domingo, 29 de noviembre de 2015

Sobre la trilogía de El Hobbit

Fecha estelar: -307088.2
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Tal como ya ocurrió con la trilogía de ESDLA, Peter Jackson ha planteado su versión de El Hobbit con tres películas estrenadas en cine, y con sendas versiones extendidas estrenadas cada una un año después de sus correspondientes cinematográficas. Si en el caso de El Señor de los Anillos las versiones extendidas mejoraban notablemente las versiones de cine, de hecho, para mí, no existen otras películas de ESDLA que no sean las extendidas, en el caso de El Hobbit lo aportado en las versiones extendidas no es sea nada del otro mundo en la primera película, algo mejor en la segunda y claramente favorable en la tercera. Y eso que solo se han añadido unos 20 minutos más de metraje, pero que permiten mejorar bastante el resultado final de La batalla de los cinco ejércitos.

No obstante, al igual que en ESDLA, finalizada la trilogía, hay que reseñarla como un todo. No hay tres películas de El Hobbit, hay una película de cerca de nueve horas. Vista así, gran parte de los “peros” desaparecen y nos queda un producto notable sobre todo por la gran labor de producción y visualización de la Tierra Media.
Pero es evidente que al lado de ESDLA la trilogía de El Hobbit pierde. Dos son los motivos principales. El primero, la tendencia de Peter Jackson a rizar el rizo en la acción, que le está llevando a abusar del CGI. Esto no es algo nuevo en Peter Jackson, no hay más que recordar la interminable estampida de dinosaurios en King Kong (2005). Pero, por mucho esfuerzo que se haga con el CGI, por muy bien que quede (aquí hay cosas tan buenas como un dragón o un Gollum, y cosas tan malas como un super-Legolas a lo Mario-Bros) te queda la sensación final de artificiosidad. En ESDLA no ocurre esto, y también tiene mucho CGI, pero hace 14 años todavía había que pensar, recurrir a trucos y efectos tradicionales, recurrir a lo físicamente real para conjuntarlo y crear un producto que no está envejeciendo mal. Ya veremos cómo envejece esta trilogía. La utilización de lo real es especialmente relevante con el paisaje de Nueva Zelanda, primordial para ESDLA, que en El Hobbit pasa bastante desapercibido.

El segundo motivo es el texto de partida. Es evidente que la propia historia contada en El Hobbit, publicado como un cuento infantil, no tiene el desarrollo y la profundidad de El Señor de los Anillos.  Poco tuvo Peter Jackson que inventar en ESDLA, todo estaba ya muy bien escrito. Y hay que agradecerle el respeto que tuvo con la grandísima historia creada por J. R. R. Tolkien al no mancillarla con demasiados cambios.  En El Hobbit Jackson tampoco es que realice muchos cambios respecto de la historia original, lo vuelve más adulto y le añade historias. La que mejor queda, Dol Guldur, ya estaba escrita por el profesor Tolkien en otros textos. La que no cuela es la que inventa con pretensiones “cinematográficas-recaudatorias” que es la historia de la elfa y el enano.

Cualquiera podría pensar, tras lo expuesto hasta ahora, que la trilogía de El Hobbit me resulta fallida. Nada más lejos de la realidad. No soy un fanático-purista de la obra de Tolkien, sé separar lo que el profesor cuenta en sus libros, que para mí son lo primero, de la visión de un cineasta que, entiendo, trata de dar su versión de estas historias. Soy lector muy recurrente de las historias de Tolkien, pero también sé ver que, de casi todas ellas, El Hobbit es demasiado infantil y veo que Jackson ha intentado aunar la historia de una forma coherente con su trilogía anterior del ESDLA. Me da igual lo larga que pueda quedar, me está mostrando un mundo, la Tierra Media, en el que siempre he querido estar.

Uno ya va siendo demasiado viejo como para tomar el libro de El Hobbit y considerarlo al mismo nivel que la historia de los hijos de Húrin, otras historias de El Silmarillion o ESDLA. Más que nada porque en sus propios orígenes las pretensiones de El Hobbit eran muy diferentes a las del resto de obras de Tolkien. Por eso agradezco a Jackson su adaptación, su intento de “volver más adulto” El Hobbit. También hay que comprender que tiene que jugar con este intento y con el de llegar a la mayor parte del público posible porque, en realidad, esto es un negocio. Por mi parte no me cuesta trabajo reconocer que prefiero esta visión fílmica de El Hobbit, más coherente con la historia que quiero tener en mi cabeza, más coherente con la edad que uno lleva hoyando en este mundo. Y la prefiero porque antes de estas películas, en ámbito del cine, no había nada que fuera simplemente destacable. Lo que venga después, ya veremos.













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Recuerda, amigo lector, que estas reseñas están basadas única y exclusivamente en mi opinión y gusto personal que puede, o no, coincidir con la del resto de los mortales.









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miércoles, 25 de noviembre de 2015

Cine, lo que vamos viendo. Cinco reseñas (publicación nº 11)

Fecha estelar: -307099.9
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Películas reseñadas:
- Bone Tomahawk (2015)
- El camino a casa (1999)
- Evolution (2001)
- Ant-man (2015)
- La leyenda de Vandorf (1964)


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Bone Tomahawk (2015).
Dir. S. Craig Zahler

Curiosa mezcla de western y terror, primera película de Craig Zahler. Claramente estructurada en tres partes la película va creciendo poco a poco hasta su impresionante última parte.
Tiene un ritmo pausado, acentuado por la falta de música que sólo aparece en un par de momentos puntuales, con un ayudante de sheriff que recuerda mucho al mismo personaje en las películas de John Ford y con un Kurt Russell muy convindente (se le echa mucho de menos).
Las referencias "fordianas" son bastantes más, pero todo se detiene cuando se afronta el último tercio de película, el terror más crudo aparece, no te puede dejar indiferente.
7/10 - Buena









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El camino a casa (1999). 
Dir. Zhang Yimou.
En mi opinión no llega a obra maestra por un pelo, por el simple detalle de no elegir actores profesionales principales cuando el film se centra en el presente. Pero esto es un simple detalle porque crear una obra de arte con imágenes y con diálogos mínimos está al alcance de muy pocos. Zhang Yimou despoja la historia de elementos superfluos, se centra en lo esencial y nos regala una de las más bellas historias de amor jamás contadas. Con detalles mínimos, un cazo, una escuela, un pasador, el bellísimo rostro de Zhang Ziyi y su interpretación, fotografiada con un cuidado primoroso, Yimou es capaz saber mostrar la esencia y la importancia del detalle más simple. No toma al espectador por simple, no tiene que explicar con palabras nada, monta las imágenes con maestría y nos regala esta maravillosa película que te lleva a olvidar la artificiosidad del mundo en que vivimos.
9/10 - Muy buena






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Evolution (2001).
Dir. Ivan Reitman

El director de Cazafantasmas se marca aquí otra comedia que está al mismo nivel que la mayoría de sus películas: casi no llega a pasable.
Ésta en concreto se deja ver (por obligación según cuento al final), va a buen ritmo, sus efectos son aceptables y algunos chistes te sacan la sonrisa. Una especie de episodio de Expediente X con el agente Mulder en plan graciosillo, un Orlando Jones con momentos buenos y con momentos deplorables, algunos gags escatológicos son, por lo que parece, inevitales, y una Julianne Moore que no sé exactamente qué está haciendo aqui. (Cobrar, supongo).
Te la ponen por la tarde en la tele, estás tirado en el sofá con una postura que más bien parece que te has caído del techo, el mando a distancia no está a tu alcance por poco, un par de uñas, por más que estires la mano, no lo pillas, ..... al final la ves. Un pasa-ratos.
4/10 - Regular




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Ant-Man (2015).
Dir. Peyton Reed

Toc, toc... ¿Hola? Emoción, ¿estás ahí? ¿Emoción? ¿Dónde estás, emoción?
Pues eso, sabiendo que vas a ver todos los tópicos del cine de (nueva categoría) "Super-héroes-Disney-Marvel", que los tiene desde el guión al tipo de personajes, esperaba al menos que el aspecto de la miniaturización del personaje y sus correrías por el mundo siendo un diminuto fueran, cuando menos y con los medios de hoy día, sorprendentes, que es un tipo de emoción.
Pues no. Como este hombre no se está quieto ni un momento..., es que no se ve casi nada!!! Y lo poco que se ve, un bluff. En este aspecto El increíble hombre menguante con la tecnología de hace 60 años, está muy, pero que muy, muy por encima de Ant-Man.
O sea, que en Ant-Man la visión diminuta del mundo importa más bien poco, más allá de ser la nueva escusa para montar la típica historia iniciática del superhéroe. Porque la historia es lo de siempre en la categoría
"Super-héroes-Disney-Marvel": un malo de chichinabo, el trío humoristico y sus dicharacheras aventurillas y chascarrillos, el profesor comprometido, la despampanante hija del profesor, yo soy rebelde porque el mundo me hizo así, la happy family, etc... Todo mil veces visto. Muchas referencias para la continuidad del producto, que esto sigue siendo una máquina de hacer dinero, y un deus ex machina cuántico de tres pares de narices. Pero bueno, en esto último no nos podemos quejar, que esto es "fantasía".
- Profe, profe! ¿y entre los protones y los electrones qué hay? ¿Hay aire?
- Pues sí, Luisito, y también hombres-hormiga.

4/10 - Regular


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La leyenda de Vandorf  (La Gorgona -1964).
Dir. Terence Fisher.

La Hammer en estado puro. Hoy, que ya estamos hechos a todo, ya no son películas de terror, son historias gótico-fantásticas con un sello propio inconfundible del que es muy responsable Terence Fisher que dirigió unas cuantas.
La Gorgona nos mezcla un montón de cosas, el mito griego en castillos de centro-europa, el médico (Peter Cushing) que esconde su amor imposible en su misterioso comportamiento, un profesor (Christopher Lee) a la manera de un Holmes que investiga el caso, la transformación lunática al modo del hombre lobo, los paisajes recreados en estudio inconfundibles de la Hammer, el juego de luces y el matte painting.... una delicia si se entiende esta película como se debe entender, dentro de su tiempo y paradigma de un estilo de cine.
6/10 - Interesante








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Recuerda, amigo lector, que estas reseñas están basadas única y exclusivamente en mi opinión y gusto personal que puede, o no, coincidir con la del resto de los mortales.




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jueves, 19 de noviembre de 2015

Porco Rosso: tres referencias en Ghibli

Fecha estelar: -307115.7
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Un cerdo que no vuela solo es un cerdo
Porco Rosso

Primero una breve reseña ya publicada:
Kurenai no Buta (Porco Rosso, 1992).
Dir. Hayao Miyazaki.

El maestro Miyazaki consigue en esta película que un personaje hechizado con cara de cerdo cuele en la historia y no nos resulte algo disonante. Bellísima fantasía de aventuras, pero también un anime profundamente romántico solamente a través de cuatro detallitos colocados en toda la trama. No hay que contar más, y es lo mejor de la película. Se dan suficientes detalles para que cada uno arme la historia de las personas mientras disfruta de unas escenas aéreas que, en animación, aún no se han superado. La historia que Porco le cuenta a Fio sobre su transformación, la visualizaicón de la fantasía y la propia escenificación del lugar donde Porco y Fio están, te deja sin palabras.
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Una vez estrenada la película, Porco Rosso tiene, al menos, tres menciones concretas en posteriores producciones del estudio Ghibli. La primera de ellas tan solo un año después, en Umi ga kikoeru (Puedo escuchar el mar), produción modesta del año 1993 dirigida por Tomomi Mochizuki. En una escena que tiene lugar en una estación de tren, se puede ver un cartel anunciando la pelicula de Porco Rosso.










En 1994, Porco Rosso aparece en Pom Poko (Heisei Tanuki Gassen Ponpoko) de Isao Takahata. En una de las secuencias donde los tanuki toman forma de fantasmas de la mitología japonesa, se aprovecha para incluir varios personajes voladores de anteriores películas del estudio Ghibli, tal como se ve en los siguientes fotogramas.

Kiki, la protagonista de Majo no takkyûbin (Kiki's Delivery Service, 1989)

Detrás del pájaro, Taeko de Omohide Poro Poro (Only Yesterday, 1991)
y
Totoro de Tonari no Totoro (1988)

Entre los dos cameos anteriores es cuando aparece el hidroavión rojo pilotado por Porco Rosso


El hidroavión de Porco Rosso es un modelo ficticio llamado Savoia S-21



La tercera aparición es en Mimi wo sumaseba (Susurros del corazón, 1995) de Yoshifumi Kondo. Su nombre aparece como la marca de un reloj de péndulo al que dan cuerda en un momento dado.




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Si hacemos caso a IMDb, existen más referencias a Porco Rosso en otras películas del estudio Ghibli, aunque estas no las veo tan claras. Así, se menciona que en Sen to Chihiro no kamikakushi (El viaje de Chihiro, 2001) la cara del hombre de la caldera tiene es la misma que la del patrón el bar que aparece en Porco Rosso, lo cual no es en sí una referencia al personaje protagonista.
También se menciona en IMDb que en Kaze tachinu (El viento se levanta, 2013) la forma humana de Porco Rosso, Marco Pagot, aparece en una de las secuencias oníricas del protagonista, Jiro. 


 
Pero, por más que he buscado al personaje en Kaze tachinu, no lo he podido encontrar. 
Hasta aquí la curiosidad de cine de hoy. Toca descansar un poco.









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domingo, 15 de noviembre de 2015

Cine, lo que vamos viendo. Cinco reseñas (publicación nº 10)

Fecha estelar: -307127.3
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Películas reseñadas:
- Neo-Tokyo (Laberinto de historias) (1987)
- Kuroneko (1968)
- Detour (1945)
- Colorful (2010)
- Coin Locker Girl (2015)


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Neo-Tokyo (Laberinto de historias) (1987).
Dir. Katsuhiro Ôtomo, Rintaro, Yoshiaki Kawajiri

Mediometraje formado por tres historias inconexas dirigidas cada una por un director. Ni que decir tiene que cada director es un peso pesado dentro del mundo del anime desde los años ochenta. Ôtomo, que no se ha prodigado mucho en el largometraje, presenta aquí un corto que se puede considerar previo a su magna obra Akira (1988). Sin embargo el corto de Ôtomo es el que resulta más convencional de los tres. El corto de Kawajiri tiene una animación que, después de 28 años, es simplemente fantástica. Sin un trazo que no sea sacado a partir de un lápiz, nada de ordenador, esto es imposible que se pueda hacer hoy día. Y que no me digan que los Wachowski no visitaron este corto para concebir el truño de Speed Racer (2008). Finalmente, Rintaro. Una niña y su gato atraviesan el espejo y se muestra el más surrealista de los tres cortos, también con una animación impresionante pero, además, con una imaginería alucinante para la más oscura de las tres historias.
7/10 - Buena



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Kuroneko (1968).
Dir. Kaneto Shindô.

Se dice que este título, junto con otros del propio Shindô como Onibaba (1964), son los precursores del actual J-Horror japonés. ¡Ya quisieran!
Kuroneko es un relato fantástico, una historia clásica de fantasmas que no persigue el efectismo actual de las películas de terror. Ciertamente es una historia muy teatral, con pocos escenarios, pero tiene un inicio impresionante, sin palabra alguna durante más de diez minutos.
La escenografía de lo fantasmagórico, con cuatro recursos tan clásicos como las trasparencias, los velos, el humo, el movimiento de los actores, la iluminación y la planificación de las escenas, es simplemente magistral.
Es cine que ya no se hace.
8/10 - Notable







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Detour (1945).
Dir.: Edgar G. Ulmer

Película rodada en seis días, montada en tres, con presupuesto no ya de serie B, sino casi serie Z.
Pues con cuatro cuartos, sólo 5 ó 6 escenarios y pocos actores, Edgar G. Ulmer consigue filmar una historia clásica dentro del cine negro, una historia que contiene todos los ingredientes del género: voz en off, femme fatale, escenas oscuras, iluminación, juego de sombras, la vida delictiva, …
Gran trabajo (no creo que planificado porque en seis días ¿qué puedes planificar?) en las escenas, sobre todo en el movimiento de la cámara en corto y en largo. Pero, sobre todo concisión, maestría a la hora de contar una historia completa en 65 minutos, cosa que se echa muy en falta hoy día. Es admirable ver películas de esta época en las que llevas 15 minutos de film y ya te han contado lo que hoy día precisaría de más de una hora.
La gran pregunta es, ¿trata sobre un hombre con muy mala fortuna? o, más bien, ¿se nos muestra la visión de los hechos, la justificación de la propia inocencia que pasa por la mente de un asesino? Es la duda, es lo inquietante.

7/10 - Buena




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Colorful (2010).
Dir. Keiichi Hara.

Si uno antes de adentrarse en el visionado de “Colorful” indaga un poco en la filmografía de Heiichi Hara, es muy probable que huya despavorido al comprobar que es responsable de una buena parte lo que se ha realizado sobre Shin Chan. (Ciertamente, sobre personajes animados infantiles no sé quién es más subnormal, si Bob Esponja, o Shin Chan).
Pero algo tuvo que ocurrir en el 2007 cuando Heiichi Hara firmó “El verano de Coo”, una película bastante entrañable y emotiva. “El verano de Coo” es cine familiar que no trata al espectador como un retrasado, lo cual alejó mucho a Heiichi Hara de sus trabajos anteriores y consiguió llamar la atención sobre sus posibles siguientes proyectos. En “Colorful” da un paso adelante, deja el cine más infantil, y se adentra en el drama juvenil-familiar de esta película que cumple con buena parte de las características del género “vida escolar” tan prolífico en el anime. Pero, no nos confundamos con el género porque los temas tratados son bastante serios. Heiichi Hara empieza planteando un McGuffin fantástico, un alma que vuelve del purgatorio a la Tierra, para adentrarse en temas tan serios como el desapego familiar, el acoso escolar, la prostitución con adolescentes (enjo kōsai), el suicidio y el aislamiento. Pero, en mi opinión, lo consigue a medias. Ciertamente estos temas los trata, pero profundiza poco, cierra bien la historia principal pero se deja por el camino alguna historia paralela, principalmente la de la compañera de clase, Hiroka, o la historia de la propia madre.
Tarda mucho en arrancar esta película que realmente se vuelve interesante en su segunda mitad. Además, la animación de los personajes, demasiado simplista, no ayuda mucho. Pero, los paisajes urbanos están muy bien dibujados, o más bien, pasados de la foto al dibujo que es lo que parece que se hace.

7/10 - Buena




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Coin Locker Girl (2015).
Dir. Han Jun-hee

Menudo peliculón se ha marcado Han Jun-hee en su debut como director, parece como si llevara rodando películas toda la vida y solo tiene treinta años.
Coin Locker Girl es un thriller brillante que narra con un ritmo que no decae en sus dos horas, la historia de una "familia" prestamista-mafiosa en Corea del Sur. Se sustenta en una historia brillante y sobre todo en la interpretación de sus dos protagonistas femeninas, Hye-su Kim como "Madre", la jefa del clan y una jovencísima e increible Kim Go-Eun.
Pero, además de las actrices, también se sustenta en la habilidad del director para mostrarnos los bajos fondos coreanos. Duro, sin concesiones, sin necesidad de mostrar lo más truculento pero con una violencia más que creible. Desde luego, en el terreno del thriller, el cine Coreano lleva bastantes años dando productos que están muy por encima de lo que ofrece el cine americano de masas.
Han Jun-hee pasa a ser un nuevo director al que seguir sus pasos a partir de ahora.

8/10 - Notable




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Recuerda, amigo lector, que estas reseñas están basadas única y exclusivamente en mi opinión y gusto personal que puede, o no, coincidir con la del resto de los mortales.




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domingo, 8 de noviembre de 2015

Cine, lo que vamos viendo. Cinco reseñas (publicación nº 9)

Fecha estelar: -307146.6
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Películas reseñadas:
- El mundo de Kanako (2014)
- A quemarropa (1967)
- Turbo Kid (2015)
- Terminator Génesis (2015)
- Redada asesina 2 (2014)

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El mundo de Kanako (2014). Dir. Tetsuya Nakashima.

Lo que anteriormente había podido ver de Nakashima (interesante Conociendo a Masuko -2006- y la simplemente pasable Confessions -2010-) no es que fuera nada extraordinario en mi opinión, a pesar de las altas valoraciones que tiene en FilmAffinity. Lo intento de nuevo con El mundo de Kanako, pero tampoco.
La película tiene un montaje muy alabado por dinámico y rápido, sin descanso, pero a mí me parece una pesadilla. Planos que no duran ni un segundo para contar hasta tres escenas a la vez de tres momentos de una historia a mí me cansan. Pero es muy moderno.
En realidad cuando ves la historia, por mucho que el director la esconda la intuyes hacia la mitad del metraje, puedes llegar a comprender que la seriedad de los temas que se tratan, la pederastia y la prostitución juvenil, el abuso de las drogas y el maltrato familiar, se diluyen y banalizan en esta puesta en escena tan “dinámica” y sangrienta.
Ciertamente, ya en sus películas anteriores Nakashima ya demostraba su obsesión por mostrarnos a escolares psicóticos y sangre, mucha sangre, sobre todo en Confessions. Pues bien, aquí tampoco se corta y tenemos un tercio final que roza el esperpento sangriento.
En definitiva, un film que copia mucho del Old Boy (2003) de Park Chan-wook pero que no se le acerca ni de lejos.
5/10 - Pasable




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A quemarropa (1967). Dir John Boorman

No sé si las casualidades existen. Recién vista una simplemente pasable El mundo de Kanako (2014) me encuentro de nuevo en "A quemarropa" un thriller que también recurre a introducir a destiempo un montón de flasback que en bastantes ocasiones carecen de sentido.
Aparte de esto, y de la facilidad de Lee Marvin para entrar y salir de todos sitios, un thriller serio, poco exigente en su guión, con buena fotografía y bellísima Angie Dickinson.
La recordaba más violenta.
6/10 - Interesante











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Turbo Kid (2015). Dir. Anouk Whissell, François Simard, Yoann-Karl Whissell.

Un, supongo, pretendido homenaje a aquel cine ochentero de serie B que a su vez surgía como una especie de clon al amparo de algún exitazo de la época. Este cine poblaba las estanterías de los videoclubs y servía para revisitar, pero en versión cutre, aquel peliculón del que no dejabas de hablar mientras esperabas un nuevo estreno.
Pues bien, eso es lo que tenemos aquí, pero trasladado 30 años en el tiempo, lo cual es una rémora para aquellos que veíamos y disfrutábamos estas películas. El tiempo no pasa en balde y, aunque los guiños a aquel cine son constantes y fácilmente identificables, la historia que cuenta, la poco, poco, poco trabajada historia quizás colara en tiempos de juventud, pero es evidente que ya no. Eso sí, no puedo hablar por cómo pueda ver un veinteañero de hoy día esta película.
En definitiva, si algo me sujeta a la película es la nostalgia al ver esta especie de Mad Max con las motoretas de los Goonies, más sangre que en Terroríficamente muertos y un Indiana de pacotilla al que poco ha faltado para que le viéramos un brazo-motosierra y un ejército de tinieblas. Y como bonus, una máscara sacada del viaje fantástico de Simbad para Michael Ironside que no podía ser otro que Zeus.

5/10 - Pasable



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Terminator Génesis (2015). Dir. Alan Taylor

Solo salvo del despropósito (por eso el 4) los primeros 45 minutos de película, aunque solo sea por la cantidad de guiños a las dos primeras (únicas buenas de la saga). Y también al Chuache, pues al final es lo único que sostiene algo de la película. Pero tiene tres grandes problemas, graves.
El primero es de casting porque, aparte del malo y del cara palo que le han puesto a Sarah Connor de compañero, está la propia protagonista. Emilia Clarke podrá ser muy guapa, pero registros interpretativos tiene pocos y los que tiene aquí no sirven, Sarah Connor dista mucho de Daenerys. La propia película bromea en un momento con su estatura y lo cierto es que en una realidad verdadera cualquier arma de las que utiliza la mandaría 4 metros hacia atrás al disparar.
El segundo problema es el guion. Aparte de que los giros tomados pueden cabrear a más de un seguidor de la saga, tiene agujeros por todos lados, desde el origen de algunos Terminators, hasta retruécanos temporales que ya ni me molesto en intentar comprender. El tercer problema es común en el cine de acción actual. Escenas de acción sinsentido, cosas del todo imposibles, accidentes mortales de necesidad,… más difícil todavía. Y claro, como todo esto es imposible, pues ya se encarga el CGI de dibujarlo todo. Resultado: todo muy falso, falto de emoción e indiferente para el espectador. Vamos que me importa un carajo tanto accidente, golpe y explosión imposible de creer. Y esto se agrava aquí porque los efectos especiales no me parece que estén a la altura, cosa harto rara para ser, principalmente de ILM y Double Negative.

4/10 - Regular



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Redada asesina 2 (2014). Dir. Gareth Evans.

Si Redada asesina (2011) era simplemente una película de las llamadas de artes marciales y hostias por doquier, Redada Asesina 2 no le anda a la zaga, aunque aquí al menos las peleas forman parte de una trama de mafias. Sin embargo, la trama se torna pronto poco interesante por ya vista infinidad de veces. Una trama con demasiados clichés y alargada excesivamente con el único propósito de que vayamos viendo en acción a los protagonistas de las peleas antes del enfrentamiento entre ellos. Por otra parte, como es habitual en las películas de artes marciales, las peleas están alargadas excesivamente. Vamos que puedes ir al baño tranquilamente que a la vuelta todavía están dándose hostias. Lo cual, por otra parte, da lugar a un aspecto que no llego a comprender. No sé si en Indonesia la posesión de armas de fuego está tan perseguida como en Corea del Sur para que ni un guardaespaldas lleve una sola pistola y sí mucho bate y martillo. Eso sí, los enfrentamientos de uno en uno y por orden de lista.
Pero la película tiene un aspecto muy interesante. Aunque las escenas de acción están muy alargadas, sí están rodadas de manera impecable. Gareth Evans encuadra las escenas en planos medios y largos como ya han olvidado hacer en Hollywood, y en muchas ocasiones la cámara da un punto de vista de la situación simplemente brillante. Todas las peleas se entienden perfectamente, la cámara se mueve lo justo, el CGI no es necesario y todo es mucho más físico y natural. Con el permiso de George Miller y su excelente cuarta entrega de Mad Max, Redada Asesina 2 es de lo mejorcito en cuanto a película de acción bien rodada en el último año.
6/10 - Interesante



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Recuerda, amigo lector, que estas reseñas están basadas única y exclusivamente en mi opinión y gusto personal que puede, o no, coincidir con la del resto de los mortales.




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