trata de una megaciudad que rodea toda la Tierra, de dimensiones desconocidas aunque su continua construcción por seres mecánicos ya ha llegado a envolver la órbita de la Luna (Nihei juega con el concepto de Esfera de Dyson), formada por estructuras anárquicas establecidas a través de miles y miles de niveles en los que habitan muy pocos humanos ya que son perseguidos y exterminados por el Sistema de Seguridad de la Ciudad, así como otros seres que van desde simples robots sin conciencia a seres de silicio o cyborgs,.... poco se dice de todo esto en la película que se limita a acercarse a esta realidad distópica y ciberpunk a través de un grupo de personajes que intentan sobrevivir a duras penas en un pequeño reducto.

Si el verdadero protagonista del manga es Killy, en la película se opta por dar protagonismo coral a los habitantes del refugio de humanos que terminan encontrándose con él en una de sus salidas en busca de alimento. Entonces, Killy se une a ellos para ayudarles si es que se puede decir así ya que su interés solo se centra en la búsqueda de humanos con genes puros de conexión a la red. Lo que se ve en la película se cuenta entre los volúmenes 3 y 4.

¿Ha sido un acierto este enfoque?

Desde luego. El hecho de elegir solo una pequeña parte del manga para desarrollar una historia más o menos cerrada ha sido la mejor manera de solventar la dificultad de adaptar un gran manga que es tan inabarcable como lo es la megaestructura donde se desarrolla. El pero está en lo poco que se asoma a la complejidad real de este mundo pues solo se vislumbra un poco y deja muchas ganas de saber más sobre cómo está construido que es lo verdaderamente interesante de la historia, sobre todo para aquél que se acerque con un desconocimiento total de la misma.

Eso sí, la película tiene muy buen ritmo y está muy bien realizada para estar dibujada completamente con ordenador. Sobre todo porque la utilización del CGI en los personajes está bastante bien conseguido al darles un acabado muy cercano al anime dibujado a mano tradicional. El estudio Polygon Pictures ya había utilizado esta técnica anteriormente en la serie Sidonia no Kishi (Knights of Sidonia, 2014-15) con resultados visuales realmente buenos.
Y luego está la compositora Yôko Kanno a cargo de la música. Nunca defrauda.

7/10 - Buena

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Deliverance (1972)
Dir. John Boorman

Deliverance es, en mi opinión, de lo mejor que ha filmado John Boorman en su carrera. Junto con Excalibur (1981) e Infierno en el Pacífico (1968), ésta última con muchos paralelismos con Deliverance al tratar la violencia humana en medio de una naturaleza imponente. En cualquier caso, buena parte de la filmografía de este director ha tenido muy presente el medio natural para el desarrollo de sus historias.

El título que se le dio en España es "Defensa", supongo que porque sí, por cambiar y hacerse notar. El significado real de la palabra es más acertado. En cierto modo esta película es precursora de La presa (1981) de Walter Hill pues cambiando los personajes urbanitas por un pelotón del ejército y los lugareños poco civilizados de los montes Apalaches (la versión despectiva del término hillbilly) por los cajunes de los pantanos de Luisiana, tenemos que básicamente viene a ocurrir lo mismo. Eso sí, la película de Boorman es muy superior no solo por el poderío de los paisajes naturales, de su fotografía y de lo bien rodada que está, sino también porque sus personajes no son simple carne de cañón excesivamente histriónica como sí lo son en la película de Hill.

Dejando a un lado el hecho de que el personaje de Burt Reynolds queda algo abandonado, y también que hay un par de escenas al principio que anticipan lo que el personaje de John Voight debe enfrentar, el resultado es un peliculón que sabe poner al espectador en la tesitura sobre lo acertado o no de las decisiones que se toman a partir de un cierto momento que, por cierto, está rodado sin demasiadas concesiones. Es la dureza de este momento la que motiva a los personajes civilizados a tirar por unos derroteros que no tienen vuelta atrás, pero Boorman maneja muy bien lo que se debe mostrar que no es otra cosa que tirar exclusivamente por el punto de vista de los protagonistas que busca, seguro, la complicidad del espectador que sufre como el que más. Y no hay que explicar nada más, solo dejar algunas dudas por el camino. Pero estas dudas deben ser pensadas después, cuando la pesadilla haya terminado. Lo primero es sobrevivir.

8/10 - Notable

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El guerrero nº 13 (1999)
Dir. John McTiernan

No es fácil encontrar sentido a los palos que ha recibido esta película cuando se trata de una más que digna cinta de aventuras en su más puro estilo. No tarda John McTiernan ni tres minutos, incluso antes de que salga en los créditos iniciales el nombre del director, para meter al espectador en la historia. A partir de entonces se coge un ritmo que ya no decae hasta el final con una historia coral de vikingos bien filmada por alguien que se maneja muy bien el cine de acción. Tampoco es desdeñable la labor de producción (la película fue una ruina) y la música de Jerry Goldsmith está a la altura.

La historia, basada en una novela de Michael Crichton, es un batiburrillo de ideas mezcladas para dar una explicación al origen del mito de Beowulf. Crichton mete en la historia un personaje real, el cronista árabe Ahmad ibn Fadlan, para dar un tono verosímil al origen del mito, pero esta idea es llevada más allá en la película y vemos a un correcto Antonio Banderas realizando una especie de viaje de perfeccionamiento y compresión de otra cultura a la vez que consigue ser pieza importante en el desenlace de la misma. El que está impresionante es Vladimir Kulich en el papel de Buliwyf, sosias de Beowulf, más que nada por su presencia y porte porque habla menos que el Chuache en Conan.
Ahora bien, lo que vemos en esta película no es del todo la obra que John McTiernan hubiera querido mostrar. Muchas desaveniencias con Crichton, que también era productor, hicieron que éste último tomara las riendas en postproducción y cortara la película a su gusto incluso rodando algunas escenas. Se nota, hay cortes en subtramas y, sobre todo porque el final es demasiado abrupto. No obstante, sea por parte de Crichton o sea por parte de McTiernan, la película consigue lo que pretende, entretener sin necesidad de tener que dar trasfondo a los personajes más que el estrictamente necesario para centrarse en lo que importa, ¿quiénes son los seres que acechan al poblado? ¿pueden ser derrotados? Es la necesidad actual que hay de explicarlo todo lo que hace que muchas películas se alargen y alargen en su propio aburrimiento.
Lo que sí es puro sello McTiernan (Michael Crichton como director no ha dado nada especialmente relevante) es el cómo han quedado filmadas las escenas de acción. Con dos momentazos, el primer ataque de estos seres llamados Wendols a la casa comunal que es cuasi terrorífica y toda la incursión de los guerreros en la guarida de estos Wendols. Pura acción y aventura clásica.

7/10 - Buena

Nº de películas reseñadas en el blog: 278
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